تطوير الفخار Rakuware - التاريخ

تطوير الفخار Rakuware - التاريخ

تم تسمية Rakuware بأسلوب فخار ياباني مشهور عندما تم منح جائزة بهذا الاسم للعائلة التي ساعدت في تطوير العملية التي جعلت ذلك ممكنًا.

أدوات راكو وفخار ستافوردشاير

تعود أصول Raku Ware إلى اليابان في مدينة كيوتو وسميت على اسم عائلة Raku خلال القرن السادس عشر. في هذا الوقت ، غزا الإمبراطور هيديوشي كوريا وهاجر الخزافون الأصليون إلى اليابان حاملين معهم تقنيات الفخار والمعرفة. تم إنتاج الأواني من أجل حفل الشاي البوذي الزان وكان تزيين وإطلاق الأواني جزءًا من حفل الشاي. قدم برنارد ليتش Raku إلى الغرب بعد أن عاش في اليابان والصين وأقاموا الفخار في سانت آيفز بإنجلترا في عام 1920. ولا يزال هذا الفخار شائعًا حتى اليوم ، ويُصنع في جميع أنحاء العالم تقريبًا.

لا يزال يتم إنتاج Raku Ware اليوم من قبل الجيل الرابع عشر ، من نفس العائلة اليابانية. كانت ستافوردشاير جزءًا كبيرًا ومهمًا من بريطانيا لإنتاج الأواني الفخارية. يعود تاريخ أول الأمثلة المعروفة لأدوات ستافوردشاير إلى أوائل القرن السابع عشر. على الرغم من أنه يبدو أن الأواني الفخارية المزججة بالرصاص قد تم إنشاؤها قبل هذا الوقت ، إلا أن السوق تجاوز بشكل عام ستافوردشاير. اشتهرت أواني الزبدة المصنوعة في ستافوردشاير بجودتها من قبل مزارعي الألبان في إنجلترا والمناطق المحيطة بها. تمت تسمية الأدوات المنزلقة بزخارفها بالطين السائل ، وعادة ما يتم سكبه أو تركه في الوعاء.

على الرغم من أن هذه كانت تقنية متطورة للغاية في ستافوردشاير ، فقد تم استخدامها في مناطق أخرى محيطة مثل لندن وروثام. تحتوي أواني ستافوردشاير عادةً على ثلاث فئات من أدوات المائدة وهي الأطباق والأطباق والأوعية والأباريق والأواني المغطاة وتصنف على أنها أدوات مجوفة ، وتشمل الأدوات المتنوعة صناديق النقود والمهد وعصي الشموع. تمامًا كما كان الشاي مهمًا في تطوير Raku Ware في اليابان ، كذلك قام الأخوان Elers الذين درسوا طلاء الملح في أوروبا وانتقلوا إلى ستافوردشاير في تسعينيات القرن السادس عشر ، بإنتاج أباريق شاي صغيرة وعلب شاي وأكواب شاي وأباريق.

استخدموا الصلصال الأحمر المُعد بدقة والذي تم إلقاؤه على عجلة القيادة ، ثم تم خياطته عندما يكون الجلد صلبًا. (يُلقى الملح الشائع في الفرن أثناء إطلاق 1200 درجة مئوية لإنتاج طلاء ملحي) في Raku ، يجب أن يكون أي طين يتكيف مع تقنية الحرق قادرًا على تحمل الصدمات الحرارية دون التواء أو تشويه أو تصدع. يحتاج الطين إلى جزيئات فيه للسماح للماء بالهروب بسرعة ، لذا فإن الطين الصيني المكلس أو الطين المضاف إليه المزاج (grog أو الصوان أو الصدفة) يكون ناجحًا. ظهر هذا الطين بشكل طبيعي في اليابان.

لدى العديد من الخزافين المعاصرين وصفات طينية مفضلة لأجسامهم الطينية عند صنع Raku Ware. عادةً ما يواجه الطين المنزلق من ستافوردشاير مشكلة في تحمل درجات الحرارة المرتفعة دون التشويه والتزييف بينما يمكن للفخار الحجري. تم اكتشاف أنه عند إضافة الصوان المكلس إلى الطين ، فإنه سيسمح للوعاء بتحمل درجات حرارة أعلى وحتى يبيض المظهر العام للوعاء. تم تعديل تأثير التبييض في الأواني كبديل للبورسلين. لم يكن هناك طين صيني أبيض مناسب للحرق كما هو مستخدم في الشرق ، يوجد في إنجلترا ، باستثناء كورنوال.

تُعرف البورسلين في منطقة ستافوردشاير باسم "العجينة الناعمة" نظرًا لانخفاض درجة حرارة إطلاقها ، وكان الجسم الطيني غنيًا بالكوارتز وقليلًا من الطين مع مزيج الزجاج والكلس أو الجبس المضاف للتخلص من لون أكسيد الحديد غير المرغوب فيه. طور ويدجوود منتجاته الكريمية من خلال إضافة الحجر الصيني والطين الصيني إلى الجسم الذي كان يستخدمه ، مما أدى إلى تكوين جسم قوي أزرق مائل للصفرة يُعرف باسم أدوات اللؤلؤ. كما طور الطين الملون لتقليد الأحجار مثل اليشب والبازلت والعقيق. في أوائل الثامن عشر ، تغيرت تقنية إطلاق النار في ستافوردشاير وير إلى إطلاق نار على مرحلتين.

الأول كان على وعاء غير مطلي لإنتاج أواني البسكويت ، والتي تم غمسها في طلاء زجاجي من الرصاص وإعادة إطلاقها على درجة حرارة منخفضة. بحلول نهاية القرن الثامن عشر ، انتقلت الأفران من حرق الأخشاب والفحم إلى حرق الفحم. كانت هذه الأفران * أكبر مع خمسة أفواه أو أكثر ومداخن مميزة على شكل زجاجة. سمحت تقنيات إطلاق النار المحسنة هذه بمزيد من الأساليب الزخرفية وتحسين المظهر مع الرسم اليدوي وطباعة تصميمات الحدود ورسم الأشكال والمناظر الطبيعية التي أصبحت شائعة. غالبًا ما يكون Raku Ware عند إطلاقه مذهلًا وله نتائج غير مؤكدة.

يُغطى القدر بطبقة زجاجية ، ويوضع في فرن أحمر حار محترق ويطلق النار حتى ينضج التزجيج ، ثم يوضع القدر خارج الفرن ويُترك ليبرد بسرعة. مع فترة التبريد الدراماتيكية هذه ، يتكسر التزجيج ، ومن الواضح أن هذا يعطي الوعاء مظهرًا مكسورًا ومهشمًا. وقد يستغرق هذا أحيانًا أقل من ساعة حتى يكتمل. يعتبر إطلاق النار من Raku Ware دراماتيكيًا وينطوي على صدمة للأواني. في الأصل ، استخدم الخزافون في اليابان الرصاص الخام كمكون رئيسي. لكن هذا يمكن أن يؤدي إلى التسمم بالرصاص.

في الوقت الحاضر ، يتم استبدال الرصاص المرن وهو أكثر استقرارًا. يجب أن يبقى الصقيل على وعاء أثناء عملية إطلاق النار ويذوب من 800 درجة مئوية إلى 1100 درجة مئوية على الرغم من إطلاق Black Raku عند 1200 درجة مئوية. قد يكون الحد بعد إطلاق النار جزءًا من فخار Raku المعاصر. التبخير هو المكان الذي يتم فيه رش الأملاح المعدنية على الزجاج المصهور لوعاء Raku الأحمر الساخن مباشرة من الفرن. المواد الكيميائية التي يتم إدخالها مباشرة في الفرن (غير الكهربائية) أثناء الحرق تسمى بخار الدخان ويمكن أيضًا استخدام فخار Raku. ومع ذلك ، فإن إنهاء الدخان باستخدام نشارة الخشب أو غيرها من المنتجات القابلة للاشتعال أمر شائع.

