الفنون والثقافة في اليابان في العصور الوسطى

الفنون والثقافة في اليابان في العصور الوسطى

تم تصميم هذا النشاط ليناسب فترة زمنية مدتها 30 دقيقة لفصلك الدراسي ومناسب لكل من التدريس عبر الإنترنت والفصول الدراسية ، فضلاً عن التعليم المنزلي.

يجب على الطلاب قراءة ثلاث مقالات (متوفرة أيضًا بتنسيق صوتي) حول الفترات الثلاث لليابان في العصور الوسطى وإكمال جدول لمقارنة ومقارنة المعلومات حول الفنون والثقافة والعمارة والعوامل المساهمة والأشخاص لكل فترة.

هذا النشاط جزء من درس الفنون والثقافة في حزمة Feudal Japan حيث يمكنك العثور على:

  • خطط الدروس الكاملة ، مع تعليمات المعلمين (Word & PDF)
  • أسئلة اختبار الاختيار من متعدد (Excel)
  • مسرد الكلمات الرئيسية والمفاهيم (Excel)
  • أسئلة مفتوحة قابلة للتكيف مع المناقشات والعروض التقديمية والمقالات (Word & PDF)
  • الموارد الموصى بها لتزويدك أنت وطلابك بقائمة شاملة من المراجع الموثوقة حول هذا الموضوع. يشمل جميع أنواع الوسائط: مقاطع الفيديو ، والنصوص ، والموارد الأساسية ، والخرائط ، والبودكاست ، والنماذج ثلاثية الأبعاد ، وما إلى ذلك (Word & PDF)

تغطي حزمة دروس اليابان الإقطاعية الموضوعات التالية:

  • الحكومة والحرب
  • الحياة اليومية والبنية الاجتماعية
  • أهمية الجغرافيا
  • الفنون والثقافة

إذا كنت في حاجة إليها ، تحقق من "أوراق الغش" الخاصة بنا لمنح طلابك مثل النصائح لكتابة مقال رائع أو أدوات لجعل حياتك أسهل ، مثل وضع العلامات على الشبكات.

موقعنا منظمة غير ربحية. إذا وجدت هذا المورد مفيدًا ، فيرجى التبرع لمساعدتنا في إنتاج المزيد من المواد المجانية.


الأدب الياباني الكلاسيكي (حتى عام 1868)

أقدم الأعمال الأدبية الباقية هي كوجيكي (سجل الأمور القديمة ، ج 712) و نيهون شوكي (كتاب تاريخ اليابان القديمة ، ج 720). تحكي هذه الأعمال التاريخية والأساطير عن أصول الشعب الياباني وتشكيل الدولة.

بينما تتم كتابة Nihon Shoki بالكامل تقريبًا باللغة الصينية ، فإن Kojiki مكتوبة باللغة اليابانية باستخدام الأحرف الصينية وهي مألوفة أكثر. المختارات العظيمة المعروفة باسم مانيوشو (مجموعة من عشرة آلاف ورقة ، حوالي 770) تحتوي على حوالي 4500 قصيدة كتبها أناس من جميع مناحي الحياة ، من الأباطرة إلى الفلاحين.

هناك نوعان رئيسيان من القصيدة في المختارات ، طويل وقصير ، منها شكل قصير ، أو تانكا، حتى يومنا هذا. يتكون تانكا من خمسة أسطر بها 5-7-5-7-7 مقاطع. كان المزاج السائد في الأدب في هذه الفترة هو الإخلاص الشخصي.

قصة خرافية تاكيتوري مونوجاتاري يُعتقد أن (حكاية قاطع الخيزران) ، التي كُتبت في القرن التاسع ، هي أول رواية يابانية. من المعروف على نطاق واسع اليوم باسم كاغويا هيمي (The Moon Princess) وتحظى بشعبية في كتب الأطفال المصورة. يحكي قصة قاطع الخيزران القديم الذي اكتشف ذات يوم طفلًا صغيرًا في ساق من الخيزران. يتبناها هو وزوجته وينمو الطفل إلى امرأة جميلة في غضون بضعة أشهر (تمامًا كما ينمو الخيزران بسرعة هائلة). تجذب الكثير من الخاطبين ، بما في ذلك الإمبراطور ، لكنها تضع لهم مهامًا مستحيلة للفوز بيدها. أخيرًا ، أعلنت Kaguya-hime أنها ستعود إلى منزلها - القمر. يرسل الإمبراطور آلاف الجنود لإيقافها لكنها تراوغهم ولم تترك وراءها سوى رسالة. أمر الإمبراطور بحرق الرسالة على أعلى جبل في الأرض. بأعجوبة ، استمرت الرسالة في إنتاج الدخان ونتيجة لذلك أصبح الجبل معروفًا باسم Fuji ، & quottal one & quot.

مما لا شك فيه أن أقدم عمل خيالي كان جينجي مونوجاتاري (حكاية جينجي) كتبها عام 1010 بواسطة موراساكي شيكيبو (يسار) ، سيدة محكمة هييان (كيوتو الحديثة). إنه مجلد ضخم من 54 مجلدًا يحكي عن المغامرات الرومانسية للنبلاء ، والتي تدور حول الأمير جينجي ، الذي نزل في الفولكلور الياباني باعتباره نسختهم من كازانوفا أو دون جوان. كما يقدم لمحة عن الحياة اليومية لرجال البلاط في القرنين العاشر والحادي عشر ، كما يفعل ماكورا نو سوشي (كتاب الوسادة) تأليف سي شوناجون، امرأة أخرى في المحكمة.

تتميز أدب فترة هييان (794-1185) بـ أحادية لا تدرك، أو الشعور بالارتباط بالطبيعة وكل الأشياء. لا يزال هذا المفهوم يُعتبر مركزيًا في النفس اليابانية على الرغم من أنه ليس من السهل رؤيته في اليابانيين اليوم.

خمسة قرون من الاضطرابات الكبيرة والحرب المستمرة تقريبًا تبعت معركة Dannoura في عام 1185 ، حيث هُزمت عشيرة Taira الحاكمة من قبل عشيرة Minamoto (المعروفة أيضًا باسم Genji). أصبحت المعركة موضوع أشهر قطعة نثرية في ذلك الوقت ، و هايك مونوجاتاري (حكايات عشيرة Taira ، حوالي 1220) المؤلف غير معروف.

