الجدول الزمني للرقص اليوناني

الجدول الزمني للرقص اليوناني

  • ج. 1500 قبل الميلاد

    تظهر صور الراقصات ، ربما آلهة أو كاهنات ، على خواتم ذهبية وعلى شكل تماثيل من الطين في جزيرة كريت.

  • ج. 740 قبل الميلاد

    نقش Dipylon ، أقدم نص معروف مكتوب بالأبجدية اليونانية ، يصف إبريق نبيذ Dipylon كجائزة لمسابقة الرقص.

  • ج. 600 قبل الميلاد

    ظهر Dithyramb ، وهو شكل من أشكال الكورال والرقص على شرف ديونيسوس ، في ديلوس.

  • ج. 575 قبل الميلاد

    تمثل مجموعة راقصي الخط من الجنسين في Francois Vase الشباب الأثيني والعذارى الذين أنقذهم ثيسيوس من متاهة كريت.

  • ج. 550 قبل الميلاد - ج. 300 قبل الميلاد

    غالبًا ما تظهر الشخصيات الراقصة ، رجال ونساء ، في الأعمال الفنية المرسومة والمنحوتة في جميع أنحاء العالم اليوناني.

  • ج. 509 قبل الميلاد

    يقدم Lasus of Hermione مسابقة كورال dithyramb ، المعروفة باسم Great Dionysia ، في أثينا.

  • ج. 400 قبل الميلاد - ج. 300 قبل الميلاد

    يتم إنتاج الراقصات الرايات ، وهي فئة جذابة بشكل خاص من تماثيل التاناغرا ، في بيوتيا.

  • ج. 200 قبل الميلاد

    مراجعة وصفية للرقص اليوناني ، بما في ذلك تاريخه وتصنيفه ، قدمه أثينيوس في الكتاب 14 من ديبنوسوفيستس له.

  • ج. 160 م

    يكتب Lucian of Samosa De Saltatione (عن الرقص) ، وهو الأطروحة الوحيدة الموجودة عن الرقص من العصور القديمة ، حول الشكل المسرحي الروماني ، والبانتومايم ، وجذوره في الرقص اليوناني القديم.


Hasapiko: رقصة يونانية فولكلورية ذات جذور من القسطنطينية.

ال Hasapiko يمكن رقصها كرقصة بطيئة ولكن أيضًا كرقصة سريعة نشأت في القسطنطينية في العصور الوسطى. رغم ذلك Hasapiko لا يزال يستخدم على المستوى الإقليمي ، وغالبًا ما يتم استبداله برقصة سرتاكي. Hasapiko الرقص هي رقصة شعبية يونانية يتم الاحتفال بها في البر الرئيسي اليوناني والجزر الشمالية. يأتي اسمها من الكلمة & # 8220butcher & # 8221 والتي تعني (= hasapis ، في مصطلح يوناني). نشأت الرقصة في العصور الوسطى باعتبارها معركة التمثيل الصامت بالسيوف التي تؤديها نقابة الجزارين ، التي تبنتها من الجيش.

ال asapiko يؤديه اثنان أو أكثر من الراقصين وكان مرتبطًا في البداية بالبحارة والموانئ ، بالإضافة إلى المناطق الحضرية. تم عزف الموسيقى المصاحبة على البزوقي أو نسخة طويلة العنق من الآلة المعروفة باسم الباغاما ، مع الكمان أو السنتوري أو كليهما يعملان في الألحان لاحقًا. عدادها الأساسي هو 2/4. يلعب التزامن دورًا محايدًا في رقص Hasapiko. يجب على جميع الراقصين أداء نفس الخطوات وبنفس الإيقاع من أجل تزويد الجمهور بنتيجة جيدة وعرض تقديمي. Hasapiko أخيرًا ، هو الأساس لرقصة يونانية أخرى مشهورة ، إن لم تكن الأكثر شهرة ، وهي الوحيدة ، سرتاكي.


سيرتاكي

سيرتاكي، تهجئة أيضا سيرتاكي، هي على الأرجح إحدى أشهر الرقصات اليونانية المعروفة في جميع أنحاء العالم. ومع ذلك ، قلة من الناس يعرفون ذلك سرتاكي يعود تاريخه إلى الستينيات فقط. في الواقع ، ابتكر الموسيقي اليوناني البارز ميكيس ثيودوراكيس رقصة الفيلم زوربا اليوناني. من خلال تبديل الخطوات البطيئة والسريعة من ملف هازابيكو و هاسابوسيرفيكو رقصات سرتاكي ولد. أشهر ما يميزه هو التسارع ، حيث ينتقل من سرعة 4/4 إلى سرعة 2/4. يرقص على شكل خط أو دائرة ، مع وضع الأيدي على أكتاف جارهم.


الجدول الزمني لأنماط الرقص

الرقص هو أحد أكثر أشكال التعبير شيوعًا. تطورت أساليب رقص عديدة على مر السنين ولكل أسلوب تاريخ وراءه. دعونا نلقي نظرة على كيفية تطور الرقص على مر السنين.

الرقص هو أحد أكثر أشكال التعبير شيوعًا. تطورت أساليب رقص عديدة على مر السنين ولكل أسلوب تاريخ وراءه. دعونا نلقي نظرة على كيفية تطور الرقص على مر السنين.

من العصور الوسطى إلى أشكال الرقص المعاصرة ، كل نمط له معناه الخاص وسبب نشأته. يعتبر الرقص أفضل مسكن للتوتر ويساعد أيضًا في الحفاظ على الصحة واللياقة البدنية للفرد. لقرون ، عبر الناس في جميع أنحاء العالم عن أنفسهم من خلال الرقص ، حيث لا تزال الممارسة مستمرة حتى اليوم. دعونا نلقي نظرة على قائمة بجميع أشكال الرقص التي كانت موجودة ولا تزال موجودة.

الجدول الزمني لأنماط الرقص

أنماط الرقص في كل العصور
400 قبل الميلاد الرقص الكلاسيكي الهندي
القرن ال 15 باليه
1600-1750 رقصة الباروك
أوائل القرن السادس عشر كابويرا
أواخر القرن السادس عشر وأوائل القرن السابع عشر قناع
1795-1918 رقص عتيق
1795-1925 الرقص الفارسي الكلاسيكي
1790-1825 ريجنسي دانس
أواخر القرن الثامن عشر بوليرو ، فلامنكو
منتصف القرن التاسع عشر اضغط على الرقص
1876 كيك ووك
1890 رقصة التانغو
1892 كاليبسو
1895-1918 رقصة الحيوانات. يشمل:
  • هرولة الحصان
  • كنغر هوب
  • تركيا الهرولة
  • بطة وادل
  • خدش الدجاج
  • أشيب الدب
  • سامبا
  • الأرجنتيني تانجو
  • الرقص الحديث
  • الرقص البهلواني
  • القاع الأسود
  • رقصة الجاز
  • وثب، ارتداد
  • تكساس تومي
  • فوكستروت
  • سامبا دي جافيرا
  • مامبو
  • سوينغ الساحل الشرقي. يشمل:
    • بوجي ووجي
    • موسيقى الروك آند رول
    • مودرن جيف
    • جيف
    • جماعي انكح
    • رقصة السكانكينج
    • ومن ناحية رقص الجاز
    • الرقص المعاصر
    • رقصة السوينغ
    • قفل
    • تفرقع (يشمل: Strobing ، التلويح ، Tutting)
    • العشب
    • الصلصا
    • شيكاغو يخطو
    • ب-بويينج
    • كريب ووك / كلون ووك
    • Boogaloo الكهربائية
    • رقصة الهيب هوب
    • السائل والأرقام
    • رقصة الديسكو (تشمل: رقصة البيت ، Waacking ، و Hustle)
    • الاصطياد
    • ترقب
    • موشينج
    • زوق

    يضفي كل عقد تأثيرًا مختلفًا تمامًا على أساليب الرقص هذه. بالتوازي مع هذه ، تخضع أنواع الموسيقى التي يرقص عليها المرء أيضًا لتطور جذري. على سبيل المثال ، كانت أنماط الرقص في عشرينيات وثلاثينيات القرن الماضي تتميز بشكل أو بآخر بالبساطة والحركات الرائعة مثل Lindy Hop و Jive و Moonwalk. في الثمانينيات والتسعينيات ، كان التأثير مستمدًا من الثقافة الشعبية والرقص في الشوارع.