تم استخدام الرصاص أيضًا في ستافوردشاير وير كطلاء زجاجي ولكن تم إدخال طلاء ملحي من أوروبا ، كما تم إنتاج أدوات التزجيج الملحية الزرقاء المخدوشة باستخدام صبغة زرقاء من الكوبالت. ومع ذلك ، فإن السطح الخشن قليلاً من التزجيج الملحي عبارة عن أدوات مائدة فضية مطهو ببطء ، لذا تم استبدال هذه الأداة بأواني كريمية اللون بحلول نهاية القرن الثامن عشر. جعلت ويدجوود الأواني الفخارية ذات اللون الكريمي مقبولة عالمياً. استعادت Raku Ware شعبيتها في الثلاثين عامًا الماضية لأنها تعطي تعبيرًا رائعًا وإثارة سحب الأواني الساخنة الحمراء من الفرن والتدخين في نشارة الخشب والنتائج غير المتوقعة تناسب العديد من الخزافين.

تم تقديمه من قبل برنارد ليتش إلى إنجلترا في عشرينيات القرن الماضي وأعاد إحياؤه بول سولدنر في الولايات المتحدة في الستينيات. لا تزال بعض الأواني الفخارية الأصلية التي تم إنشاؤها في ستافوردشاير في القرن الثامن عشر تنتج الفخار حتى يومنا هذا ، حيث يتم فرز العديد من عناصرها بواسطة هواة جمع العملات في جميع أنحاء العالم. حيث تشتهر ستافوردشاير بإنتاجها الضخم ، تكون Raku Ware فردية بشكل أكبر خاصةً لأن تقنياتها غالبًا ما تؤدي إلى نتائج غير متوقعة.

لتصدير مرجع لهذا المقال ، يرجى تحديد نمط مرجعي أدناه:


محتويات

تحرير فترة جومون

خلال فترة جومون المبكرة في الألفية السادسة قبل الميلاد ، ظهرت الأواني التقليدية المصنوعة من لفائف ، وهي مزينة بأنماط حبال ذات طابع يدوي. طور فخار جومون أسلوبًا لامعًا في ذروته وتم تبسيطه في فترة جومون اللاحقة. تم تشكيل الفخار من خلال لف الحبال الفخارية وإطلاق النار في النار.

فترة Yayoi تحرير

في حوالي القرنين الرابع والثالث قبل الميلاد ، ظهر فخار Yayoi وهو نمط آخر من الأواني الفخارية التي تتميز بنمط بسيط أو بدون نقش. شارك جومون ويايوي ولاحقًا أدوات الحاج في عملية إطلاق النار لكن كان لديهم أنماط تصميم مختلفة.

فترة كوفون تحرير

في القرنين الثالث والرابع بعد الميلاد ، تم إحضار فرن أناغاما ، وهو فرن نفق مسقوف على سفح التل ، وعجلة الخزاف ، إلى جزيرة كيوشو من شبه الجزيرة الكورية. [6]

يمكن أن ينتج فرن أناغاما الخزف الحجري ، فخار سو ، الذي يتم حرقه في درجات حرارة عالية تزيد عن 1200-1300 درجة مئوية ، وفي بعض الأحيان يتم تزيينه بالحوادث الناتجة عند إدخال المواد النباتية إلى الفرن أثناء مرحلة حرق الأكسجين المنخفض. بدأ تصنيعها في القرن الخامس واستمر في المناطق النائية حتى القرن الرابع عشر. على الرغم من تحديد العديد من الاختلافات الإقليمية ، كانت سو متجانسة بشكل ملحوظ في جميع أنحاء اليابان. ومع ذلك ، تغيرت وظيفة فخار سو بمرور الوقت: فخلال فترة كوفون (300-710 بعد الميلاد) ، كانت في الأساس أدوات جنائزية خلال فترة نارا (710-794) وفترة هييان (794-1185) ، وأصبحت من النخبة أدوات المائدة وأخيرًا تم استخدامه كأدوات نفعية ولأواني الطقوس للمذابح البوذية.

كانت الأواني الحجرية المعاصرة والأشياء الجنائزية هانيوا من الخزف مثل يايوي.

فترة هييان تحرير

على الرغم من إدخال تقنية طلاء الرصاص ثلاثي الألوان إلى اليابان من عهد أسرة تانغ الصينية في القرن الثامن ، إلا أن الأفران الرسمية لم تنتج سوى طلاء رصاصي أخضر بسيط للمعابد في فترة هييان ، حوالي 800-1200.

ظهرت أدوات Kamui في هذا الوقت ، بالإضافة إلى أدوات Atsumi و Tokoname.

فترة كاماكورا تحرير

حتى القرن السابع عشر ، كانت الأواني الحجرية غير المطلية شائعة في المتطلبات اليومية الشاقة لمجتمع زراعي إلى حد كبير الجرار الجنائزية ، وأواني التخزين ، ومجموعة متنوعة من أواني المطبخ التي تميز الجزء الأكبر من الإنتاج. قامت بعض الأفران بتحسين تقنيتها وأطلق عليها اسم "الأفران الستة القديمة": Shigaraki (منتجات Shigaraki) و Tamba و Bizen و Tokoname و Echizen و Seto.

من بين هؤلاء ، كان فرن سيتو في مقاطعة أواري (محافظة آيتشي الحالية) يتميز بتقنية التزجيج. وفقًا للأسطورة ، درس كاتو شيرو زيمون كاجيماسا (المعروف أيضًا باسم توشيرو) تقنيات السيراميك في الصين وجلب السيراميك المزجج عالي الاحتراق إلى سيتو في عام 1223. قلد فرن سيتو الخزف الصيني بشكل أساسي كبديل للمنتج الصيني. طورت أنواعًا مختلفة من الزجاج: البني الرماد والأسود الحديدي والأبيض الفلسبار والأخضر النحاسي. كانت الأواني تستخدم على نطاق واسع لدرجة أن سيتو مونو ("منتج سيتو") أصبح المصطلح العام للسيراميك في اليابان. كما أنتج فرن سيتو أواني حجرية غير مصقولة. في أواخر القرن السادس عشر ، انتقل العديد من الخزافين في سيتو الفارين من الحروب الأهلية إلى مقاطعة مينو في محافظة جيفو ، حيث صنعوا الفخار المزجج: سيتو الأصفر (كي سيتو) ، شينو ، بلاك سيتو (سيتو غورو) و Oribe وير.

فترة Muromachi تحرير

وفقًا للأحداث لعام 1406 ، منح إمبراطور يونغلي (1360-1424) من سلالة مينغ عشرة أوعية من جيان من أسرة سونغ إلى أسرة سونغ. شوغون أشيكاغا يوشيميتسو (1358-1408) ، الذي حكم خلال فترة موروماتشي. كما عاد عدد من الرهبان اليابانيين الذين سافروا إلى الأديرة في الصين إلى بلادهم. [7] نظرًا لتقديرهم في احتفالات الشاي ، تم استيراد المزيد من القطع من الصين حيث أصبحت سلعًا ذات قيمة عالية. تحظى خمسة من هذه الأواني من سلالة سونغ الجنوبية بتقدير كبير لدرجة أنها أدرجتها الحكومة في قائمة الكنوز الوطنية لليابان (الحرف: أخرى). تم إنتاج Jian Ware لاحقًا وتطويرها بشكل أكبر تينموكو وكان سعرها مرتفعًا خلال احتفالات الشاي في هذا الوقت.