ينعكس مزاج الكآبة والعزلة الذي يلف البلاد في أدبيات ذلك الوقت. غالبًا ما يوصف باستخدام مصطلح يوجين (الغموض والعمق). كان أهم الأشخاص في المجتمع الياباني خلال هذا الوقت ، والذي امتد إلى فترتي كاماكورا (1185-1333) وموروماتشي (1333-1573) ، محاربي الساموراي ، الذين عاشوا حياة مليئة بالحيوية ، والكهنة البوذيين الذين أمضوا أيامهم. في التأمل الصامت. كان العديد من الكتاب العظماء كهنة.

ال شين كوكين شو (مجموعة جديدة من القصائد القديمة والحديثة ، 1205) هي واحدة من أعظم مختارات الشعر في هذه الفترة. قام بتجميعها الشاعر فوجيوارا تيكا لكن أحد الشخصيات الرئيسية المدرجة هو الكاهن سايجيو. تم تطوير شكل من أشكال الشعر في هذا الوقت كان renga ، أو قصائد مرتبطة. تعاون ثلاثة شعراء أو أكثر في تأليف قصيدة واحدة طويلة. أعظم سادة رينجا ، سوجي, شوهاكو، و سوتشومعا من المشاهير ميناس سانجين (ثلاثة شعراء في ميناس) في أواخر القرن الخامس عشر.

بعد السلام أعيد إلى الأرض تحت توكوجاوا شوغونيت ، الذي حكم من إيدو (طوكيو الحديثة) ، تطورت أشكال جديدة من الثقافة حيث كانت اليابان مغلقة أمام العالم الخارجي لأكثر من قرنين من الزمان. شهدت فترة إيدو (1600-1868) نمو طبقة التجار وتطور معها نوع ترابي من الثقافة الشعبية.

لا تزال الأمثلة الشائعة تشمل الكابوكي ، والأوكييو-إي (المطبوعات الخشبية للممثلين والبغايا) وروايات مثل كوشوكو إيتشيداي أوتوكو (حياة رجل مغرور) و كوشوكو جونين أونا (خمس نساء أحببن الحب) إيهارا سايساكو. هذه الروايات عبارة عن حكايات فاضحة على حد سواء عن حياة الحب والتأثيرات المالية وتعاملات المجتمع التجاري. ولكن في الوقت نفسه ، شهدت فترة إيدو أيضًا تطور الشكل الشعري الذي يعتبر من أرقى إنجازات الأدب الياباني - هايكو.

الهايكو هي قصائد مكونة من 17 مقطعًا لفظيًا تأثر تطورها بشدة ببوذية الزن التي كانت سائدة في ذلك الوقت. على الرغم من أن الهيكل الحالي للمقطع 5-7-5 والاستخدام الإلزامي لـ كيغو (كلمة لتمثيل الموسم) تم تقديمها في وقت لاحق فقط في فترة ميجي (1868-1912) ، أعظم دعاة الهايكو عاش في فترة إيدو.

باشو ماتسو (1644-94) كان كاهنًا علمانيًا من زن ، وغالبًا ما يكون الهايكو جزءًا من مجلات السفر وكُتب على الطريق ، مستحوذًا على مزاجه ومحيطه في أجزاء مختلفة من البلاد بينما كان يتتبع خطى عظماء الأدب السابقين مثل Saigyo و سوجي. أفضل عمل معروف هو Oku no Hosomichi (الطريق الضيق عبر أعماق الشمال - يتوفر في الترجمة الإنجليزية الطريق الضيق إلى أوكو من قبل عالم ياباني مشهور دونالد كين). وهو يحكي عن رحلة حج باشو التي تقارب 1500 ميل مع تلميذه سورا من إيدو إلى شمال اليابان ، والتي تمت عندما كان يبلغ من العمر 48 عامًا وقبل وفاته بوقت قصير. كان شاعران الهايكو العظيمان الآخران في هذه الفترة يوسا بوسون، رسام و كوباياشي عيسى، قروي.

أقصر شكل شعري في العالم ، يعمل الهايكو بشكل أفضل باللغة اليابانية منه في اللغة الإنجليزية ، كما أن الترجمات صعبة بشكل خاص. على أي حال ، إليك بعض ترجمات هايكو بواسطة باشو من Oku no Hosomichi. تُظهر الصورة الموجودة على اليسار آخر هايكو منقوشة على حجر ضخم بجوار نهر موغامي.


تاريخ موجز لفنون اليابان: فترة إيدو

مهد انتصار توكوجاوا إياسو وتوحيد الأراضي الطريق أمام حكومة جديدة قوية. حكم شوغن توكوغاوا لأكثر من 250 عامًا - فترة سلام نسبي وازدهار متزايد. نشأت ثقافة حضرية نابضة بالحياة في مدينة إيدو (طوكيو حاليًا) وكذلك في كيوتو وأماكن أخرى. أصبح الحرفيون والتجار منتجين ومستهلكين مهمين لأشكال جديدة من الثقافة المرئية والمادية. غالبًا ما يشار إلى حقبة "أوائل العصر الحديث" لليابان ، وتنقسم فترة إيدو طويلة العمر إلى فترات فرعية متعددة ، أولها عصور Kan’ei و Genroku ، التي تمتد من عشرينيات القرن السادس عشر إلى أوائل القرن الثامن عشر.

كانو سانراكو التنين والنمر، أوائل فترة إيدو ، القرن السابع عشر ، زوج من الشاشات القابلة للطي ، ملونة وذهبية على ورق ، 178 × 357 سم لكل منهما (معبد Myoshinji ، كيوتو ، الصورة: Wikimedia Commons)

كانو تانيو ، المناظر الطبيعية في ضوء القمر، بعد 1662 ، واحدة من ثلاث لفائف معلقة ، حبر على الحرير ، 100.6 × 42.5 سم. يذكر التوقيع عنوان هين للرسام ، "ختم القانون البوذي". (متحف متروبوليتان للفنون)

خلال حقبة Kan’ei ، ازدهرت مدرسة Kan للرسم ، التي تأسست في فترة Muromachi ، تحت قيادة ثلاثة من رساميها المميزين: Kanō Tan’yū و Kanō Sanraku و Kanō Sansetsu. تمت محاكاة أساليبهم وخرجت عن اللوحة الرائعة لكانو إيتوكو (تمت مناقشتها في قسم فترة موموياما). كان تانيو حفيد إيتوكو ، وسانراكو كان ابنه بالتبني ، وسانسيتسو كان صهر سانراكو (الذي تبناه سانراكو في النهاية وريثًا له).