    هل تود الكتابة لنا؟ حسنًا ، نحن نبحث عن كتاب جيدين يريدون نشر الكلمة. تواصل معنا وسنتحدث.

    يمكن للمرء في كثير من الأحيان أن يرى تأثيرات قوية وغريبة في بعض الأنماط. على سبيل المثال ، تتضمن معظم الأساليب البرازيلية إيقاعات وتأثيرات أفريقية مشابهة لارتجال أمريكا و # 8217s للعديد من الرقصات اللاتينية. في الواقع ، لن يكون من غير الصحيح القول بأن أنماط الرقص في كل عقد تعكس الشعور العام في ذلك الوقت ، والذي يشمل التأثير الجماعي للفنون والاقتصاد والمعايير المجتمعية والثقافة الخاصة بذلك العقد. اشتهرت كريستي نيلسون بهذه الحقيقة ، & # 8220 الرقص هو الاستعارة المفضلة في العالم # 8217. & # 8221


    ايزادورا دنكان (1878-1927 ، الولايات المتحدة الأمريكية - فرنسا)

    صور إيزادورا دنكان بإذن من معهد إيزادورا دنكان الدولي ، نيويورك ، نيويورك.

    يصف تاريخ الرقص الحديث Isadora كشخصية رمزية للحرية. هذا ليس فقط لأنها ترفض متابعة تعليم الرقص الأكاديمي ولكن لأنها تمتلك الشجاعة لكسر تقاليد الرقص والأعراف الاجتماعية باقتراحاتها الجمالية.

    تبني فكرها من خلال دراسة اللغات الفنية الأخرى أو المجالات الأيديولوجية (مثل الشعر والنحت والموسيقى والفلسفة). البعض عندما تقول: "معلمو الرقص لديّ هم جي جي روسو ، والت ويتمان ، ونيتشه".

    الرقص بالنسبة لإيزادورا هو تعبير عن حياتها الشخصية. تميل إلى الطبيعة ، ما يجعلها تخلق رقصات حول مواضيع ذات صلة مثل الأمواج والغيوم والرياح والأشجار.

    من السمات البارزة لطريقتها الإبداعية استخدام الموسيقى الكلاسيكية كمصدر للإلهام ، تترجم منها مشاعرها. كما تأثر رقصها بالأشكال المرسومة على الأواني اليونانية القديمة.

    تستقبل أوروبا شخصيتها الجذابة ، وسترة شفافة ، وأقدام عارية وحتى فضائح كرسالة غنائية جديدة.

    بالنسبة لتاريخ الرقص الحديث ، أشارت إلى ولادة نوع آخر من الرقص ، والذي سيكون نتيجة لحركة داخلية للراقصة. في الوقت نفسه ، تحمل روحًا جديدة للتحرر من التقاليد وفكرة للرقص كتعبير عن الألوهية داخل كل إنسان.

    لا يُنظر إلى مساهمتها كثيرًا من حيث أسلوب الرقص ولكن في الغالب بسبب ما يعنيه عملها للعملية الثقافية لفتح العقول. على الرغم من أنها من منظور فني تتصرف وفقًا لبعض "مبادئ الرقص الحديث" المدروسة مثل اختراع لغة إيمائية وتكييف الحركة مع المشروع الفني.

    ولكن كما ذكرت أعلاه ، يتم تذكرها بشكل أساسي بسبب تعزيزها لتحرير الرموز التقليدية التي تقيد الجسم (وخاصة الجسد الأنثوي) كحقيقة عامة في المجتمع. على الرغم من أنها كرست نفسها للتدريس أيضًا وأسست العديد من المدارس في أوروبا ، إلا أنها لم تترك ورثة مهمين.

    روث سانت دينيس (1877-1968 ، الولايات المتحدة الأمريكية)

    روث سانت دينيس

    روث سانت دينيس تقدم عروضها وتشتهر بشكل رئيسي في الولايات المتحدة. هي ابنة واحدة من أوائل النساء اللواتي تم قبولهن في الجامعة ، ونسوية وهواة للطرق العلاجية البديلة.

    تنمو في أجواء إيديولوجية للديانات الشرقية ، والتي ستنعكس لاحقًا في إنتاجاتها الراقصة.

    بدأت في أسلوب Delsarte ، دفعتها والدتها إلى مكان الحادث من أجل إعالة أسرتها. هكذا بدأت في إنشاء قاعات الموسيقى في نيويورك.

    لديها خطابها الفلسفي والصوفي أيضًا. تعتبر الراقصة بالنسبة لها مثل الكاهنة ، وهو ما يتناقض مع التحيز السائد في زمن الراقصة كإمرأة قليلة الفضيلة. الرقص بالنسبة لسان دوني هو وسيلة لإعادة التوحيد مع الإله.

    نظرًا لكونها مشهورة بالفعل ، فقد قابلت تيد شون ، الذي سيكون شريكها في تأسيس مدرسة DENISHAWN وشركتها (لوس أنجلوس 1915-1931). هم معروفون بتاريخ الرقص الحديث للجمع بين الكاريزما العاطفية لسانت دينيس والصرامة الفنية لشون.

    تقدم المدرسة برنامجًا انتقائيًا من الدورات ، من اليوجا والأديان الشرقية إلى أساليب ديلسارت ودالكروز.

    بعض معلميها هم ليستر هورتون وميشيو إيتو ولويس هورست.

    شخصيات مهمة في تاريخ الرقص الحديث مثل دوريس همفري ، وتشارلز ويدمان ، ومارثا جراهام ، يطلعون أيضًا على تعاليمهم ويشاركون في أنشطة شركتهم.

    تُذكر مقطوعات دنيشاون الراقصة لتنسيقاتها الكبيرة والمذهلة ، مع مناظر متقنة وتطور لما يسميه سان دوني "التصورات الموسيقية". هذه تمثيلات راقصة للموسيقى وتعتبر محاولة أولى للتجريد الكوريغرافي.

    في عام 1931 حُلّت المدرسة وانفصل الزوجان.

    تيد شون (1891-1972 ، الولايات المتحدة الأمريكية)

    بعد حل مدرسة Denishawn والشركة ، يواصل Ted Shawn مسيرته في تصميم الرقصات بشكل مستقل.

    مع أول شركة مؤلفة من رجال فقط في تاريخ الرقص الحديث ، يقوم بجولات في جميع أنحاء الولايات المتحدة (يزور الجامعات بشكل خاص) ويجذب الكثير من الشباب من مستوى فكري عالٍ.