فترة Azuchi-Momoyama تحرير

من منتصف القرن الحادي عشر إلى القرن السادس عشر ، استوردت اليابان الكثير من الأواني الخضراء من السيلادون الصينية ، والخزف الأبيض ، والأواني الزرقاء والبيضاء. كما استوردت اليابان الفخار الصيني وكذلك الخزف الكوري والفيتنامي. كان يعتبر الخزف الصيني (Tenmoku) من العناصر المتطورة التي استخدمتها الطبقات العليا في حفل الشاي. طلب اليابانيون أيضًا السيراميك المصمم خصيصًا من الأفران الصينية.

الواردات عالية الثمن جاءت أيضًا من لوزون وتم استدعاؤها روسون ياكي أو "لوزون وير" ، وكذلك عنان من أنام ، شمال فيتنام. [8]

تحرير فترة Sengoku

مع صعود البوذية في أواخر القرن السادس عشر ، أدخل كبار خبراء الشاي تغييرًا في الأسلوب وفضلوا أوعية الشاي الكورية المتواضعة والأدوات المنزلية على الخزف الصيني المتطور. اتجه سيد الشاي المؤثر سين نو ريكيو (1522-1591) إلى الأساليب اليابانية الأصلية من الفخار الريفي البسيط ، الذي غالبًا ما يكون غير كامل ، والذي أعجب به بسبب "عفويتها الوعرة" ، وهو "تحول حاسم" ذا أهمية كبيرة لتطوير الفخار الياباني. [9] قامت عائلة Raku (التي سميت على اسم الفخار وليس العكس) بتزويد أوعية الشاي المصنوعة من الفخار البني المزجج. كما زودت Mino و Bizen و Shigaraki (Shigaraki Ware) و Iga (على غرار Shigaraki) والأفران المحلية الأخرى أواني الشاي. قام الفنان الخزاف Hon'ami Kōetsu بصنع العديد من أوعية الشاي التي تعتبر الآن من الروائع.

أثناء غزو Toyotomi Hideyoshi لكوريا عام 1592 ، جلبت القوات اليابانية الخزافين الكوريين كعبيد إلى اليابان ، على الرغم من وجود أدلة على هجرة طوعية سابقة. وفقًا للتقاليد ، اكتشف أحد المختطفين ، Yi Sam-pyeong ، مصدرًا لطين الخزف بالقرب من Arita وتمكن من إنتاج أول خزف ياباني. جلب هؤلاء الخزافون أيضًا تقنية الأفران المحسنة في نوبوريجاما أو ارتفاع الفرن ، وصعود التلال والوصول إلى درجات حرارة تصل إلى 1400 درجة مئوية. [10] سرعان ما بدأت أفران ساتسوما وهاجي وكاراتسو وتاكاتوري وأجانو وأريتا.

تحرير فترة إيدو

في أربعينيات القرن السادس عشر ، أدت الثورات في الصين والحروب بين أسرة مينج والمانشو إلى تدمير العديد من الأفران ، وفي 1656-1684 أوقفت حكومة أسرة تشينغ الجديدة التجارة بإغلاق موانئها. تمكن لاجئون الخزافون الصينيون من إدخال تقنيات الخزف المكرر وطلاء المينا إلى أفران أريتا. من عام 1658 ، نظرت شركة الهند الشرقية الهولندية إلى اليابان من أجل البورسلين الأزرق والأبيض لبيعه في أوروبا. [11] في ذلك الوقت ، لم تتمكن أفران أريتا مثل فرن كاكييمون من توفير ما يكفي من الخزف عالي الجودة لشركة الهند الشرقية الهولندية ، لكنها سرعان ما وسعت طاقتها. من عام 1659 إلى 1740 ، تمكنت أفران أريتا من تصدير كميات هائلة من البورسلين إلى أوروبا وآسيا. تدريجيًا ، تعافت الأفران الصينية ، وطوّرت أنماطها الخاصة من الأواني المطلية بالمينا شديدة الألوان التي وجدها الأوروبيون جذابة للغاية ، بما في ذلك وردة العائلة ، وفيلر فاميلي ، وبقية تلك المجموعة. منذ حوالي عام 1720 ، بدأت الأفران الصينية والأوروبية أيضًا في تقليد طراز Imari المطلي بالمينا في الطرف الأدنى من السوق ، وبحلول عام 1740 تقريبًا ، توقفت الفترة الأولى لتصدير الخزف الياباني. [12] كما زودت أفران أريتا الأواني المنزلية مثل ما يسمى بأواني مينا كو-كوتاني. [13]

كما تم تصدير البورسلين إلى الصين ، حيث أعاد التجار الصينيون بيع الكثير منه إلى "شركات جزر الهند الشرقية" الأوروبية الأخرى التي لم يُسمح لها بالتجارة في اليابان نفسها. لقد تم اقتراح أن اختيار هذه العناصر تم تحديده بشكل أساسي من قبل الذوق الصيني ، الذي فضل Kakiemon على سلع "Imari" ، وهو ما يمثل تباينًا واضحًا في المجموعات الأوروبية المبكرة التي يمكن إعادة بنائها بين المجموعات الهولندية وتلك الخاصة بالدول الأخرى ، مثل إنجلترا وفرنسا وألمانيا. [14] نظرًا لأن إيماري كان ميناء الشحن ، فقد تم استدعاء بعض الخزف ، للتصدير والاستخدام المنزلي كو إيماري (الإماري القديم). كان التقليد الأوروبي عمومًا هو تسمية الأواني الزرقاء والبيضاء بـ "Arita" والأواني الزرقاء والحمراء والذهبية "Imari" ، على الرغم من أنهما كانا يصنعان غالبًا في نفس الأفران في Arita. في 1759 صبغة المينا الحمراء الداكنة المعروفة باسم البنجارا أصبح متاحًا صناعيًا ، مما أدى إلى إحياء ضارب إلى الحمرة لأسلوب كو-إيماري البرتقالي عام 1720.

في عام 1675 ، أنشأت عائلة نابشيما المحلية التي حكمت أريتا فرنًا شخصيًا لصنع خزف مطلي بالمينا عالي الجودة للطبقات العليا في اليابان ، وهو ما يسمى باني نبيشيما وير. يستخدم هذا بشكل أساسي الزخرفة في الأساليب اليابانية التقليدية ، وغالبًا ما يتم الرسم من المنسوجات ، بدلاً من الأنماط المشتقة من الصين في معظم أدوات Arita. [15] كانت أدوات هيرادو نوعًا آخر من الخزف مخصصًا في البداية لتقديمه كهدايا سياسية بين النخبة ، مع التركيز على الرسم الجميل جدًا باللون الأزرق على جسم أبيض ناعم بشكل غير عادي ، حيث تم التعاقد مع رسامي اللفائف. يمثل هذان النوعان أجود أنواع البورسلين المنتج بعد توقف تجارة التصدير بحلول أربعينيات القرن الثامن عشر. على عكس أدوات نابشيما ، أصبح هيرادو مصدرًا مهمًا في القرن التاسع عشر.

خلال القرن السابع عشر ، في كيوتو ، التي كانت آنذاك العاصمة الإمبراطورية لليابان ، كانت الأفران تنتج فقط الفخار الصافي المطلي بالرصاص والذي يشبه الفخار في جنوب الصين. من بينها ، اخترع الخزاف Nonomura Ninsei مينا مزجج غير شفاف مع رعاية المعبد تمكنت من صقل العديد من التصاميم على الطراز الياباني. اخترع تلميذه أوغاتا كنزان أسلوبًا خاصًا للفنون والحرف اليدوية وأخذ كيوياكي (سيراميك كيوتو) إلى آفاق جديدة. كانت أعمالهم نماذج لـ Kyōyaki لاحقًا. على الرغم من إدخال أجسام الخزف إلى Kyōyaki بواسطة Okuda Eisen ، إلا أن الفخار المزجج لا يزال مزدهرًا. قام أوكي موكوبي ونينامي دهاتشي (كلاهما من تلاميذ أوكودا آيزن) وإيراكو هوزن بتوسيع مخزون كيوياكي.