تشترك أساليب كل منهما في توتر إبداعي بين اتجاهين فنيين متباينين: من ناحية ، تأثروا بشدة بأسلوب الرسم التعبيري الضخم في Eitoku من ناحية أخرى ، واعتمدوا أسلوبًا أقل دراماتيكية وأنيقة بمهارة ، بما في ذلك العودة إلى النماذج الصينية والأسلوب السابق لمدرسة Kanō.

تانيو ، على وجه الخصوص ، قاد هذا التحول المحافظ. كان انتقاله إلى إيدو باعتباره رسام توكوغاوا شوغون بمثابة قطيعة مع رسامي كانو المقيمين في كيوتو (بما في ذلك سانراكو وسانسيتسو) ، وهو ما انعكس في الأطروحات المعاصرة التي أثيرت حول قضايا التسلسل الهرمي والشرعية داخل المدرسة.

كان تانيو فنانًا متعدد الاستخدامات غارقًا في التقاليد الصينية ، ومتذوقًا ومجمعًا للوحات الصينية. بالاعتماد على مفرداته البصرية المثقفة ، رسم تانيو كلاً من المناظر الطبيعية الشعرية بالحبر أحادي اللون ، وعادة ما تستحضر الموضوعات الكلاسيكية ، واللوحات متعددة الألوان على الطراز الياباني ، والتي تستوعب عمولات واسعة النطاق للأماكن الفخمة. تقديراً لعمله ، حصل ، في سن 61 ، على لقب الشرف Hōin ("خاتم القانون البوذي").

صحن يصور سيدة مع مظلة ، ج. 1734-1737 ، Hizenware ، Imari ، التصميم المنسوب إلى الهولندي Cornelis Pronk ، الخزف مع الكوبالت الأزرق تحت التزجيج الصافي ، 26.7 سم (متحف المتروبوليتان للفنون)

شهدت عصور Kan’ei و Genroku تطورات كبيرة في وسط آخر ، وهو البورسلين. كان رواد الخزف الياباني هم الخزافون الكوريون الذين تم إحضارهم إلى اليابان بعد توغل Toyotomi Hideyoshi في كوريا خلال فترة موموياما. استقر هؤلاء الخزافون في كيوشو ومهدوا الطريق لواحد من أكثر مراكز البورسلين ابتكارًا وإنتاجًا في العالم. أصبحت Arita و Imari و Kakiemon الآن أسماء مألوفة ، ويرجع ذلك جزئيًا إلى تصدير القرن السابع عشر لمثل هذه السلع من شمال كيوشو عبر شركة الهند الشرقية الهولندية. ساهمت هذه الشركة التجارية الدولية بشكل كبير في الإقبال العالمي على الخزف الصيني ، وخاصة الصنف الأزرق والأبيض. على الرغم من سياسة توكوجاوا في العزلة الذاتية ، فإن استثناء السماح لبعض الوكلاء الصينيين والهولنديين بمواصلة التجارة الدولية ، جنبًا إلى جنب مع الاضطرابات السياسية في الصين الناجمة عن سقوط أسرة مينغ ، خلق السياق الأمثل للهولنديين ليحلوا محل اللون الأزرق الصيني. - البورسلين الأبيض والبورسلين الياباني في التجارة العالمية. تحاكي سلع التصدير اليابانية ، التي يشار إليها غالبًا باسم أدوات Imari ، الخزف الصيني باللونين الأزرق والأبيض وتعكس الأذواق الغربية التي تلبي احتياجاتها.

لوحة تصور أعشاب الخريف وضباب على شكل معينات ، أواني نابشيما ، وخزف مع طلاء أزرق تحت التزجيج وسيلادون ، 20.32 سم (معهد مينيابوليس للفنون)

من بين أفران البورسلين المختلفة في شمال كيوشو ، لم تكن أوعية نابشيما للتصدير ولكن تم إنتاجها حصريًا للسوق المحلي. تبنى سيد نبيشيما ، الذي جلب الخزافين الكوريين إلى منطقته ، الإنتاج المحلي الذي تطور في القرن السابع عشر ورعى فرنًا خاصًا قدم بورسلينه كهدايا استراتيجية لشوغون ولوردات إقطاعيين آخرين. مع الحفاظ على سرية عمليات الإنتاج ، يمكن تمييز خزف نابشيما من خلال أسطحه الرائعة ، المزينة بزخارف دقيقة مستمدة ليس من مصادر صينية أو أوروبية ، ولكن من المرجع البصري الياباني التقليدي.

مع أسطحه الملساء وأشكاله المحددة جيدًا ، كان الخزف مختلفًا بشكل ملحوظ عن الخزف الحجري الذي تم إنتاجه في مراكز السيراميك الأخرى في اليابان ، مثل أدوات Oribe لطقوس الشاي (الموصوفة في القسم الخاص بفترة موموياما). خلال فترة إيدو ، حفل الشاي - كلاهما تشانويو و سنشا، وهو نوع مختلف من الطقوس لإعداد والتمتع بأوراق الشاي المنقوع - استمر في الازدهار. سينشا، على وجه الخصوص ، كان جزءًا لا يتجزأ من الثقافة الأدبية. الأدب الياباني أو بنجين صاغوا أنفسهم على غرار العلماء والفلاسفة الصينيين الذين كانوا ضليعين في الرسم والخط وكتابة الشعر. كعلماء في مساعي فنية ، بنجين لم يكونوا رسامين محترفين ، لكنهم استخدموا الرسم - وخاصة التصاميم التلقائية للمناظر الطبيعية والقصائد والزخارف التقليدية الصينية واليابانية في غسل الحبر - كطرق للتعبير عن الطاقة الداخلية للأرواح المزروعة التي سعت إلى تحقيق التميز من خلال إخراج نفسها من المجتمع وحتى تحدي المعايير المجتمعية. تم تبني نموذج الاستبعاد هذا بشكل خاص في فترات الاضطرابات السياسية ، وهو ما حدث بالتأكيد في اليابان في نهاية القرن السادس عشر أثناء الاضطرابات التي ميزت موموياما ، وهي فترة الأربعين عامًا التي أدت إلى فترة إيدو. تدريجيًا ، طورت الممارسات الأدبية توترًا جوهريًا بين المتمرد والشخصاني للغاية ، من ناحية ، والطقوس والمعياري من ناحية أخرى ، حيث بدأت التقاليد والأنساب تصبح أكثر جمودًا بمرور الوقت.