    شون ، المستوحى من Delsarte ، يحارب تحيز المؤدي المخنث. يقوم بتعليم الأولاد الذين يشبهون الرياضيين العضليين ، مما يخلق صورة راقصة ذكورية ورياضية. أسس أيضًا مركزًا للرقص: The Jacob´s Pillow (ماساتشوستس) ، والذي لا يزال مكانًا مهمًا للرقص لعروضه الدراسية وكذلك لمهرجان الرقص.

    & # 34Air لسلسلة G & # 34. الكوريغرافيا: دوريس همفري.

    انضمت دوريس همفري إلى Denishawn في عام 1917 ، حيث كانت تعمل بالفعل مدرسًا للرقص في مقاطعتها الأم.

    تعمل في Saint Denis كمعلمة وراقصة ، وتشارك في جولات الشركة حول أمريكا وآسيا حتى عام 1926.

    في Denishawn ، يرتبط همفري بالراقص تشارلز ويدمان وعازف البيانو بولين لورانس لإنشاء شركة همفري ويدمان (1927 - 1944).

    تُعرف منتجاتهم الفنية في تاريخ الرقص الحديث بأنها رصينة على النقيض من النفايات التجارية والمذهلة في سانت دينيس. أيضًا ، يساهم تشارلز ويدمان فيها بحس مسرحي ويعمل باستخدام التمثيل الإيمائي والفكاهة.

    يطور همفري تقنية رقص أصلية من خلال ملاحظة العلاقة بين الجاذبية وجسم الإنسان. لقد أرست مبدأ فيزيائيًا رئيسيًا للرقص: السقوط والشفاء. يتم استئناف هذه الفكرة في جملتها الشهيرة: "الحركة تقع على قوس يميل بين موتين": التوازن الرأسي والتوازن الأفقي.

    بخلاف كونها الأولى في تاريخ الرقص الحديث التي اختارت عدم التوازن كأساس لحركتها ، فإنها تعلم أيضًا مفاهيم بالغة الأهمية (كوسائل تقنية) مثل الوزن والارتداد والتعليق وأهمية التنفس.

    إحدى مساهماتها الأخرى هي فهم المجموعة الراقصة ككيان رقص رئيسي وليس فقط كمضاد جماعي للعازف المنفرد.

    القطعة المسماة "دراسة المياه" (1928) هي مثال لتجاربها الجماعية.

    إنها مهتمة أيضًا بأسئلة أخرى ، مثل الموضوعات الأمريكية (التي تنعكس في تصميمات الرقصات مثل "The Shakers" (1931) أو عنف العالم ("قطعة مسرحية" (1936) أو "تحقيق" (1944).

    تركت إرثًا مكتوبًا عن فكرها في تصميم الرقصات في كتاب بعنوان "فن صنع الرقصات".

    في عام 1944 ، توقفت عن الرقص بسبب التهاب المفاصل ، وأنشأت خوسيه ليمون ، التي انضمت إلى مجموعة همفري ويدمان منذ عام 1928 ، شركة جديدة تواصل العمل فيها كمديرة فنية.

    خوسيه ليمون (خوسيه أركاديو ليمون ، 1908-1972 ، المكسيك - الولايات المتحدة الأمريكية)

    & # 34 الخائن & # 34. الكوريغرافيا: خوسيه ليمون

    ليمون هو المسؤول عن نشر تقنية همفري في أوروبا. على الرغم من أن هذه المعرفة مشهورة باسمه ، إلا أنه يصر دائمًا على أنها المبتكرة وهو مستمر.

    رغم ذلك ، لديه اهتماماته الخاصة بتصميم الرقصات ويعمل على الموضوعات الاجتماعية. يعبر عن وعيه بالحالة غير المستقرة للإنسانية في قطع درامية ومأساوية حول مواضيع من سياقه التاريخي الولادة.

    ومن الأمثلة على ذلك أعماله "La Malinche" (1949) و "Carlota" (1972) و "Pavane of the Moor" (1949).

    تأثر ليمون بشدة في المرة الأولى التي يرى فيها قطعة راقصة (بواسطة Harald Kreutzberg و Ivonne Georgia). إن انطباعه هو مثال لما لا يزال العالم الغربي بأكمله يكتشفه في ذلك الوقت: & # 34 ما شاهدته ، غير حياتي ببساطة وبشكل لا رجعة فيه. رأيت الرقص كرؤية لقوة لا توصف. يمكن للرجل أن يرقص بكرامة وأن يرقص بجلاله السيول مثل رؤى مايكل أنجلو أو موسيقى باخ ".

    وفقًا لتاريخ الرقص الحديث ، فإن ظهوره لأول مرة في عام 1947 منحه لقب أفضل راقص ذكر في الوقت الحالي من قبل صحيفة نيويورك تايمز. كان ناجحًا في أوروبا أيضًا ، حيث قدم أول عرض له في باريس عام 1950.

    مارثا جراهام (1894-1991 ، الولايات المتحدة الأمريكية)

    التحق Graham بمدرسة Denishawn وشركته في عام 1916 وأصبح أشهر تلميذ وأضخم في هذا المشتل.

    في عام 1923 انتقلت إلى نيويورك ، حيث شاركت في قاعات الموسيقى والكوميديا ​​الموسيقية ، وفي نفس الوقت كانت تعمل على الرقص المنفرد في الاستوديو الخاص بها.

    تقوم بتطوير أسلوب التدريب الخاص بها ، والذي سيصل إلى نجاح عالمي حتى الوقت الحاضر. هذه بعض مبادئها:

    - التركيز على "مركز" الجسم.

    - التنسيق بين التنفس والحركة.

    - العلاقة مع الأرضية.

    - التناقض بين مقاصد الحركة: "الانكماش والإفراج".

    لقد ابتكرت مفردات رقصات أصلية تركز على حركة الحوض لأنها تميز هذا الجزء من الجسم باعتباره منطقة التعبير عن الرغبة الجنسية الأنثوية. شركتها مخصصة للنساء فقط حتى عام 1938.

    كما تعلن فكرة أن الرقص يعمل على ذاكرة الأجداد.

    يظل جراهام نشطًا كمصمم رقصات خلال عملية استمرت أكثر من ستين عامًا. تم تحديد بعض الدورات الجمالية من خلال تاريخ الرقص الحديث لفهم عملها: الدورة الشرقية ، والبدائية ، والأمريكية واليونانية.

    يعكس عملها أيضًا الأجواء الأمريكية للحظة من خلال بحثها عن هوية ، وتمجيد روح الريادة ، ومحاربة التزمت والتزمت واتباع الروحانية الصوفية.

    ومن بين المتعاونين معها شخصيات مثل لويس هورست وإريك هوكينز وإيسامو نوغوتشي وملحنين مثل آرون كوبلاند أو صموئيل باربر.

    وهذه عناوين لبعض قطعها:

    - "ألغاز بدائية" (1931). الموضوع: إيجاد الروح الكونية بتقليد خطوات السلف).

    الفترة اليونانية: (جرد النماذج الأصلية من المجتمع الأمومي).

    - "كهف القلب" (1946). الموضوع: أسطورة المدية.

    - "رحلة ليلية" (1947). الموضوع: أسطورة Jocasta.

    - "إراند في المتاهة" (1947). الموضوع: أريان وأسطورة مينوتور.

    في عام 1984 ، تم الاعتراف بشركة مارثا جراهام في جميع أنحاء العالم حتى تمت دعوتها من قبل رودولف نورييف إلى أوبرا باريس.

    توفيت في نيويورك عام 1991 ، وتركت شركة ومدرسة مارثا جراهام للرقص كإرث لا يقدر بثمن لمجتمع الراقصين.