في أواخر القرن الثامن عشر إلى أوائل القرن التاسع عشر ، تم اكتشاف طين الخزف الأبيض في مناطق أخرى من اليابان وتم تداوله محليًا ، وسمح للخزافين بالتحرك بحرية أكبر. أنشأ اللوردات والتجار المحليون العديد من الأفران الجديدة (على سبيل المثال ، فرن Kameyama وفرن Tobe) لتحقيق ربح اقتصادي ، وأعيد تشغيل الأفران القديمة مثل Seto كأفران خزفية. ويطلق على هذه الأفران العديدة اسم "الأفران الجديدة" وقد شاعوا الخزف بأسلوب أفران أريتا بين عامة الناس.

عصر ميجي تحرير

خلال الانفتاح الدولي لعصر ميجي ، كان للفنون والحرف اليابانية جمهور جديد ومجموعة من المؤثرات. انفصل الرعاة التقليديون مثل فئة الإقطاعيين وفقد العديد من الحرفيين مصدر دخلهم. اهتمت الحكومة بشكل فعال بسوق تصدير الفن ، حيث قامت بالترويج للفنون اليابانية في سلسلة من المعارض العالمية ، بدءًا من معرض فيينا العالمي عام 1873. [16] [17] كما أبدت الأسرة الإمبراطورية اهتمامًا نشطًا بالفنون والحرف اليدوية ، حيث عينت فناني القصر الإمبراطوري وأعمال التكليف ("تجهيزات العرض") كهدايا لكبار الشخصيات الأجنبية. [18] معظم الأعمال التي تم الترويج لها دوليًا كانت في الفنون الزخرفية ، بما في ذلك الفخار.

كان اسم أواني ساتسوما هو الاسم الذي أطلق في الأصل على الفخار من مقاطعة ساتسوما ، وهو مزين بشكل متقن بالمينا والتذهيب. تم الإشادة بهذه الأواني في الغرب. يُنظر إلى هذا النمط في الغرب على أنه ياباني بشكل مميز ، ويرجع الفضل في ذلك إلى الأصباغ المستوردة والتأثيرات الغربية ، وقد تم إنشاؤه مع مراعاة التصدير. [19] تسابقت ورش العمل في العديد من المدن لإنتاج هذا النمط لتلبية الطلب من أوروبا وأمريكا ، وغالبًا ما يتم إنتاجها بسرعة وبتكلفة زهيدة. لذا فإن مصطلح "ساتسوما وير" لم يقترن بمكان المنشأ ولكن بأدوات منخفضة الجودة تم إنشاؤها فقط للتصدير. [20] على الرغم من ذلك ، كان هناك فنانين مثل يابو ميزان وماكوزو كوزان الذين حافظوا على أعلى المعايير الفنية بينما قاموا أيضًا بالتصدير بنجاح. فاز هؤلاء الفنانون بجوائز متعددة في المعارض الدولية. [21] استخدم ميزان لوحات نحاسية لإنشاء تصميمات مفصلة ونقلها مرارًا وتكرارًا إلى الفخار ، وفي بعض الأحيان زين قطعة واحدة بآلاف الزخارف. [22]

كانت صناعة الخزف اليابانية راسخة في بداية عصر ميجي ، لكن الأواني ذات الإنتاج الضخم لم تكن معروفة بأناقتها. [23] خلال هذه الحقبة ، حوّلت الابتكارات الفنية والفنية الخزف إلى أحد أكثر أشكال الفن الزخرفي الياباني نجاحًا عالميًا. [23] يرجع الكثير من هذا إلى ماكوزو كوزان ، المعروف بأدوات ساتسوما ، والذي قدم منذ ثمانينيات القرن التاسع عشر تطورًا تقنيًا جديدًا لتزيين الخزف ، مع التزامه بالحفاظ على القيم الفنية التقليدية. [24] خلال تسعينيات القرن التاسع عشر طور أسلوبًا للزخرفة يجمع بين عدة ألوان تحت التزجيج في كل قطعة. [25] ازداد التطور التقني للطلاء تحت التزجيج خلال هذا العقد مع استمراره في التجربة. [26] في العقد من عام 1900 إلى عام 1910 ، حدث تغيير جوهري في شكل وزخرفة أعماله ، مما يعكس التأثيرات الغربية. [24] أثرت أعماله بشدة على التصورات الغربية عن التصميم الياباني. [27]

تحرير عصر تايشو

أثر الفخار الياباني بشدة على صانع الفخار البريطاني برنارد ليتش (1887–1979) ، الذي يُعتبر "أب الفخار الاستوديو البريطاني". [28] عاش في اليابان من عام 1909 إلى عام 1920 خلال عصر تايشو وأصبح المترجم الغربي الرائد للفخار الياباني وبالتالي أثر في عدد من الفنانين في الخارج. [29]

عصر شووا تحرير

خلال حقبة شووا المبكرة حركة الفن الشعبي مينجي (民 芸) في أواخر عشرينيات وثلاثينيات القرن الماضي. كان الأب المؤسس ياناجي سوتسو (1889-1961). لقد أنقذ الأواني المتواضعة التي استخدمها عامة الناس في فترة إيدو وميجي التي كانت تختفي في اليابان سريعة التحضر. شوجي حمادة (1894–1978) كان خزّافًا كان شخصية رئيسية في مينجي الحركة ، وإنشاء مدينة ماشيكو كمركز مشهور لأدوات ماشيكو. الخزاف الآخر المؤثر في هذه الحركة كان كاواي كانجيرو (1890-1966) وتاتسوزو شيماوكا (1919-2007). درس هؤلاء الفنانون تقنيات التزجيج التقليدية للحفاظ على الأواني المحلية المعرضة لخطر الزوال.

كانت إحدى أهم اللحظات خلال حرب المحيط الهادئ عندما ذهبت جميع الموارد نحو جهود الحرب ، وأصبح الإنتاج والتنمية معاقين بشدة وعانت الأسواق.

عصر هيسي لتقديم التحرير

وتحت رعاية إدارة حماية الممتلكات الثقافية عدد من المؤسسات.

استمرت الأفران في تامبا ، المطلة على كوبي ، في إنتاج الأواني اليومية المستخدمة في فترة توكوغاوا ، مع إضافة أشكال حديثة. تم صنع معظم الأواني القروية بشكل مجهول من قبل الخزافين المحليين لأغراض نفعية. تميل الأنماط المحلية ، سواء كانت أصلية أو مستوردة ، إلى الاستمرار دون تغيير في الوقت الحاضر. في كيوشو ، كانت الأفران التي أنشأها الخزافون الكوريون في القرن السادس عشر ، مثل الأفران الموجودة في كويشيوارا وفوكوكا وفرعها في أوتا وير أونتا ، تديم أواني الفلاحين الكوريين في القرن السادس عشر. في أوكيناوا ، استمر إنتاج الأواني القروية تحت إشراف العديد من الأساتذة الرائدين ، مع تكريم Kinjo Jiro باعتباره a نينغن كوكوهو (人間 国宝 ، تعني حرفيًا "الكنوز الثقافية الحية" ، وهي رسميًا حافظة للخصائص الثقافية غير المادية المهمة).