آيك نو تايغا ويوسا بوسون ، عشر ملذات وعشر ملذات، 1771 ، ألبومات مقترنة ، ملونة على ورق ، 17.7 × 17.7 سم (في مجموعة أواخر كاواباتا ياسوناري ، مؤسسة كاواباتا ، محافظة كاناغاوا ، الصورة مقتبسة من: ويب اليابان)

بونجينجا ، التي يمكن ترجمتها حرفيًا على أنها "لوحة أدبية" ، تشير إلى الرسم الذي يمارسه هؤلاء الرجال المتعلمون. غالبًا ما جمعت اللوحة الأدبية إشارات إلى كل من الموضوعات الصينية الكلاسيكية والمصادر الأدبية المحلية والمعاصرة ، وخاصة القصائد ، التي غالبًا ما كتبها الرسامون أنفسهم. القرن الثامن عشر هايكاي نو رينجا كان الشاعر يوسا بوسون أيضًا رسامًا بارعًا وبروح التعاون هايكاي نو رينجاقام بتأليفه بالاشتراك مع Ike no Taiga ، وهو زوج من الألبومات حول الموضوع الصيني "عشرة وسائل راحة" و "عشرة ملذات" للحياة ، ويجمع بين الصور المثالية للطبيعة (غالبًا بواسطة بوسون) مع عمليات التسليم القصصية للأنشطة البشرية (غالبًا بواسطة Taiga). كان التعاون بين Buson و Taiga على حد سواء جماعيًا وتنافسيًا ، مما يستدعي إلى الأذهان التقليد الياباني منذ قرون في مسابقات الشعر والصور التي أظهرت المواهب والمهارة.

ماروياما أوكيو ، أشجار الصنوبر في الثلج، بين 1781 و 1789 ، شاشة يسرى لزوج من الشاشات القابلة للطي ، والحبر ، واللون ، والذهب على الورق (متحف ميتسوي التذكاري ، الصورة: ويكيميديا ​​كومنز ، المجال العام)

كان إحباط أسلوب بوسون وتايغا في الرسم هو البحث المتجدد عن الواقعية للرسام ماروياما أوكيو. تناقض تجسيده الطبيعي للطيور والحيوانات ، والشخصيات البشرية ، والمناظر الطبيعية مع أسلوب الأدب من خلال التركيز على نظام عقلاني للتمثيل البصري ، يرتكز على مراقبة العالم الطبيعي. تدرب Okyo على التقنيات الأوروبية للتظليل ومنظور النقطة الواحدة ، ومع ذلك ابتكر توليفة من الطبيعة المستوحاة من الغرب والتقنيات والأنماط والموضوع الياباني التقليدي. تم نقل طريقة رسم Okyo عبر مدرسة Maruyama-Shijō ، التي أنشأتها Okyo لأول مرة كمدرسة Maruyama. تابعها ماتسومورا جوشون (الذي كان أستوديوه في شارع شيجو في كيوتو) ، وهو رسام درس لأول مرة مع بوسون ثم تحول إلى أوكيو. تمت الإشارة إلى هاتين المدرستين المرتبطتين ارتباطًا وثيقًا ككيان واحد منذ أواخر فترة إيدو ، عندما تلاشت الفروق بين الاثنين. كان شيباتا زيشين أحد أبرز الرسامين في سلالة غوشون ، وهو تلميذ لأحد طلاب غوشون ، وهو رسام مبتكر وفنان ورنيش.

اليسار: سوجا شوهاكو ، أسود عند الجسر الحجري لجبل تيانتاى، 1779 ، لفيفة معلقة ، حبر على الحرير ، 114 × 50.8 سم ، التفاصيل (متحف المتروبوليتان للفنون ، الصورة بالحجم الكامل متوفرة هنا). على اليمين: إيتو جاكوتشو ، الطيور والحيوانات والنباتات المزهرة في مشهد خيالي، القرن الثامن عشر ، زوج من ست لوحات قابلة للطي ، حبر وألوان على ورق ، 137.5 × 355.6 سم ، التفاصيل (متحف محافظة شيزوكا للفنون ، الصورة بالحجم الكامل متوفرة هنا)

ابتعد الرسامون الذين يعملون خارج المدارس القائمة مثل توسا وكانو عن أنماط الرسم المعمول بها إلى درجات متفاوتة. أولئك الذين كانت أساليبهم غير تقليدية بشكل خاص أعيد تقييمهم مؤخرًا على أنهم يشكلون "سلالة من الغريبين" من قبل مؤرخ الفن الياباني تسوجي نوبو. يشمل هذا "النسب" إيواسا ماتابي ، وكانو سانسيتسو ، وإيتو جاكوتشو ، وسوجا شوهاكو ، وناغازاوا روسيتسو ، وأوتاغاوا كونيوشي - ولكل منهم مسارات فردية في عملياتهم الخاصة للنضج كفنانين بصريين. ما شاركوه كان نهجًا شخصيًا للغاية للرسم ، وغالبًا ما يتميز بتقنيات غير عادية وموضوع غير نمطي. في أسود عند الجسر الحجري في جبل تيانتاى، اختارت سوجا شوهاكو موضوعًا بوذيًا نادرًا ما تصوره وتخيلته بطرق جديدة ، مضيفة بُعدًا غريب الأطوار إليه. في الطيور والحيوانات والنباتات المزهرة في مشهد خياليرسم إيتو جاكوتشو بشق الأنفس ما لا يقل عن 43000 مربع ملون لخلق تركيبة خيالية تشبه الفسيفساء.

خلال فترة إيدو ، نشأت ثقافة حضرية صاخبة.ساعد التجار والحرفيون والفنانون في تشكيل الأذواق الثقافية والفنية من خلال منتجاتهم وبرامجهم. أصبحت الحفلات التعاونية المترابطة والأشكال الجديدة للترفيه مثل مسرح الكابوكي من العناصر الأساسية في نمط الحياة الحضرية. اكتسبت السياحة أيضًا شعبية كبيرة حيث ذهب المسافرون للحج إلى الأضرحة والمعابد والمواقع الشهيرة (meisho 名 所) ، وغالبًا ما ترتبط بالقصائد الكلاسيكية والحكايات التقليدية. انعكست كل هذه الممارسات الثقافية في اللوحات والمطبوعات الشعبية المعروفة إجمالاً باسم أوكييو إي 浮世 絵. حرفيا "صور العالم العائم" أوكييو إي يمكن تعريفه بشكل أفضل على أنه الرسم النوعي "لعامة الناس" (شومين 庶民) - أفراد الطبقة الوسطى في المجتمع الياباني في فترة إيدو.