    يحتل ألفين أيلي مكانة مهمة في تاريخ الرقص الحديث لكونه مصمم الرقصات "للرقص الأسود الحديث".

    يذهب إلى مجموعة متنوعة من التعاليم والتأثيرات (مثل تعاليم كاثرين دنهام وليستر هورتون ودوريس همفري ومارثا جراهام) ، قبل أن ينشئ شركته الخاصة: مسرح ألفين آيلي للرقص الأمريكي.

    أكثر ما يميز عمله هو التركيز على التعبير عن مشاعر السود.

    & # 34 الوحي & # 34. الكوريغرافيا: ألفين أيلي.

    أشهر تصميماته للرقص بعنوان "الوحي" (1960) ويعتبر قطعة رئيسية تجمع أشهر خياراته الجمالية: الغنائية ، واستخدام الموسيقى العرقية (الروحية الزنوج في هذه الحالة) ، وتقنية غراهام ، والروحانية والجو الثوري.

    على الرغم من أنه معروف بتركيزه الفني على جوانب الثقافة السوداء ، إلا أنه مع مرور الوقت فتح شركته لإمكانيات متعددة الأعراق. وفقًا لتاريخ الرقص الحديث ، يحدث هذا قبل أن يؤسس لغة الرقص الخاصة به.

    ومع ذلك ، سيبقى باعتباره الشخص الذي فتح الطريق والمكان للرقصات متعددة الأعراق ومصممي الرقصات الجدد ، من خلال افتتاح مدرسته وشركته للآخرين ليبدعوا في الداخل.

    ألوين نيكولاس (1910-1993 ، الولايات المتحدة الأمريكية)

    نيكولاس هو المصمم والملحن ومصمم الرقصات ، وهو أحد أشهر فناني الرقص الحديث حول العالم.

    لديه تفضيل ملحوظ للتجريد ، والذي يعبر عنه منذ بداية مسيرته في تصميم الرقصات: "كان علي إعادة تعريف الرقص واستنتجت أن جوهر هذا الفن هو الحركة ، تمامًا مثل اللون بالنسبة للرسام والأبعاد الثلاثة هي للنحات ".

    "تورط الشد". الكوريغرافيا: ألفين نيكولاس.

    ابتكر مقطوعات رقص حيث تكون لحركة جسم الإنسان نفس الصلة بالتأثيرات البصرية ، والكولاج ، واللوحات ، والإسقاطات وجميع أنواع الملحقات لأوهام المناظر الخلابة.

    هذه بعض خياراته الجمالية الرئيسية:

    - أي نقطة في الجسم يمكن أن تكون "مركز الحركة".

    - الإنسان هو مجرد عنصر آخر من بين عناصر الكون المتحرك.

    - يخضع الجسم للعديد من التحولات ويصبح مجردًا: إكسسوارات ، مناديل ، عصي كبيرة ...

    - الارتجال والتكوين جزء من التدريب الفني. الطالب مسؤول عن استكشاف جسده.

    يشتهر نيكولاس أيضًا في تاريخ الرقص الحديث بمهاراته التدريسية المذهلة ، والتي تركز على تطوير قدرة الاختراع لدى طلابه. بعض الشخصيات المهمة التي تشكلت في شركته هم موراي لويس وكارولين كارلسون وسوزان بويرج.

    يمكنك أن ترى أن هناك الكثير لتقوله عن تاريخ الرقص الحديث وأن شخصياته كثيرة. لقد انتهيت من الملخص أعلاه فقط لمساعدتك في تكوين فكرة عامة أولية لنفسك.

    سأقوم بتوسيع قسم تاريخ الرقص الحديث هذا في المستقبل ، من خلال توفير مزيد من المعلومات حول مواضيع محددة تنتمي إليه. أيضًا ، في حال كنت تبحث عن هذا ، سأحاول تضمين بعض الشخصيات الأقل ذكرًا للقصة مثل كورت جوس ، وهارالد كروتزبرج ، وأوسكار شليمر ، ولويس فالكو ، وليستر هورتون ، وبول تايلور ، وتويلا ثارب ، وموراي لويس ...

    هناك العديد من المواضيع الأخرى المثيرة للاهتمام في المعاصرة-dance.org. فقط قم بزيارة منتدانا لأسئلة الرقص حول النظرية والتاريخ وتصفح!

    أيضًا ، إذا كانت هناك أي معلومات حول تاريخ الرقص الحديث لم تجدها هنا وترغب في الحصول عليها ، اسألني من خلال النموذج الموجود في صفحتنا لأسئلة الرقص. سأبذل قصارى جهدي لتقديمها لك!


    الرقص الموسيقي الأمريكي في القرن العشرين

    كانت Ziegfeld Follies ، التي تم إنتاجها من 1907 إلى 1931 ، بمثابة تكريم للفتاة الأمريكية ، وكان مديرو الرقص في Follies يتطلبون قدرًا كبيرًا من الانضباط من الممثلين / الراقصين. من بين هؤلاء المخرجين جوليان ميتشل ، نيد ويبرن وألبرتينا راش. يمكن أن يُنسب الفضل إلى الحماقات في إعادة تعريف الرقص المسرحي مع بدايات ترتيب الراقصين حسب الطول ، مما يتطلب حركات دقيقة واستخدام تدوينات الرقص.

    يعتبر "شو بوت" (1927) أول تكامل ناجح لخط الحبكة والتوصيف والموسيقى والمشهد والرقص. في عام 1936 ، استخدم مصمم الرقصات جورج بالانشين قطع الباليه الممتدة للمساعدة في تطوير خط الحبكة في "On Your Toes". استمر هذا التقليد في الرقص المسرحي الموسيقي من خلال عروض مثل "أوكلاهوما!" و "الرجال والدمى".


    الرقص الشعبي - تاريخ وأنواع الرقص الشعبي

    مع مرور كل عام ، يتم بناء عادات ومعتقدات مجموعات الناس شيئًا فشيئًا ، ببطء مع مرور الوقت في التقاليد. تمثل الرقصات الشعبية إحدى أقوى الطرق التي يمكن بها عرض هذه التقاليد (القديمة حقًا في بعض الأحيان) للبلدان والمناطق للجمهور. على الرغم من أن العديد من الرقصات التقليدية تحمل اسم رقصة عرقية ، لم تظل جميعها رقصات فولكلورية ، لكنهم جميعًا يحاولون التأكيد على الجذور الثقافية للرقصة المعينة. تحول بعضها بمرور الوقت إلى رقصات دينية ، وعلى هذا النحو ، فهي لا تستخدم في المقام الأول لعرض التقاليد ولكن لتعزيز الاحتفالات والمعتقدات الدينية. غالبًا ما تسمى هذه الرقصات بالرقصات الدينية أو الطقسية.

    عادة ما تُرقص الرقصات الشعبية في التجمعات الاجتماعية (التي يمكن تشكيلها بشكل عفوي أو خلال الاحتفالات السنوية) التي يمكن ولكن لا يُطلب منها أن يكون لها مرحلة رقص معينة ، وتكون دائمًا بسيطة جدًا للرقص بحيث يتم تشجيع الراقصين والهواة الجدد على البدء في الرقص معها. أي أحد غيره. يكاد لا يكون لمثل هذه الرقصات هيئة رسمية تحافظ على تطور الرقص الشعبي. بدلاً من ذلك ، يحدث تحول الرقصات الشعبية في بلدانهم ومناطقهم المحلية بشكل عفوي من خلال التغييرات مع التقاليد المحلية. الرقصات الحديثة التي تطورت بشكل عفوي مثل الهيب هوب لا تعتبر رقصات شعبية ، وغالبا ما يطلق عليها "رقصات الشوارع".