يعمل الخزافون الحديثون في شيجا وإيجا وكاراتسو وهاجي وبيزن. تم تصنيف ياماموتو ماساو (توشو) من بيزن وميوا كيوسيتسو من هاجي نينغن كوكوهو. تم تكريم نصف دزينة فقط من الخزافين بحلول عام 1989 ، إما كممثلين لأواني الأفران الشهيرة أو كمبدعين لتقنيات فائقة في التزجيج أو الزخرفة ، تم تخصيص مجموعتين لحفظ الأواني الخاصة بالأفران القديمة المتميزة.

في العاصمة القديمة لمدينة كيوتو ، استمرت عائلة Raku في إنتاج أوعية الشاي الخام التي أسعدت هيديوشي. في مينو ، واصل الخزافون إعادة بناء الصيغ الكلاسيكية لأواني شاي مينو من نوع سيتو من فترة موموياما ، مثل طلاء أوريبي وير النحاسي الأخضر والزجاج الحليبي الثمين لشينو وير. جرب الفنانون الخزافون في جامعات الفنون في كيوتو وطوكيو لإعادة إنشاء الخزف التقليدي وزخارفه تحت إشراف معلمي الخزف مثل فوجيموتو يوشيميتشي ، نينغن كوكوهو. كانت أفران الخزف القديمة حول أريتا في كيوشو لا تزال تحتفظ بنسب ساكايدا كاكييمون الرابع عشر وإيمايزومي إيمون الثالث عشر ، صانعو الخزف الوراثي لعشيرة نبيشيما ، كلاهما كانا رؤساء مجموعات محددة mukei bunkazai (無形 文化 財 انظر الخزف Kakiemon و Imari).

تأثرت الفنانة البريطانية لوسي ري (1902-1995) بالفخار الياباني وبرنارد ليتش ، وحظيت أيضًا بالتقدير في اليابان بعدد من المعارض. درس الفنان البريطاني إدموند دي وال (مواليد 1964) ليتش وقضى عدة سنوات في اليابان يدرس مينجي نمط. [29] وقد تأثر بها الأخ توماس بيزانسون من كندا. [30]

في المقابل ، بحلول نهاية الثمانينيات ، لم يعد العديد من الخزافين الرئيسيين يعملون في الأفران الرئيسية أو القديمة ، لكنهم كانوا يصنعون الأواني الكلاسيكية في أجزاء مختلفة من اليابان. في طوكيو ، من الأمثلة البارزة تسوجي سيمي ، الذي أحضر طينه من شيجا لكن أصص في منطقة طوكيو. شارك عدد من الفنانين في إعادة بناء الأنماط الصينية للزخرفة أو التزجيج ، وخاصة السيلادون الأخضر المزرق والأزرق المائي تشينغباي. أحد أكثر التزجيجات الصينية المحبوبة في اليابان هو طلاء تينموكو البني الشوكولاي الذي غطى أوعية شاي الفلاحين التي جلبها رهبان زن من جنوب سونغ الصين (في القرنين الثاني عشر والثالث عشر). بالنسبة لمستخدميها اليابانيين ، جسدت هذه الأواني المصنوعة من الشوكولاتة ذات اللون البني جمالية الزن للوابي (البساطة الريفية). في الولايات المتحدة ، يمكن العثور على مثال بارز على استخدام زجاج تينموكو في الأواني البلورية المبتكرة التي ألقى بها الفنان الياباني المولد هيدياكي ميامورا.

يتم اختيار الطين إلى حد كبير على أساس المواد المحلية المتاحة. توجد وفرة في معظم أنواع الطين الأساسية في اليابان. بسبب رواسب الكاولين التي تحدث بشكل طبيعي ، تم العثور على العديد من طين الخزف في كيوشو. تم بناء الأفران بشكل تقليدي في مواقع رواسب الطين ، ولا يزال معظم الخزافين يستخدمون الطين المحلي ، بعد أن طوروا مجموعة من تقنيات التزجيج والزخرفة المناسبة بشكل خاص لهذا الطين. تتراوح الصلصال الفخارية الموجودة في الأرخبيل الياباني من الأواني الفخارية القابلة للانصهار إلى الكاولين المقاوم للصهر. من فترة جومون إلى فترة يايوي ، اعتمد الخزافون اليابانيون على الصخر الزيتي عالي البلاستيك الحامل للحديد والطين الغريني. تظهر المواد العضوية في كثير من أوائل أعمال فترة جومون ، لكن الرمل أو الحجر المسحوق يسود بعد ذلك. تم إجراء المزيد من التحسينات تحت التأثير الصيني في القرنين الثامن والتاسع الميلادي ، عندما سعى مبتكرو الأواني ثلاثية الألوان من نارا والأواني المزججة برماد Heian إلى الطين الأبيض المقاوم للحرارة وعززوا صفاءتها من خلال الرفع. في كيوتو ، حيث يجعل الطلب الأمر عمليًا ومربحًا على حد سواء ، يتم سحق الصلصال وتقليصه (تحويله إلى منزلق) وتصفيته تجاريًا. لاستخدام الصلصال ، يجب أولاً تقسيمه إلى قطع صغيرة ، ثم صب كمية قليلة من الماء فوقه ، وضربه بـ "kine" ، مطرقة خشبية ، حتى تحصل على اللدونة وتوحيد الملمس الذي تريده. ثم تقوم بوضعه في عملية "أرامومي" أو عملية "تدعيم خشن" ، وهي حركة عجن ، يتم بعدها تخزين الصلصال لمدة يومين أو ثلاثة أيام ، أو في بعض الأحيان لمدة تصل إلى أسبوع. قبل أن يصبح الطين جاهزًا للرمي ، يجب أن يمر عبر نيجومي ("الوتد اللولبي") ، الذي ينتج كتلة على شكل رصاصة تمت إزالة جميع فقاعات الهواء منها ويتم ترتيب الهيكل الحبيبي بحيث يشع إلى الخارج من مركز الكتلة.

تم صنع القطع الأولى عن طريق الضغط على الصلصال في الشكل. استمر استخدام هذه الطريقة بعد اختراع العجلة ، كما هو الحال عند إنتاج أدوات Rengetsu. طرق ملفوفة تم تطويرها في فترة جومون. تطور الإنتاج عن طريق العجن وقطع الألواح لاحقًا ، على سبيل المثال ، لأشكال هانيوة الفخارية.

تحرير عجلة الخزاف

يمكن رؤية أول استخدام لعجلة الخزاف في اليابان في فخار سو. بينما جمعت منتجات Sue تقنيات العجلة واللف ، فإن الأواني الفخارية المزججة بالرصاص المصنوعة تحت التأثير الصيني من القرن الثامن إلى القرن العاشر تتضمن أشكالًا مصنوعة بالكامل على عجلة الخزاف.

كانت عجلة الخزاف الأصلية في الشرق عبارة عن وسادة دائرية من الحصير المنسوج الذي يديره الخزاف باليد والعجلة ، وكان يُعرف في اليابان باسم روكورو. ولكن مع وصول تي روكورو أو العجلة اليدوية ، جعلت آليات الرمي فنًا أكثر دقة. كان رأس العجلة عبارة عن قطعة خشبية كبيرة وسميكة دائرية ذات ثقوب ضحلة على السطح العلوي حول محيط القرص. أبقى الخزاف العجلة في حالة حركة عن طريق إدخال مقبض خشبي في إحدى الثقوب وتدوير رأس العجلة على عمودها حتى الوصول إلى السرعة المطلوبة.