هيشيكاوا مورونوبو ، عاشقين، ج. 1675-80 ، طباعة بقوالب خشبية متعددة الألوان وحبر وألوان على ورق ، 22.9 × 33.7 سم (متحف متروبوليتان للفنون)

تدرب على أعمال المنسوجات لعائلته ، وكان رسام القرن السابع عشر هيشيكاوا مورونوبو من أوائل الفنانين أوكييو إي سادة. ركز على صور النساء الجميلات (بيجين 美人) وعملت في كل من الرسم والطباعة على الخشب. أثر تصويره للنساء والعشاق في أماكن إيدو الممتعة تأثيراً عميقاً على اللاحق أوكييو إي الرسامين ومصممي الطباعة ، ولا سيما مياغاوا تشوشون. في البداية تلقى تعليمه في مدرسة توسا ، وقع تشوشون على أعماله بإضافة "ياماتو إي" إلى اسمه - وهي ممارسة تشير إلى أنه في أيامها الأولى ، أوكييو إي كان يعتبر خليفة ل ياماتو إي نمط.

إيواسا مطبعي ، حكاية ياماناكا توكيوا، القرن السابع عشر ، لفائف يدوية ، حبر ولون على ورق ، الطول الإجمالي أكثر من 70 مترًا ، التفاصيل (ممتلكات ثقافية مهمة ، متحف الفنون في وزارة الزراعة ، أتامي ، شيزوكا ، اليابان)

كان الرسام إيواسا ماتابي ، الذي كان يرى نفسه ، مثل مورونوبو وأتباعه ، وريثًا للـ ياماتو إي وتقاليد مدرسة توسا. نظرًا لأسلوبه في الرسم القصصي وولائه للموضوعات اليابانية وتقنيات الرسم ، غالبًا ما يُنظر إلى ماتابي على أنه شخصية مؤسسية أوكييو إي جنبا إلى جنب مع Moronobu. استوحى ماتابي لوحاته من كلاسيكيات الأدب الياباني مثل حكاية جينجي. ومع ذلك ، بروح أوكييو إي لوحاته مليئة بإحساس الحياة اليومية والتجربة الشخصية. جعل البعد الشخصي للغاية لفنه الآخرين يفكرون في ماتابي على أنه أحد "الغريبين" (المستخدم هنا بالمعنى الذي تم شرحه سابقًا فيما يتعلق بـ Shōhaku و Jakuchū ، ويتماشى مع تعريف مؤرخ الفن تسوجي نوبو). سواء توسا ، أوكييو إي، أو غريب الأطوار ، حطم ماتابي التقاليد من خلال التركيز على التجارب المعاصرة وجوانب الحياة اليومية. في كثير من الأحيان ، كانت هذه الموضوعات متشابكة بشكل هزلي مع الموضوع الكلاسيكي ، مما أدى إلى تشابه بصري ، والذي كان في بعض الأحيان محاكاة ساخرة ، والمعروف باسم خفف. تم فرض حقائق الحاضر على موضوعات كلاسيكية أو أسطورية من الماضي. تتراوح هذه الممارسة في الرسم في فترة إيدو من التركيز على الدنيوية والقصصية ، كما رأينا في مؤلفات ماتابي ، إلى الصور المرحة لشخصيات معاصرة (مثل النساء الجميلات وممثلي الكابوكي) تحت ستار الشخصيات الأسطورية أو التاريخية مثل الشعراء والمحاربون ، كما رأينا لاحقًا في أعمال فناني أوكييو-إي في القرنين الثامن عشر والتاسع عشر مثل أندو (أوتاغاوا) هيروشيغي وأوتاغاوا كونيزادا.

هوكوساي ، اسكتشات عشوائية (مانجا) ، 1834 ، ثمانية مجلدات من الكتب المطبوعة على الخشب ، والحبر والألوان على الورق ، 22.9 × 15.9 سم ، صفحتان (متحف المتروبوليتان للفنون). هوكوساي مانجا خلق صورة مصغرة لثقافة فترة إيدو وكانت مصدر إلهام رئيسي للفنانين الأوروبيين في القرن التاسع عشر.

هوكوساي ، الحطاب، 1849 ، حبر ولون على الحرير ، 113.6 × 39.6 سم (هدية تشارلز لانج فرير ، F1904.182 ، معرض فرير للفنون)

أوكييو إي تم توفير الصور في مجموعة متنوعة من الأشكال ، من اللوحات و سوريمونو لتصوير الكتب (ايهون 画 本) والمطبوعات الخشبية السائبة ، غالبًا ما يتم تصورها في سلسلة (على سبيل المثال ، ستة وثلاثون مشهدًا لجبل فوجي ، سبع حلقات في حياة شاعرة القرن التاسع أونو نو كوماتشي). واحدة من أشهرها أوكييو إي كاتسوشيكا هوكوساي (1760-1849) ، وهي أساتذة وشعار للفن الياباني في العالم الغربي ، لم تصمم سلسلة مطبوعة على الخشب وكتب مصورة فحسب ، بل قامت أيضًا بتأليف العديد من اللوحات. كان هوكوساي يعيش حياة مقتصدة ويعيش في مساكن غير مهذبة ، وكان غزير الإنتاج بشكل ملحوظ خلال حياته الطويلة ، حيث تبنى العديد من الألقاب وأعد بعناية أعماله من خلال الإشارة إلى عمره عندما رسمها. يشتهر هوكوساي بجدارة ببراعته في الرسم الاستثنائي وخياله الواسع ، إلى جانب فهمه الجيد للحياة والثقافة اليابانية ، الكلاسيكية والمعاصرة. مثل الرسامين الآخرين في فترة إيدو ، غالبًا ما كان يُدخل نفسه في عمله الخاص من خلال صور شبه ذاتية وانعكاسات عن عدم الثبات والشيخوخة.