    كاثاك


    حقوق الصورة: بينتيريست

    كاثاك هو أحد الأنواع الرئيسية للرقص الكلاسيكي الهندي القديم ، ويُنظر إليه تقليديًا على أنه نشأ من شعراء السفر في شمال الهند يشار إليهم باسم Kathakars أو رواة القصص. تجول هؤلاء Kathakars حولهم ونقلوا القصص الأسطورية عبر الموسيقى والرقص والأغاني تمامًا مثل المسرح اليوناني المبكر. تطور هذا النوع خلال حركة بهاكتي ، اتجاه التفاني الإيماني الذي تطور في الهندوسية في العصور الوسطى. ينقل الكاثاكار القصص من خلال حركات القدم الإيقاعية وإيماءات اليد وتعبيرات الوجه وعمل العين. أصبح هذا الفن الأدائي الذي يضم أساطير من الأساطير القديمة والملاحم الهندية العظيمة ، وخاصة من حياة اللورد كريشنا ، ذائع الصيت في محاكم ممالك شمال الهند. هناك ثلاثة أشكال محددة من هذا النوع وهي ثلاث غرانات (مدارس) ، والتي تختلف في الغالب في التركيز الممنوح لحركة القدمين مقابل التمثيل ، وهي أكثر شهرة وهي Jaipur gharana و Benaras gharana و Lucknow gharana.

    التاريخ والتطور

    تعود جذور هذا الشكل للرقص إلى النص الهندوسي السنسكريتي عن فنون الأداء المسمى "ناتيا شاسترا" الذي كتبه عالم المسرح وعالم الموسيقى الهندي القديم بهاراتا موني. يُفترض أن النسخة الكاملة الأولى من النص قد اكتملت بين 200 قبل الميلاد إلى 200 م ، لكن بعض المصادر تذكر الإطار الزمني ليكون حوالي 500 قبل الميلاد و 500 م. تم العثور على الآلاف من الآيات المنظمة في فصول مختلفة في النص الذي يقسم الرقص إلى شكلين معينين ، وهما "نريتا" وهي رقصة خالصة تتألف من براعة حركات اليد والإيماءات ، و "nritya" وهي رقصة معبرة منفردة تركز على التعبيرات.

    تقول الباحثة الروسية ناتاليا ليدوفا أن "ناتيا شاسترا" تصف نظريات مختلفة للرقصات الهندية الكلاسيكية بما في ذلك رقصة تاندافا للورد شيفا ، وطرق التمثيل ، والمواقف الدائمة ، والإيماءات ، والخطوات الأساسية ، والبهافا وراسا. تنص ماري سنودجراس على أن تقليد هذا الشكل من الرقص يعود إلى 400 قبل الميلاد. بارهوت ، قرية في منطقة ساتنا في ماديا براديش ، الهند تقف كممثل للفن الهندي المبكر. لوحات القرن الثاني قبل الميلاد التي تم العثور عليها هناك توضح منحوتات راقصين في أوضاع رأسية مختلفة مع أوضاع للذراع تشبه خطوات كاثاك ، وكثير منها يعكس "باتاكا هاستا" مودرا. كلمة كاثاك مستمدة من المصطلح الفيدى السنسكريتى "كاثا" الذى يعنى "قصة" بينما المصطلح كاتاكا الذى يجد مكانا فى العديد من الملاحم والنصوص الهندوسية يعنى الشخص الذى يروي قصة. يشير التحليل المستند إلى النص إلى أن كاثاك هو شكل من أشكال الرقص الكلاسيكي الهندي القديم الذي يُفترض أنه نشأ في باناراس أو فاراناسي ثم انتشر أجنحته في جايبور ولكناو والعديد من المناطق الأخرى في شمال وشمال غرب الهند.

    بالاشتراك مع حركة بهاكتي

    تم تأسيس Lucknow Garana of Kathak من قبل Ishwari Prasad ، وهو أحد محبي حركة Bhakti. عاش إيشواري في قرية هانديا الواقعة في جنوب شرق ولاية أوتار براديش. يُعتقد أن اللورد كريشنا وصل إلى أحلامه وأمره بتطوير "الرقص كشكل من أشكال العبادة". قام بتدريس شكل الرقص لأبنائه Adguji و Khadguji و Tularamji الذين قاموا مرة أخرى بتدريس أحفادهم واستمر التقليد لأكثر من ستة أجيال وبالتالي دفع هذا الإرث الغني الذي تم الاعتراف به جيدًا باسم Lucknow grarana of Kathak بواسطة الأدب الهندي على موسيقى كلاهما الهندوس والمسلمون. ركز تطور كاثاك خلال عصر حركة بهاكتي في الغالب على أساطير اللورد كريشنا وحبه الأبدي راديكا أو رادها الموجودة في نصوص مثل "بهاجافاتا بورانا" التي أداها فناني كاتاك بشكل مذهل.


    حقوق الصورة: http://www.taranakathak.com/img/Slide6.png

    الارتجال في عصر المغول

    كان شكل الرقص الكلاسيكي القديم هذا الذي ارتبط بشكل رئيسي بالملاحم الهندوسية معترفًا به جيدًا من قبل المحاكم والنبلاء في فترة المغول. ومع ذلك ، فإن الرقص الذي يتم إجراؤه في المحاكم المغولية يتكيف مع شكل أكثر إثارة دون الإشارة إلى موضوعات معينة تم تطبيقها مسبقًا والتي تنقل المفاهيم الدينية أو الروحية. قام الراقصون بالارتجال في الغالب للترفيه عن الجمهور المسلم من خلال العروض الحسية والجنسية التي على الرغم من اختلافها عن مفهوم الرقص القديم ولكنها تحتوي على رسالة خفية فيها مثل حب رادها كريشنا. في نهاية المطاف ، أصبحت موضوعات آسيا الوسطى والفارسية جزءًا من ذخيرتها. وشمل ذلك استبدال الساري بزي عاري الحجاب الحاجز ، مضيفًا حجابًا شفافًا في الزي الذي كان يرتديه راقصو الحريم في العصور الوسطى ويدورون أثناء أدائهم كما هو الحال في الرقص الصوفي. بحلول الوقت الذي وصل فيه المسؤولون الأوروبيون الاستعماريون إلى الهند ، اشتهرت كاثاك بالفعل بكونها وسيلة ترفيهية في البلاط وكانت أكثر اندماجًا بين شكل الرقص الكلاسيكي الهندي القديم وأشكال الرقص الفارسي-آسيا الوسطى مع الإشارة إلى الراقصات باسم "فتيات ناوتش".

    تراجع خلال الحكم الاستعماري

    شهد ظهور الحكم الاستعماري في القرن الثامن عشر الذي تلاه تأسيس الحكم الاستعماري في القرن التاسع عشر تراجعًا في أشكال الرقص الكلاسيكي المختلفة التي تعرضت لمتعة مزعجة وإحباط من العزيمة بما في ذلك كاثاك. في نهاية المطاف ، تضاف إلى وصمة العار الاجتماعية المرتبطة بالفتيات النوتشات بموقف شديد الانتقاد والحقير من المبشرين المسيحيين والمسؤولين البريطانيين ، الذين اعتقلوهم و Devadasis في جنوب الهند على أنهم عاهرات ، مما أدى إلى إهانة مثل هذه الأنظمة. كان المبشرون الأنجليكان ينتقدون الهندوسية التي تجلى من اقتراح القس جيمس لونج الذي اقترح أن يحتضن فناني كاثاك الأساطير والحكايات الأوروبية المرتبطة بالمسيحية والتخلص من الأساطير الهندية والهندوسية. أطلق المبشرون المسيحيون حركة مناهضة للرقص عام 1892 لوقف هذه الممارسة.