يتم تدوير العجلة اليدوية دائمًا في اتجاه عقارب الساعة ، ويحثها وزن رأس العجلة الكبيرة ، بعد البدء ، على الدوران بسرعة لفترة طويلة من الزمن. القطع المصنوعة على العجلة اليدوية تتمتع بدرجة عالية من الدقة والتناسق لعدم وجود حركة لجسم الخزاف أثناء الرمي كما هو الحال مع عجلة الركلة. في الأيام الأولى لصناعة الخزف في اليابان ، كانت مناطق كيوتو وسيتو وناغويا تستخدم فقط العجلة اليدوية في أماكن أخرى ، في منطقة كوتاني وفي أريتا ، تم استخدام عجلة الركلة. عجلة الركل على الطريقة اليابانية أو كي روكورو ربما تم اختراعه في الصين خلال أوائل عهد أسرة مينج. يشبه تصميمها في كثير من النواحي تصميم العجلة اليدوية ، أو قد يكون لها طرف خشبي مثبت في الأعلى وأنبوب حديدي ، مثل العجلات اللاحقة. تدور عجلة الركلة دائمًا في اتجاه عكس عقارب الساعة ، والحركة الحتمية لجسم الخزاف وهو يركل العجلة أثناء الرمي تعطي العديد من الأواني اليابانية هذا الافتقار العرضي للتماثل الذي يروق للذوق الغربي المعاصر.

بعد ترميم ميجي في عام 1868 ، ذهب طالب من د. فاجنر إلى ألمانيا لتعلم كيفية بناء فرن سفلي ، ولاحظ العديد من العجلات التي يتم تشغيلها بواسطة أحزمة على بكرات من عمود واحد. عند عودته ، أقام نظامًا مشابهًا في منطقة سيتو ، مستخدمًا رجلًا واحدًا لتدوير دولاب الموازنة الذي يقود العمود ونظام البكرة. من هذه البداية تطورت العجلة ذات الرجلين.

اليوم ، يستخدم معظم الخزافين في كيوتو عجلات كهربائية ، على الرغم من وجود العديد من الاستوديوهات التي لا تزال بها عجلة يدوية وعجلة ركلة. ومع ذلك ، من الصعب الآن العثور على الحرفيين القادرين على صنعها أو إصلاحها.

لفائف ورمي التحرير

في Koishibara و Onda و Tamba ، تُصنع الأواني الكبيرة والجرار أولاً بشكل ملفوف تقريبًا على العجلة ، ثم يتم تشكيلها عن طريق الرمي ، فيما يُعرف باسم "تقنية الملف والرمي". الخطوات الأولية هي نفسها المستخدمة في بناء الملف ، وبعد ذلك يتم تشحيم الشكل الخام بالانزلاق والتشكيل بين يدي الخزاف أثناء دوران العجلة. تعود هذه العملية إلى 360 عامًا إلى تقنية كورية تم إحضارها إلى اليابان بعد غزو هيديوشي لكوريا.

أدوات التحرير

صُنعت هذه الأدوات بشكل عام من الخيزران أو الخشب سريع النمو ، وتتمتع هذه الأدوات لتشكيل الفخار بمظهر طبيعي جذاب للغاية. في حين أن معظمها نسخ يابانية لأدوات مألوفة في الغرب ، إلا أن بعضها اختراعات يابانية فريدة.

  • جيوبرا - أو "ألسنة البقر" عبارة عن ضلوع طويلة من الخيزران على شكل مزلقة تستخدم لضغط القيعان وتشكيل جوانب الأوعية المستقيمة الجوانب. إنها أداة تقليدية من Arita ، كيوشو.
  • ماروغوت - ضلوع خيزران مستديرة ضحلة على شكل صدفة تستخدم لتشكيل جوانب الأوعية المنحنية. يمكن استخدامها أيضًا لضغط قيعان النماذج التي تم إلقاؤها.
  • دانغو - على غرار الضلوع الخشبية ، تُستخدم ضلوع الخيزران التي تأخذ شكل أوراق الشجر لتشكيل وتنعيم أسطح الإناء.
  • تيكبيرا - هي "سكاكين" قص ونمذجة الخيزران متوفرة في عدة أشكال مختلفة للنحت ، وتنظيف الأواني المبللة ، والتقطيع ، ولإحداث تأثيرات سغرافيتو.
  • تونبو - "اليعسوب" ، هي المكافئ الوظيفي للفرجار الغربي مع ميزة إضافية. معلق من أ تيكبيرا أو متوازنة على حافة الإناء ، تُستخدم أدوات الخيزران الدقيقة هذه لقياس قطر وعمق الأشكال التي تم إلقاؤها.
  • يومي - عبارة عن قيثارات لتشذيب الأسلاك والخيزران التي تستخدم كأداة تقطيع. يتم استخدامها لقطع الحواف غير المستوية أو الممزقة وكذلك لوجه الأشكال الجلدية الصلبة.
  • تسورونوكوبي - "أعناق الرافعات" ، عبارة عن عصي رمي خشبية يابانية منحنية على شكل حرف S تستخدم لتشكيل الأجزاء الداخلية من القطع ضيقة العنق مثل الزجاجات وبعض المزهريات.
  • كانا - أدوات القطع والنحت والتقطيع المصنوعة من الحديد وتستخدم لقص القطع والنحت والسجرافيتو وكشط التزجيج الزائد.
  • تسوتشيكاكي - عبارة عن أداة شريطية كبيرة معقودة مصنوعة من الحديد يمكن استخدامها للتشذيب والنحت.
  • umakaki - قيثارة تشذيب تُستخدم لتسوية الأسطح المسطحة والعريضة ، مثل قاع طبق أو طبق ضحل.
  • كوشي - ليست أداة رمي بشكل صارم ، فهذه الأمشاط تستخدم لتسجيل خطين متوازيين على الأقل على أسطح الأواني. أكبر أمشاط لديها حوالي 20 سن.
  • خذ بوناء - ليست أيضًا أداة رمي ، بل مقطورة يابانية. أ خذ بوناء عبارة عن زجاجة من الخيزران عالية السعة بفوهة يمكن من خلالها سكب الانزلاق والطلاء الزجاجي في تيار ثابت ومتحكم حتى يتمكن الخزاف من "الرسم" به.

Hundreds of different wares and styles have existed throughout its history. The most historic and well-known ones have received recognition from the government. For more information see the list of Japanese ceramics sites.