شهدت فترة إيدو تداولًا مكثفًا للمفردات المرئية والمبادئ الجمالية بين الوسائط (غالبًا ما تشترك اللوحات والسيراميك والورنيش والمنسوجات في الزخارف المماثلة) وعبور سجلات مختلفة للثقافة من التصميم إلى الثقافة الشعبية إلى الحنين إلى الماضي الرومانسي قبل الحديث. . تم تمكين هذه التقاطعات بشكل أكبر من خلال التعاون بين الفنانين من مختلف التخصصات. وكان أحد أهم هذه أوجه التعاون هو التعاون بين رسام القرن السابع عشر تاواريا ساتسو ومقره كيوتو وخطاط وصانع الخزف هونامي كيتسو.

Tawaraya Sōtatsu (الرسم) ، Hon’ami Kōetsu (الخط) ، قصائد من Kokin wakashū، أوائل القرن السابع عشر ، لفافة يدوية ، حبر ، ذهبي ، فضي ، ومايكا على ورق ، ارتفاع 33 سم ، تفاصيل (هدية تشارلز لانج فرير ، F1903.309 ، معرض فرير للفنون)

Hon & # 8217ami Kōetsu 本 阿 弥 光 悦 ، تم تسمية وعاء الشاي لعبة مينو ("سلحفاة طويلة الذيل") ، آنية فخارية بزجاج Raku أسود ، 8.7 × 12.5 × 12.5 سم (معرض فرير للفنون)

تضمنت ممارساتهم المشتركة جمالية أنيقة تؤكد على المراجع الثقافية التقليدية المشتركة عبر الرسم والشعر والخط والورنيش والسيراميك وطقوس الشاي.

جنبا إلى جنب مع الخزاف Nonomura Ninsei ، كان Kōetsu من بين أول من وقعوا الفخار في اليابان. كان يقوم بتشكيل أوعية الشاي الخاصة به ، ثم إرسالها إلى ورشة Raku -ware لتلميع الأطباق وإطلاقها. عمل Kōetsu عبر وسائط متعددة وساهم تعاونه مع الرسامين والخزافين في ثقافة بصرية أكثر توحيدًا. كما هو الحال مع الفن الياباني عبر العصور ، لعبت الأنساب دورًا حيويًا في بقاء وتحويل برامج Sōtatsu و Kōetsu الجمالية.

ورشة Ogata Kenzan & # 8217s Narutaki (1699-1712) ، حاوية بخور بها صور من حكايات ايسه، خزف حجري ، كوبالت تحت التزجيج ومينا فوق طبقة زجاجية ، 2.5 × 10 × 7.3 سم (هدية من تشارلز لانج فرير ، F1907.84a-b ، معرض فرير للفنون)

تم تقليد الأنماط المتشابكة لهذين الفنانين في القرن السابع عشر وتوحيدها من قبل فنانين من أوائل القرن الثامن عشر أوغاتا كورين وشقيقه أوغاتا كنزان ، الذين أصبحوا قادة مدرسة في حد ذاتها. ضاعفت العلاقة الأسرية هذا الأنساب الأسلوبي: كانت جدة كورين وكينزان الكبرى الأخت الكبرى لكيتسو. وتعاون الشقيقان في بعض الأحيان. تخصص كورين في الرسم ، بينما أصبح كنزان أحد أكثر الأسماء تأثيرًا في صناعة الخزف بمنطقة كيوتو. قامت الأجيال اللاحقة من الخزافين بمحاكاة أسلوب كنزان وحتى نسخه ، بينما أعطى كورين اسمه لمدرسة جديدة ، Rinpa (& # 8220Rin 琳 & # 8221 من & # 8220Kōrin 光 琳 & # 8221 + & # 8220pa / ha 派 & # 8221 ، وهذا يعني & # 8220school & # 8221) ، التي تتبع أصولها الجمالية إلى نماذج Kōrin و Kenzan ، وبالتحديد Sōtatsu و Kōetsu. استند فنانو رينبا & # 8217 تصميمات راقية ومبتكرة على موضوعات وزخارف تقليدية ، وتم تقديمها بألوان ذهبية وفضية وجريئة. لقد عملوا عبر وسائط وأنواع تتراوح من الرسم إلى الورنيش ومن الحلقات في حكاية جينجي لتصوير الفصول الأربعة.

اليسار: أوغاتا كورين ، قزحية في Yatsuhashi (ثمانية جسور)، بعد عام 1709 ، واحدة من زوج من الشاشات القابلة للطي ، والحبر ، والألوان ، والذهب على ورق ، 163.7 × 352.4 سم (متحف المتروبوليتان للفنون). تستحضر الزخارف المصورة النص الياباني الكلاسيكي ، و حكايات ايسه. يمينًا: ساكاي هويتسو ، زهور الصيف والخريف، الشاشة اليمنى لزوج من الشاشات ، 164.5 × 181.8 سم (JAANUS ، قاموس على الإنترنت لمصطلحات الفنون والهندسة المعمارية اليابانية

المتحف الإلكتروني ، قاعدة بيانات للقطع الأثرية المعينة في اليابان ككنوز وطنية وممتلكات ثقافية مهمة

عن اليابان في متحف متروبوليتان للفنون & # 8217s Heilbrunn Timeline of Art History

نوبو تسوجي ، ترجمة نيكول كوليدج روسمانير ، تاريخ الفن في اليابان (طوكيو: مطبعة جامعة طوكيو ، 2019).

ريتشارد بورينج ، بيتر كورنيكي ، موسوعة كامبردج في اليابان (نيويورك: مطبعة جامعة كامبريدج ، 1993)


فن قص وتشكيل الورق

لا يكاد يكون هناك شخص غربي لم يصنع ، كطفل ، طائرة ورقية باستخدام جريدة مطوية أو ورقة من دفتر ملاحظات. ربما يكون الأشخاص الأكثر ميلًا إلى المغامرة قد صنعوا قبعة ، أو إذا كانوا محظوظين ، فربما تم تقديمهم إلى الاحتمالات اللامحدودة تقريبًا التي يمكن أن يستحضرها الأوريجامي والعقل الإبداعي. في هذه الأيام ، بينما يعتبرها بعض الناس شكلاً فنياً حقيقياً يشبه الزن إلى حد كبير في بساطته وعمقه ، يُنظر إلى الأوريجامي بشكل أساسي على أنه نشاط للأطفال ، الذين يتعلمون فقط بعض التصميمات القياسية. حتى في اليابان ، فإن التصميم الأكثر تعقيدًا الذي يتقنه معظم الناس هو تسورو (كرين) ، التي تطورت لتصبح رمزًا عالميًا لرغبة الأطفال في السلام. لكن الأوريجامي له تاريخ طويل ولم يكن في الأصل للأطفال على الإطلاق.