    كتاب "The Wrongs of Indian Womanhood" للكاتب ماركوس بي فولر والذي نُشر عام 1900 رسم كاريكاتوريًا تعبيرات الوجه والإيماءات الحسية التي تم التعبير عنها خلال عروض كاثاك في المعابد الهندوسية والوظائف العائلية. لم تتعرّض الفتيات الناشطات للعار من قبل الصحف والمسؤولين في الحكم الاستعماري فحسب ، بل تعرضن أيضًا للقمع الاقتصادي من خلال الضغط على رعاتهن لوقف الدعم المالي. حظرت رئاسة مدراس في ظل الحكم الاستعماري البريطاني عادة الرقص في المعابد الهندوسية في عام 1910. رفض المجتمع الهندي مثل هذا الحظر بسبب اضطهاد هذه العادات الهندوسية القديمة والغنية بحجة الإصلاح الاجتماعي. شكك العديد من أنصار إحياء الفن الكلاسيكي ضد مثل هذا التمييز.


    حقوق الصورة: http://www.indiandance.co.za/wp-content/uploads/2013/03/P2_MG_0156.jpg

    في خضم هذه الاضطرابات ، بذلت العائلات جهدًا في الحفاظ على شكل الرقص القديم هذا من الانقراض واستمرت في تعليم الشكل بما في ذلك تدريب الأولاد. شهد تقدم حركة الحرية الهندية في أوائل القرن العشرين جهدًا بين الهنود لإحياء الثقافة والتقاليد الوطنية وإعادة اكتشاف التاريخ الغني للهند من أجل إحياء جوهر الأمة. تطورت حركة إحياء كاثاك في كل من الهندوسية والمسلمة غرانا في وقت واحد ، لا سيما في مجتمع كاثاك ميشرا. لعب Kalkaprasad Maharaj دورًا أساسيًا في جذب المشاهدين الدوليين لكاثاك في أوائل القرن العشرين.

    الأقسام الثلاثة الرئيسية لرقصة كاثاك هي الاحتجاج و "نريتا" و "نريتيا" المذكورة في "ناتيا شاسترا" وتليها جميع أشكال الرقص الكلاسيكي الهندي الرئيسي. في جزء الدعاء ، تقدم الراقصة الاحترام لمعلمها والموسيقيين على خشبة المسرح وتضرع للآلهة والإلهات الهندوسية من خلال مودرا أو إيماءات اليد وتعبيرات الوجه إذا كانت المجموعة تتبع التقاليد الهندوسية. في حالة الجماعات المسلمة ، تقوم الراقصة بإلقاء التحية أو السلامي. تمثل Nritta رقصة خالصة حيث تؤدي الراقصة في البداية تسلسلاً ثاثًا يظهر حركات أنيقة وبطيئة للحاجبين والرقبة والمعصمين ، وبعد ذلك تقوم ببطء بزيادة سرعتها وطاقتها في مضاعفات بينما تكمل سلسلة من التمرينات. كل كرة تتكون من أقسام قصيرة تتضمن حركات قدم مذهلة ، منعطفات وإيماءات تشمل تورا ، توكرا ، بارانت ، باران وغيرها. إنها تؤدي إلى الإيقاعات الموسيقية والإيقاع ، وتزامن بشكل مثالي تسلسلات حركة قدمها المسماة tatkars ، وبالتالي تخلق صوتًا إيقاعيًا مع ghunghru ، وعادةً ما تحدد اكتمال كل تسلسل مع دوران حاد في الرأس. في "Nritya" ينقل الراقص قصة أو موضوعات روحية أو رسالة أو مشاعر من خلال الإيماءات التعبيرية وحركات الجسم البطيئة المنسجمة مع النوتات الموسيقية والغناء.

    نظرًا لأن كاثاك شائع في كل من المجتمعات الهندوسية والمسلمة ، فإن أزياء هذا النوع من الرقص مصنوعة بما يتماشى مع تقاليد المجتمعات المعنية. هناك نوعان من الأزياء الهندوسية للراقصات. في حين أن الأول يشمل الساري الذي يتم ارتداؤه بطريقة فريدة من نوعها تكمله سترة أو بلوزة تغطي الجزء العلوي من الجسم ووشاح أو urhni يتم ارتداؤه في بعض الأماكن ، يتضمن الزي الآخر تنورة طويلة مطرزة مع choli متناقضة و urhni شفاف. يُثنى الزي بشكل جيد بالمجوهرات التقليدية ، عادة ما تكون ذهبية ، والتي تشمل تلك التي تزين شعرها وأنفها وأذنها ورقبتها ويدها. الخلخال الموسيقية المسماة ghunghru المصنوعة من أحزمة جلدية مع أجراس معدنية صغيرة متصلة بها ملفوفة في كاحليها مما ينتج صوتًا إيقاعيًا بينما تؤدي حركات قدم ممتازة ومذهلة. Head jewellery adorns her in the second case. Vivid face make-up put on helps highlight her facial expressions. Hindu male Kathak dancers usually wear a silk dhoti with a silk scarf tied on the upper part of the body which usually remain bare or may be covered by a loose jacket. Jewellery of male dancers is quite simple compared to their female counterparts and are usually made of stone.

    The costume for Muslim female dancers includes a skirt along with a tight fitting trouser called churidar or pyjama and a long coat to cover the upper body and hands. A scarf covering the head compliments the whole attire which is completed with light jewellery.


    حقوق الصورة: YouTube

    Instruments & Music

    A Kathak performance may include a dozen classical instruments depending more on the effect and depth required for a particular performance. However some instruments are typically used in a Kathak performance like the tabla that harmonise well with the rhythmic foot movements of the dancer and often imitates sound of such footwork movements or vice-versa to create a brilliant jugalbandi. A manjira that is hand cymbals and sarangi or harmonium are also used most often.

    Famous Exponents

    Imminent personalities associated with Kathak include among others the founders of the different gharanas or schools of this form of classical dance namely Bhanuji of the Jaipur Gharana Janaki Prasad of the Benaras Gharana Ishwari Prasad of the Lucknow Gharana and Raja Chakradhar Singh of the Raigarh Gharana. Shambhu Maharaj was a renowned guru of the Lucknow Gharana. His brothers Lachhu Maharaj and Acchan Maharaj were also stalwarts in the art of Kathak. One name that has almost become synonymous with modern day Kathak dance is Pandit Birju Maharaj, a scion of the legendary Maharaj family and son of Acchan Maharaj. He is considered the leading advocate of the Lucknow Kalka-Bindadin gharana. Sitara Devi was another star of this dance form described as Nritya Samragini that is the empress of dance by Rabindranath Tagore and she continues to retain her Kathak Queen title even after death. Other eminent Kathak artists include Roshan Kumari, Shovana Narayan, Maya Rao and Kumudini Lakhia to name a few.