اسم كانجي Traditional Sites ملحوظات Example image
Agano ware 上野焼 Fukuchi, Tagawa District, Fukuoka
Aizuhongō ware 会津本郷焼
Akahada ware 赤膚焼
Akazu ware 赤津焼
Amakusa pottery 天草陶磁器
Arita ware 有田焼 Arita, Saga The main source of Japanese export porcelain from the mid 17th-century onwards. Production began by Korean potters at the beginning of the Edo period. A multitude of kilns produced a variety of styles, including Imari ware and Nabeshima ware, and most early pieces in the Kakiemon style of decoration.
Asahi ware 朝日焼
Banko ware 萬古焼 Mie Prefecture Most are teacups, teapots, flower vases, and sake vessels. Believed to have originated in the 19th century.
Bizen ware 備前焼 Bizen Province Also called Inbe ware. A reddish-brown long-fired stoneware, which is believed to have originated in the 6th century. One of the first medieval utilitarian wares to be taken up for use in the tea ceremony, and promoted to the status of art pottery. [31]
Echizen ware 越前焼
Hagi ware 萩焼 Hagi, Yamaguchi Since it is burned at a relatively low temperature, it is fragile and transmits the warmth of its contents quickly.
Hasami ware 波佐見焼
Iga ware 伊賀焼
Iwami ware 石見焼
Izushi ware 出石焼
Karatsu ware 唐津焼 Karatsu, Saga The most produced pottery in western Japan. Believed to have started in the 16th century.
Kasama ware 笠間焼
Kiyomizu ware 清水焼 Kiyomizu, Kyoto A subcategory of Kyō ware
Koishiwara ware 小石原焼 Fukuoka Prefecture Most are teacups, teapots, flower vases, and sake vessels, and as a result of the Folk Art Movement, practical items for everyday household use. Originated by a Korean potter in the 16th century.
Kosobe ware 古曽部焼
Kutani ware 九谷焼 Ishikawa Prefecture
Kyō ware 京焼 Kyoto
Mashiko ware 益子焼
Mikawachi ware 三川内焼
Mino ware 美濃焼 Mino Province Includes Shino ware, Oribe ware, Setoguro ware, and Ki-Seto ware.
Mumyōi ware 無名異焼
Ōborisōma ware 大堀相馬焼 Fukushima Prefecture Image of a horse (uma أو koma), which is very popular in this area, is the main pattern. Therefore, it is sometimes called Sōmakoma ware.
Onta ware 小鹿田焼 Onta, Ōita Traditionalist ware produced by a small village community without electricity. Mostly simply but elegantly decorated slipware, in a style going back to the 18th century.
Ōtani ware 大谷焼 Naruto, Tokushima A large type of pottery
Raku ware 楽焼 A technique and style practised all over Japan, and now the world. Typically, vessels are hand-thrown without using a wheel, giving a simple and rather rough shape, and fired at low temperatures before being cooled in the open air. In modern periods combustible material is generally placed in the kiln, reacting unpredictably with the glaze pigments. There is a proverb of the hierarchy of ceramic styles used for tea ceremony: 'First Raku, second Hagi, third Karatsu.'
Satsuma ware 薩摩焼 Satsuma Province Earthenware, originally a local industry of plain vessels started by Korean potters about 1600. From the 19th century a term for a style of highly decorated ware produced in many areas, purely for export to the West.
Seto ware 瀬戸焼 Seto, Aichi The most produced Japanese pottery in Japan. Sometimes, the term Seto-yaki (or Seto-mono) stands for all Japanese pottery. Includes Ofukei ware.
Shigaraki ware 信楽焼 Shiga Prefecture One of the oldest styles in Japan. Famous for tanuki pottery pieces.
Shitoro ware 志戸呂焼
Shōdai ware 小代焼
Takatori ware 高取焼
Tamba ware 丹波立杭焼 Hyōgo Prefecture Also called Tatekui ware. One of the six oldest kinds in Japan.
Tobe ware 砥部焼 Ehime Prefecture Most are thick porcelain table ware with blue cobalt paintings.
Tokoname ware 常滑焼 Tokoname, Aichi Most are flower vases, rice bowls, teacup.
Tsuboya ware 壺屋焼 Tsuboya, Naha A form of Ryukyuan pottery. Most are thick porcelain table ware with blue cobalt paintings.
Zeze ware 膳所焼 Ōtsu, former Zeze domain Most are thick porcelain table ware with blue cobalt paintings.

A number of museums in Japan are dedicated entirely only to ceramics. Amongst the most well-known ones are the Aichi Prefectural Ceramic Museum close to Nagoya, the Arita Porcelain Park, the Fukuoka Oriental Ceramics Museum, the Kyushu Ceramic Museum, the Noritake Garden, the Museum of Oriental Ceramics, Osaka, the Okayama Prefectural Bizen Ceramics Museum, and the Ōtsuka Museum of Art. Public museums such as the Kyushu National Museum, Kyoto National Museum, Nara National Museum, Tokyo National Museum and Ishikawa Prefectural Museum of Art have important ceramic collections. A number of private museums also have important items such as the MOA Museum of Art, Mitsui Memorial Museum, Seikadō Bunko Art Museum, Fujita Art Museum and Kubosō Memorial Museum of Arts, Izumi. A number of important ceramic items are also owned and kept in various temples in Japan such as the Ryūkō-in, Kohō-an and Shōkoku-ji, however the items are not exhibited publicly.

Most ceramic museums around the world have collections of Japanese pottery, many very extensive. Japanese modern ceramic works are often very sought-after and expensive. Apart from traditional styles art and studio pottery in contemporary art styles are made for the international market.


Raku kilns should be small they also must be easily opened, with the opening large and safe enough for the ware to be removed from the kiln while still incandescently hot. There is any number of styles that can be used for raku, but in my experience, a well-designed top-hat kiln works exceptionally well. Top-loading kilns should be avoided.

Once the ware is loaded, the burner(s) are turned on. Since the kiln's interior size is so small, the internal temperature will increase very quickly into the incandescent ranges. Many raku firings take a half hour or less to get the kiln to temperature.

Watch is kept on the pots through one or more peepholes. Use UV-cutting safety goggles, since looking into hot kilns can damage the eye. Once the glaze can be seen to have become fluid and the surface has smoothed, the burner(s) shut off. Usually, this will be at about cone 08 (1735 F/945 C).

The kiln is opened immediately, while the interior is glowing incandescent. This level of heat requires safety issues be held firmly in mind as the kiln is opened and the work of quickly removing pots begins.


2. Tea Bowl with Black Glaze Attributed to Chojiro

Tea bowl with black glaze attributed to Chojiro, early 17th century, The Metropolitan Museum of Art, New York

Chojiro also worked for the tea master Sen no Rikyu (1522-1591) and created tea bowls to be used in chanoyu, the Japanese tea ceremony. هؤلاء chawan attracted attention for their refinement and pure beauty. Chawan remain a popular form of artist expression today. Check out these 5 Extraordinary Tea Bowls for more works of ceramic art.


How to Take Care of Raku Pottery

For Raku Pottery, we strongly recommend initiating it before first use. Raku Pottery is very porous due to the method of firing, which makes it very fragile. Initiating it with a very fine powder (traditionally rice powder) makes it much more stable, protects it from breaking as easily, sudden heat change damaging it or the tea causing discoloration.

  1. Put a cup of rice in lukewarm water. Stir it around, so the rice powder comes off the rice and makes the water opaque. ATTENTION: Make sure the water is lukewarm (about room temperature), not hot or boiling, as the sudden big temperature change can break a new bowl!
  2. Put the Raku in the water so it is covered and let it sit there for about 15 minutes, so the rice powder enters the pores.
  3. Rinse the rice powdered water off in lukewarm water.
  4. Gently dry it with a clean cloth and let it sit for about a day, so all water leaves the pores and the powder sets.

To clean a Raku Pottery hold it under running water (lukewarm) and gently remove any tea residue. After washing it, gently dry with a clean cloth. We give a traditional cleaning cloth as a gift with every Raku Pottery bought at Sazen Tea.
Do NOT let it sit in water, as the bowl can fall apart. Do NOT put it in a dishwasher!
TIP: As tea has an antibacterial effect, using dish soap is not necessary. If absolutely needed, only use completely natural dish soap, because Raku Pottery absorbs it in its pores.


History of Raku-ware

Raku pottery was developed in Japan in the early 1500’s as the Ceremonial Tea Ware of the Zen Buddhist Masters. الكلمة Raku signifies enjoyment of freedom. It was preferred by the Masters because of its humility, tasteful unpretentiousness, simple naturalness, and its deliberate avoidance of luxury… all very important to the Zen philosophy.

According to the Zen Masters, its elusive, subtle, yet vigorous beauty is Raku’s only worth, it is pottery without utility or function. Raku must be approached with a different criterion in mind, like a painting or a symphony.

It is valued because it is believed that the Spirit of the Maker is embodied in the form and revealed at the foot, which is traditionally left naked (unglazed). It is believed that if we are alert to ourselves, in contemplating the Raku form, we will recognize in it our own Spirit and Meaning.