نمط اوريغامي متقن

مثل العديد من الأشياء في الثقافة اليابانية ، فإن الأوريجامي (من "oru" بمعنى الطي ، و "kami" بمعنى الورق) ترجع أصولها إلى الصين. يُعتقد أن الورق تم صنعه وطيه لأول مرة في الصين في القرن الأول أو الثاني. تعود أقدم سجلات الأوريجامي في اليابان إلى فترة هييان (794-1185). خلال هذه الفترة كان لنبل اليابان عصره الذهبي وكان وقت تقدم فني وثقافي كبير. كان الورق لا يزال نادرًا بدرجة كافية لدرجة أن الأوريجامي كان هواية للنخبة. تم طي الورق في مجموعة من الأشكال للمناسبات الاحتفالية مثل حفلات الزفاف. تم استخدام شرائح مسننة من الورق الأبيض لتمييز الأشياء المقدسة ، وهي العادة التي لا يزال من الممكن رؤيتها في كل ضريح حتى يومنا هذا.

في عصر إيدو (1600-1868) ، تطور الكثير من الثقافة التقليدية الشعبية اليوم كأشكال من الترفيه لفئات التجار وعامة الناس. الكابوكي والأوكييو-إي هما مجرد مثالين ، كما اكتسب الأوريجامي الصداقة. بحلول منتصف القرن التاسع عشر ، تم إنشاء 70 تصميمًا مختلفًا أو أكثر. ولكن بصرف النظر عن استخدامها الاحتفالي ، فقد تراجعت شعبيتها منذ فترة ميجي (1886-1912) وتحديث اليابان.

في منتصف الخمسينيات من العمر 11 عامًا ساساكي ساداكو أصيبت بسرطان الدم نتيجة تعرضها للإشعاع عندما كانت طفلة أثناء القصف الذري على هيروشيما في عام 1945. التقاليد تنص على أنه إذا قمت بعمل سينبازورو (ألف رافعة ورقية) وأتمنى أمنية بعد إكمال كل واحدة ، تتحقق أمنيتك. شرعت ساداكو في صنع تسورو ، متمنية لها الشفاء. مع استمرارها ، بدأت بدلاً من ذلك تتمنى السلام العالمي. تقول إحدى روايات القصة إنها ماتت عندما جمعت 644 فقط وأن أصدقاء المدرسة أكملوا العدد الكامل وخصصوه لها في جنازتها. تقول نسخة أكثر موثوقية إنها أكملت 1000 وذهبت عدة مئات أخرى قبل أن تستسلم للسرطان في سن 12 عامًا. بغض النظر عن التفاصيل ، ساعدت القصة في إلهام نصب السلام التذكاري للأطفال في هيروشيما وتمثال ساداكو في سياتل. كل عام في يوم السلام (6 أغسطس) ، تم إرسال عشرات الآلاف من تسورو الأوريجامي إلى هيروشيما من قبل الأطفال في جميع أنحاء العالم.

صندوق الأوريغامي هذا سهل الصنع بشكل مدهش

الآلاف من اوريغامي تسورو في نصب تذكاري للقنبلة الذرية في هيروشيما

هناك العديد من الخطوات القابلة للطي في إجراء تسورو لأصفها ببساطة هنا والعديد من المواقع تقدم بالفعل هذا والعديد من الأفكار الأخرى.

في الآونة الأخيرة ، ساعد الإنترنت في نشر الكلمة عن الثقافة اليابانية ، سواء الجوانب المخفية منذ فترة طويلة والأشياء التي سمع عنها الغربيون ولكنهم لم يعرفوا عنها سوى القليل. الأوريجامي هو أحد هذه الأوجه التي تناسب الوسط المرئي. يمكن شرح التصاميم في مخططات خطية أو صور ، ومع الممارسة ، يمكن لأي شخص إتقانها. الخطوة التالية ، كما هو الحال مع أي شكل فني ، هي العثور على موضوع أو مجال يروق لأسلوبك الخاص ويطوره. وصل حيوية يوشيزاوا أكيرا، "المعلم الكبير المعترف به لأوريغامي ، والد الأوريغامي الإبداعي الحديث":

"يمكنك طي ورقة رباعية بسيطة بأي شكل تريده. كنت أرغب في طي قوانين الطبيعة وكرامة الحياة والتعبير عن المودة في عملي. طي الحياة أمر صعب ، لأن الحياة شكل أو لقد وقعنا في الظهور في لحظة ، ونحتاج إلى الشعور بالحياة الطبيعية بأكملها لنتمكن من طي لحظة واحدة ".

من صفحة جوزيف وو اوريغامي

فترة Yayoi

الفترة الثقافية التالية ، Yayoi (سميت على اسم قسم طوكيو حيث كشفت التحقيقات الأثرية عن آثارها) ازدهرت بين حوالي 300 قبل الميلاد. و 250 م من جنوب كيوشو إلى شمال هونشو. أقدم هؤلاء الأشخاص ، الذين يُعتقد أنهم هاجروا من كوريا إلى شمال كيوشو واختلطوا مع جومون ، استخدموا أيضًا أدوات حجرية متكسرة. على الرغم من أن فخار Yayoi كان أكثر تقدمًا من الناحية التكنولوجية ، إلا أنه تم تزيينه ببساطة أكثر من أدوات Jomon.

صنع Yayoi أجراسًا ومرايا وأسلحة احتفالية برونزية غير وظيفية ، وبحلول القرن الأول الميلادي ، أدوات وأسلحة زراعية حديدية. مع زيادة عدد السكان وزيادة تعقيد المجتمع ، نسجوا القماش ، وعاشوا في قرى زراعية دائمة ، وشيدوا مبانٍ من الخشب والحجر ، وراكموا الثروة من خلال ملكية الأرض وتخزين الحبوب ، وطوروا طبقات اجتماعية متميزة. كانت زراعة الأرز المروي الرطب مماثلة لتلك الموجودة في وسط وجنوب الصين ، مما يتطلب مدخلات كبيرة من العمالة البشرية ، مما أدى إلى تطوير مجتمع زراعي شديد الاستقرار ونموه في نهاية المطاف.