    Ancient Greek Dance

    Dance was widespread in Greece and performed for every occasion. Evidence of the variety of dances is found in many sources. Archaeological and epigraphical representations of dancing, dancers, and objects used by dancers include inscriptions and depictions on vases and jugs, statues, reliefs, jewelry, carved gems, sculpture, paintings on walls and pottery, and mosaic floors, among others (Lawler 1964a). Musical sources include songs that were written for dance and instrumental music that reveals tempo and mood. In literature, sources such as the Greek epics and the writings of historians, poets, Aristotle, and other philosophers include names of dances, such as "scattering the barley," "knocking at the door," and "the itch." Artifacts were the inspiration for early 20th-century choreographers who created dances based on Greek paintings and sculpture.

    Greek dance ca. 400 BCE from a tomb painting.

    الكلمة اليونانية orcheisthai, meaning "to dance," is broader than the English translation of the word. To the Greeks, dance was inseparable from music music, poetry, and dance were all facets of what the Greeks called mousik&eacute, or "the art of the Muses." Terpsichore means "join in the dance" and was the name of one of the nine Muses. Many Greeks believed that dance was divinely inspired (Lawler 1964a). In later ancient Greek times, the verb pyrrhichizein, which originally meant "to dance a pyrrhic dance," began to refer to dance in a general sense (Lawler 1964a).

    Dance Designs

    Dance was an integral part of religious festivals, entertainment, and theatrical performances. In social situations, everyone participated in dance. The dances were highly structured, using full-body movements that incorporated ritualistic, symbolic, or representative gestures, accompanied by music (vocal and instrumental). Often the dancers sang.

    Plato classified movement in two ways: noble and ignoble. النبيل described the movement of beautiful bodies, while ignoble meant distorted movement. Phorai و cheironomia are Greek terms that describe the carriage of the body during dance and mimetic gestures, respectively (Lawler 1964a). Movements included walking, running, leaping, skipping, hopping, and nonlocomotor actions such as twisting. Cheironomia encompassed symbolic gestures for example, the hands stretching heavenward signified worship, and the arms bent over the head expressed grief and suffering.

    المصطلح schemata refers to the form and shape of gestures - short movement patterns that had significance, with a focus on how the dancer executed them (Lawler 1964a) it seems to relate to effort combined with shape. These visually memorable movement passages often ended in a pose.


    Deixis
    was pure dance, in which the male dancer portrayed the essence of human character or an animal or natural element such as fire or wind. These dances ranged from the portrayal of mythological characters and animals to farcical skits, in Sparta (Lawler 1964a).

    Dance Types and Movements

    Ancient Greeks believed that a man's grace in dance equaled his prowess in battle (Lawler 1964a). Through dance, Greek citizens celebrated life-span and calendrical events such as thanksgiving, birth, marriage, supplication, and death. Sometimes they participated in cult and ritual dances. These religious activities later transformed into a theatrical art.

    Armed Dances

    An essential part of a young Greek man's education, training with weapons and performing war and victory dances was considered important for his health and development as a warrior. In Sparta, women had military training and performed some of the men's military dances to make themselves strong for childbearing. Spartan warriors performed mock battles to show their families what they were like. Greek armed dances can be traced to Crete (Lawler 1964a).

    Military Dance Figures and Steps

    Military dance figures included circles, diagonals, squares, and groups. The dancers demonstrated defensive and offensive movement sequences, accompanied by the flute. Movements included cutting, thrusting, dodging, stooping, springing, and pantomiming of the skills used in battle.

    Weapon and War Dances

    A pyrrhic dance, a form of weapon dance in which the dancers executed movements like those used in battle, was part of all Spartan boys' training, beginning at age 5. Youths wearing helmets and carrying shields and spears practiced these movements and postures to prepare themselves for military service. The pyrrhic was part of a larger ritual that prepared warriors for battle. Originally dedicated to Apollo, it began with hymns of praise for the god and included a magic dance to protect against sickness and death (Lawler 1964a).

    Pyrrhic dances included these four types:

    • podism - Executing a quick series of movement shifts to train for hand-to-hand combat.
    • xiphism - Rehearsing movements in mock battle - like dances.
    • homos - Leaping, jumping, vaulting over large natural objects such as boulders, and scaling walls.
    • tetracomos - Marching in a tight formation with shields interlocked (which allowed large groups of soldiers to advance on the enemy like a human wall).

    A victory dance called a geranos, or "crane dance," was danced in a line that twisted or snaked as if through a maze. The participants were joined by a rope or garland.

    Dancers in competitions for pyrrhic dances were trained at the expense of a choragus, one who sponsored dancers in the theater. By the Greco-Roman period young boys had been joined by girls in the performance of pyrrhic dances. The dances changed formations from rectangles to wedge formations to oblique lines and wheels (Lawler 1964a).

    Animal Dances

    Stories in Greek religion and mythology are populated with divine birds, animals sacred to specific gods, fishtailed men (Tritons), woman-headed birds (Sirens), giants, gorgons, and other anthropomorphic beings. Some were worshipped as gods or reincarnations of gods. Beginning with the early Greeks, animal dances were a predominant theme, cited throughout Greek literature and history. Pig, boar, bear, lion, and fish dances honored deities by imitating their movements. Owl, raven, eagle, and hawk dances mimicked the actions of birds walking or in flight. Young men and women performed these dances wearing masks and costumes. More important to Greek rituals were bull and cow dances, which began as solemn rituals and evolved into entertainment. Sometimes they were incorporated into comedies.

    Wedding Celebrations and Dances

    After an early morning wedding ceremony and the banquet that followed, the bride and groom would lead a procession to their new home. The couple rode in a cart while their guests danced behind them, singing wedding songs. Accompanied by flutes and lyres, young men and women leaped, whirled, and stamped in movements reminiscent of agricultural fertility rituals. Often tumblers who had appeared at the banquet joined the dance.

    In contrast to Athens, Sparta held a different perspective on life. Spartan women had more equality with their husbands and more freedom than Athenian women did. In a Spartan wedding dance, men and women danced the Caryatis (a dance of innocence believed to have been performed by Castor and Pollux) in circles and lines before the altar.

    Funeral Dances

    The priest led a funeral procession of family and friends to the tomb. Hired mourners performed processional dances in which they executed symbolic movement and gestures, such as twisting their hands, beating their chests or thighs, scratching their faces, and tearing their clothing. They spoke to the dead or chanted dirges (laments), accompanied by the flute. Family members could participate in the dance. The more mourners participating, the greater was the show of strength for the deceased.

    Religious and Cult Dances

    The purpose of priests, who could be male or female, young or old, was to facilitate communication between humans and the gods. Ancient worship included prayer and sacrifice prophecy through oracles, dreams, and ecstasy was also important. Mycenaean choruses danced in sacred places to worship the gods. The king of Sparta's daughter, Helen (the future Helen of Troy), danced with maidens to honor Artemis.

    Dance in Greek Theater

    Dance had evolved from a religious ritual into a part of theatrical productions by the fifth century BCE. Most dance history sources are inconclusive the information comes from accounts written centuries later or from vase paintings. Vase paintings capture poses from either a front or a side view, or both mixed into a single view the Greeks were unable to create perspective. Although they are considered an important source, these paintings are difficult to interpret and reveal nothing about the quality of the movements.

    Dionysian feasts that honored the earth, fertility, and vegetation were first held in temples, then moved outdoors into spaces that evolved into theaters. The dithyramb, a hymn sung and danced by a chorus and accompanied by the double flute, celebrated the spring festival of Dionysus, the god of fertility and wine. Myth says that Thespis, a priest of Dionysus who was a dancer and singer, created drama. Wearing his goat's mask, he added dialogue to the action, thus developing tragedy (from the Greek word tragodia, which is translated as "goat song"). Thespis won the first play competition, held in Athens at the Dionysian festival. Considered the first actor, he became known as the father of Greek theater (Lawler 1964a).