Fujimoto Yoshimichi (1919-1992)

After graduating from art school ad being admitted to the Ministry of Education, Culture, Sports, Science, and Technology&rsquos industrial arts engineering training center, Fujimoto entered into an apprenticeship under Kato Hajime, and began producing works alongside Tomimoto Kenkichi as his pottery assistant in 1938.
Fujimoto won the Kofukaiten Kofukai Kogeisho Award in 1938, and after World War II exhibited works primarily in the various exhibitions held by the Japan Ceramics Society. Fujimoto won an award from the society as well as the silver prize from the International Academy of Ceramics in Geneva in 1956.
Furthermore, though Fujimoto for a time was a member of the avant-garde Sodeisha Society where he produced odjet d&rsquoart ceramics in addition to other kinds of pottery, from the mid 1960s he returned to more traditional styles, immersing himself in research of painted porcelain.
Developing works that feature the motifs of flowers and birds, painted with such realism that&rsquos evocative power superseded that of Nihonga artists. In addition to this, he created unique techniques such as that of Yubyokasai wherein images are added to works before firing via colored glazes, and it was for these techniques that he was designated as a holder of the title Nationally Important Intangible Cultural Property (Living National Treasure) in 1986.
In the interim however, after assuming a position as an instructor at the Kyoto City University of Arts in 1956, he continued to dedicate himself to his own education and guidance of a new generation of artists at the school in Kyoto as well as at Tokyo University of the Arts until 1990 (ending his tenure as dean of Tokyo University of the Arts), while also winning awards such as the gold prize from the Japan Ceramics Society and a Medal of Honor from the Government of Japan with a dark blue ribbon in the same year. For his seal, he is fond of suing the Kuma or bear seal made by Kenkichi.

- the highest appraised market value of art was over 30,000,000 JPY.


Clay and Pottery - Brief History


Indian Potter, Hyderabad, Andhra Pradesh, Southern India.

Pottery is our oldest handicraft. In prehistoric times, most likely water was carried in woven baskets lined with river clay. After the water was poured out of the container the layer of clay dried. The loss of moisture caused the shape to shrink and separate from the sides of the basket. When the clay, now shaped like a pot, was removed, and dried in the sun on hot sand, it retained the basket pattern. Early men and women then discovered that they could harden the molded pottery in hot ashes and make sturdy containers to transport and store food. From these would have been extended the pots formed by hand and decorated with crude tools.

From a very early date in history, some say at least 400 B. C., earthenware pottery was produced on a mass scale by a potter's wheel in many parts of the world.

المصريين made kilns to place their clay pots in for firing. The kiln was lined with a kind of insulation brick that was made from a mixture of straw and clay which had been dried in the sun. Later, the ancient Egyptians used a finer clay with a high quartz content for their delicate pottery. They rubbed the pieces with a smooth stone to give the a dull sheen or coated them with a fine layer of another color of clay.

Further experimentation lead the Egyptians to coat their clay objects with a bluish-green substance to make them non-porous. This was a glaze composed of quartz, soda, and a mineral containing copper which when fired covered the clay bowls and vases with a glass-like surface.


اليونانية القديمة vases are highly valued for form and decoration. The graceful lines an perfect balance speak to our desire for beauty. The pottery was decorated with pictures of the daily lives of the people and stories of their gods, goddesses and heroes. On the red figure vases the background was painted black and the figures were left the natural red color of the clay. The color was reversed on the black-figured vases

في medieval times sand was mixed with clay to make cooking pots strong enough to be placed over an open fire. Today, for the same reason, casseroles used for baking are made from clay mixed with grog which is a ground-up fired pottery. The openness of grog clay allows water to evaporate more evenly as it dries and prevents cracking and warping during the firing. Grog clay eases the problem of heat expansion which can cause large thick pieces of pottery or sculpture to blow up in the kiln.

Around the middle of the thirteenth century German potters started to produce stoneware. This pottery was made form finer clays and fired at a higher temperature than earthenware. Stoneware was tan or gray in color, strong and naturally non-porous.

Light, transparent porcelain was first produced in China. Porcelain was made from a very plastic and pure clay called kaolin mixed with felspar. The colorful decoration of the porcelain was accomplished by firing each color individually after it was applied. These delicate china dishes and figurines were in demand all over Europe. In their efforts to unravel the secret of the composition of the Chinese porcelain, European and other Asian potters developed many variations in their glazing techniques.

Rakuware is another type of pottery of special interest. The crackled glaze of raku originated in Japan where tea bowls were modeled by hand from a very coarse clay (Hanson, 1970).

Late in the sixteenth century, a trade route through Manila, brought pottery from China to Acapulco to Vera Cruz, Mexico to Europe.


Classification by Type

Though Chinese pottery can be classified relatively neatly using the eras in which they were produced, certain technological and artistic developments spanning the dynasties occasionally makes it more useful to group such pottery according to type. There is a extensive range of ceramics created for a wide range of uses, from decoration, to storage facilities, to tea-ware, and even for burial purposes, but there are a select few that are so unusual that they have to be mentioned.

The first of these is sancai pottery, a term that is derived from the literal Chinese term ‘three colors’ – which is indicative of the character of the pottery itself. Though sancai pottery does not necessarily have to have three colors (it sometimes has more), the subtlety in the effect of the three-color glazes on the pottery has endured through the ages. The use of such a glaze seems to be especially popular with decorative ceramic statues, such as miniature clay horses or other such animals.

In stark contrast to the creams and light greens in sancai pottery, Jian tea wares (which reached the height of its popularity in the Song Dynasty) uses iron-rich clays and high temperatures to create a blackish molten glaze that is vivid in its dark shade and unusual in the ridged patterns created in the oxidizing process. This pattern, known as ‘hare’s fur’, later came to be used to create other such effects, such as the oil-spot, tea-dust and partridge-feather glaze effects, a technique that was greatly appreciated, and eventually copied, by Japanese potters.

Ding ware, on the other hand, is famed for the purity of the shade of its white paste, and the translucence of its glaze, a glaze so fine that it tended to run down the pottery and pool at the base, creating a ‘pool of tears’ effect, which was very much praised. Even so, as its beauty mainly relies on the purity of its color and the elegant simplicity of its form, it is often dismissed in favor of Ru ware, another popular pottery type during the Song period. Ru pottery used the ‘crazing’ of a glaze (the crackles caused on the surface of a glaze when it cools and contracts too quickly), to a highly stylized effect that was made deliberately, despite the previous perception that ‘crazing’ was a defect in glazed ceramics.

Despite the general emphasis on creating delicate and fine pottery, Jun ware also became popular in the Song Dynasty. The thicker pieces of ceramic were covered with a turquoise or purple glaze, which was so thick that the viscosity created a shimmering opalescence on the surface of the ceramic once it was placed in the kiln. Though considered cruder in its structure and bulk, the sheen of such pottery was very much appreciated at court, and is still the object of much acclaim in the modern day.

However, it is the blue and white pottery that is most famous out of all these types, which is best known for the incredible vividness of the blue glaze, combined with the purity of the fine white porcelain. Though evidence for its existence dates to as early as the 8th century AD, it is thought that the true evolution and development of this ceramic technique only fully came to be realized in the Tang Dynasty, and reached the zenith of its glory during the Qing Dynasty. Despite the detail and intricacy that is dedicated to a tableau on a piece of such pottery, unlike its Ancient Greek and Roman counterparts, blue and white pottery has never really been used a medium of narrations. However, its popularity has endured to the modern day, and it has continually inspired stories, research, and replications from all over the world.


شاهد الفيديو: أواني الفخار: ومايجب عمله قبل استخدام طنجرة او قدر الفخار اول مرة ونصائح قبل شراء الاواني الفخارية