    Until the development of the tragic play, the audience and the chorus were one. Later the focus changed from festival to spectacle. The dithyramb remained a dignified choral song and dance. For example, in the city of Dionysia, the dithyrambic chorus had 50 singers and dancers that represented the 10 different tribes of Athens. The choruses participated in contests in which they marched into the orchestra, sang and gestured as they circled the space several times, and then left.

    مسرح

    Athenians were avid theatergoers. At a time when the city-state had a population of 30,000 people, its theater seated 15,000. Dionysian festivals included four days for tragedies and three days for comic plays. Theaters were built throughout Greece, most of them of wood. The most intact one is the Theater of Dionysus in Athens although little is left of the original theater, it has been rebuilt.

    The Greek theater evolved from a threshing field with a single post in the center, which served as the altar to Dionysus. Oxen walking around the post created a circular path around it. In the transformation to theater, the circular part became known as the orchestra, where the chorus performed and the dancing took place.

    Over time, the circular theater changed to one with a skene (hut) - a background structure with three openings as exits. The skene later became the support for the various forms of machinery. أ mekane (mechanical crane) attached to the skene lifted actors into the air. These flying machines supported actors who portrayed gods. Periakton (three-sided scenery pieces that were painted with different scenes and turned during the play) were used on each side of the stage to form entrances (wings) instead of using the proscenium.

    Who's Who on the Program

    In the early days of theater, playwright-poets set the dances for their own plays. In the seventh century BCE, Arion of Lesbos taught the chorus steps and gestures and rehearsed them. The chorus trained with care, striving to do well in the drama contest and honor the underlying religious meanings of their actions.

    The choragus was a rich man who financed a play and trained the chorus. A volunteer who was designated 11 months before the performance, he held a prestigious position. He also acted as an assistant to the poet-playwright. Early in the rehearsal period, he hired a dance instructor and a leader of the chorus later, he hired a flute player. Before the play was performed, the choragus and the playwright made a sacrifice to Dionysus so that the play would be successful. Afterward, they were given wreaths to acknowledge their exceptional performances.

    The leader of the chorus (called coryphaeus) had several roles that required him to be a skilled dancer and musician. He assisted with rehearsals and arranged the chorus in formation. As the lead dancer, he cued the chorus to enter the stage and begin the dance. Onstage he tapped his feet to keep time. Sometimes he was given a short solo in the dithyramb.

    The members of the chorus (called choreutae) were not considered professionals, nor were they as skilled as the coryphaeus. All male dancers, the choreutae were paid with food and costumes. Because women did not perform in the theater, young men played both male and female roles. The choreutae filed into the orchestra in a single line and circled it three or four times, performing, among other steps, multiple turns on half-toe and small or large successive leaps. By the fourth century BCE the chorus entered in a solid rectangular formation of either three rows of five people or five rows of three people. When the playwright Sophocles later expanded the chorus, they entered in rows in a square formation. The best dancers and singers were in the front row, with the leader in the middle. The second-best people were in the rear so that when they changed rows or wheeled around, they would be nearest the audience. By the second century, the chorus sang in tragedies but did not dance in them.

    History Highlight

    The origin of the word choreography is from the Greek words choros, which means "dance," and graphos, which means "writing."

    Theatrical Dances

    ال emmelia (dance of tragedy) included either all the movement in a play or only that of the chorus. A serious, noble dance, it had religious origins.

    In a play, the choreutae entered the theater in various ways, including

    • marching in, then performing an ode that alternated between song and dance
    • arriving in silence, then singing a song
    • moving in silence, then engaging in dialogue with the actor onstage
    • walking in one by one or
    • dashing onto the stage.

    After the chorus entered, it remained onstage until the end of the play. With grace and dignity the choreutae maintained a steady march or running step. These dances were similar to those from Crete. The chorus executed steps that crossed dramatic genres from tragedy into comedy and satyr plays. Tragic dances were symbolic, such as the kommos, a powerful dirge in which dancers struck their breasts. The chorus exited the theater in a recessional.

    In Greek comedies, actors spoke directly to the audience and the chorus consisted of fewer people than in tragedies. Light, quick movements, mime, buffoonery, and mock fights were important elements of the chorus' performance. The chorus danced and played games as part of an extended recessional from the theater. A lively dance called the kordax was performed in Greek comedies. By Roman times the kordax had evolved into a lewd, suggestive dance with hip rolls, explicit gestures, and interludes of comic burlesque.

    In the festival program three tragedies were followed by a satyr play, in which a 12-member chorus was led by Silenus, a friend of Dionysus. Silenus wore a satyr (half man, half beast) costume. The chorus entered and danced in groups as interludes between the parts of the play. Sikinis were lewd dances performed only in satyr plays, in which the performers wore outlandish, sexually explicit costumes. The chorus entered into more horseplay, acrobatics, obscene gestures, and burlesque. Aristophanes, who wrote comic and satyr plays, added a separate dance section at the end of his plays that included grotesque dancing.

    Performers' Unions

    By the fourth century BCE the first union, the Artists of Dionysus, had formed for professional poets, actors, trainers, chorus members, and musicians. This was the first time that artists organized as a guild or trade union. The union specified that their members could travel unharmed through foreign or hostile states to give performances and were exempt from compulsory military service and taxes. The Artists toured classical plays around the Mediterranean area, thereby spreading Greek culture.

    Accompaniment

    In the theater of Dionysus, a trumpet signaled the beginning of the play competition and a herald announced each tribe as it entered. A flute player walked with the choreutae, leading them single file into the orchestra. The dancers formed a circle around the altar and began to sing. During the dance the coryphaeus (chorus leader) and musician stood in the center of the circle or near the altar of Dionysus. The dancers marched around the altar, moving to the right on the choric ode, to the left on the antistrophe, and standing still on the epode (Lawler 1964b).

    Costumes and Adornment

    Dancers in the chorus wore costumes that were less elaborate than those of the actors, probably similar to everyday clothing. The choragus rented the chorus' costumes for the performance. Since chorus members frequently played women, they wore masks. Probably the dancers wore soft, low shoes. In the kordax, the dancers wore costumes with enhanced breasts and rears and leather phalluses. In satyr plays, the chorus members wore padded body suits, conspicuous phalluses, and grotesque masks.


    2010s

    2010 New Bloomsbury Set (76 Marchmont Street, Bloomsbury)

    2011 Circa (62 Frith Street, Soho)

    2011 Vogue Fabrics aka VFD (66 Stoke Newington Road, Dalston)

    2012 Covert, closed 2013, then Club No. 65 (65 Albert Embankment, Vauxhall)

    2012 Manbar, opened 1 November 2012, closed January 2015 (79 Charing Cross Rd)

    2014 The Glory (281 Kingsland Road, Haggerston)

    2015 Bloc Bar, later named The Bloc, closed March 2017 (18 Kentish Town Road, Camden Town)

    2015 The Queen Adelaide, opened December 2015 (483 Hackney Road, Hackney). [4]

    2016 Her Upstairs, opened September 2016, then ground-floor Them Downstairs April 2017 (18 Kentish Town Road, Camden Town)

    2017 Bloc South, opened March 2017 (65 Albert Embankment, Vauxhall)


    شاهد الفيديو: How to Greek Dance: Hasapiko