على عكس الصين ، التي اضطرت إلى تنفيذ الأشغال العامة الضخمة ومشاريع التحكم في المياه ، مما أدى إلى حكومة مركزية للغاية ، كان لدى اليابان مياه وفيرة. في اليابان ، كانت التطورات السياسية والاجتماعية المحلية أكثر أهمية نسبيًا من أنشطة السلطة المركزية والمجتمع الطبقي.


محتويات

اليابان القديمة وفترة أسوكا (حتى 710)

تعود أصول الرسم في اليابان إلى فترة ما قبل التاريخ في اليابان. تم العثور على التمثيلات التصويرية البسيطة ، وكذلك التصاميم النباتية والمعمارية والهندسية في فخار فترة جومون وفترة يايوي (1000 قبل الميلاد - 300 بعد الميلاد) دوتاكو أجراس برونزية. تم العثور على لوحات جدارية ذات تصميمات هندسية وتصويرية في العديد من المدافن التلية التي يرجع تاريخها إلى فترة كوفون وفترة أسوكا (300-700 م).

جنبًا إلى جنب مع إدخال نظام الكتابة الصيني (كانجي) ، وأنماط الإدارة الحكومية الصينية ، والبوذية في فترة أسوكا ، تم استيراد العديد من الأعمال الفنية إلى اليابان من الصين وبدأ إنتاج نسخ محلية بأساليب مماثلة.

فترة نارا (710-794) تحرير

مع زيادة إنشاء البوذية في اليابان في القرنين السادس والسابع ، ازدهر الرسم الديني واستخدم لتزيين العديد من المعابد التي أقامتها الطبقة الأرستقراطية. ومع ذلك ، تشتهر اليابان في فترة نارا بمساهمات مهمة في فن النحت أكثر من الرسم.

أقدم اللوحات الباقية من هذه الفترة تشمل اللوحات الجدارية على الجدران الداخلية لكوندو (金堂) في معبد هوريو-جي في إيكاروغا بمحافظة نارا. تتضمن هذه اللوحات الجدارية ، بالإضافة إلى الصور المرسومة على ضريح تاماموشي المهم ، روايات مثل جاتاكا، حلقات من حياة بوذا التاريخية ، شاكياموني ، بالإضافة إلى صور أيقونية لبوذا ، بوديساتفا ، ومختلف الآلهة الصغيرة. يذكرنا النمط بالرسم الصيني من سلالة سوي أو أواخر فترة الممالك الستة عشر. ومع ذلك ، بحلول منتصف فترة نارا ، أصبحت اللوحات على طراز سلالة تانغ تحظى بشعبية كبيرة. وتشمل هذه أيضًا الجداريات الجدارية في مقبرة تاكاماتسوزوكا ، التي يعود تاريخها إلى حوالي 700 بعد الميلاد. تطور هذا النمط إلى نوع (Kara-e) ، والذي ظل شائعًا خلال فترة Heian المبكرة.

نظرًا لأن معظم اللوحات في فترة نارا ذات طبيعة دينية ، فإن الغالبية العظمى منها لفنانين مجهولين. توجد مجموعة كبيرة من فنون فترة نارا ، اليابانية وكذلك من سلالة تانغ الصينية [2] محفوظة في Shōsō-in ، وهو مستودع من القرن الثامن كان مملوكًا سابقًا من قبل Tōdai-ji وتديره حاليًا وكالة القصر الإمبراطوري.

فترة هييان (794-1185) تحرير

مع تطور الطوائف البوذية الباطنية في Shingon و Tendai ، تتميز اللوحة في القرنين الثامن والتاسع بالصور الدينية ، وأبرزها رسم ماندالا (曼荼羅 ، المندرة). إصدارات عديدة من ماندالا ، وأشهرها عالم الماس ماندالا و عالم الرحم ماندالا في Tōji في كيوتو ، تم إنشاؤها على شكل لفائف معلقة وأيضًا كجداريات على جدران المعابد. من الأمثلة المبكرة الملحوظة في معبد دايجو-جي المكون من خمسة طوابق ، وهو معبد جنوب كيوتو.

كانت مدرسة كوس عائلة من فناني البلاط أسستها كاناوكا كوس في النصف الأخير من القرن التاسع ، خلال فترة هييان المبكرة. لا تمثل هذه المدرسة نمطًا واحدًا للرسم مثل المدارس الأخرى ، ولكن أنماط الرسم المختلفة التي أنشأها كاناوكا كوس وأحفاده وتلاميذه. غيرت هذه المدرسة اللوحات ذات الطراز الصيني ذات الموضوعات الصينية إلى النمط الياباني ولعبت دورًا رئيسيًا في تشكيل أسلوب الرسم yamato-e. [3] [4]

مع تزايد أهمية طوائف Pure Land للبوذية اليابانية في القرن العاشر ، تم تطوير أنواع صور جديدة لتلبية الاحتياجات التعبدية لهذه الطوائف. وتشمل هذه رايجوزو (来 迎 図) ، والتي تصور أميدا بوذا مع بوديساتفاس كانون وسيشي وهم يصلون للترحيب بأرواح المؤمنين الذين غادروا إلى جنة أميدا الغربية. تم رسم مثال مبكر مشهور يرجع تاريخه إلى عام 1053 على الجزء الداخلي من Phoenix Hall of the Byōdō-in ، وهو معبد في Uji ، كيوتو. يعتبر هذا أيضًا مثالًا مبكرًا لما يسمى Yamato-e (大 和 絵 ، "الرسم على الطريقة اليابانية") ، بقدر ما يتضمن عناصر المناظر الطبيعية مثل التلال المتدحرجة الناعمة التي يبدو أنها تعكس شيئًا من المظهر الفعلي للمناظر الطبيعية في غرب اليابان.

يُنظر إلى فترة منتصف هييان على أنها العصر الذهبي لـ ياماتو إي ، التي كانت تستخدم في البداية للأبواب المنزلقة (فوسوما) وشاشات قابلة للطي (عن طريق ōbu). ومع ذلك ، ظهرت تنسيقات الرسم الجديدة أيضًا في المقدمة ، خاصة في نهاية فترة هييان ، بما في ذلك emakimono، أو لفائف يدوية طويلة مصورة. أصناف emakimono تشمل الروايات المصورة ، مثل جينجي مونوجاتاري ، الأعمال التاريخية ، مثل بان دايناجون إيكوتوبا ، والأعمال الدينية. في بعض الحالات، إيماكي استخدم الفنانون اتفاقيات السرد التصويرية التي كانت تُستخدم في الفن البوذي منذ العصور القديمة ، بينما ابتكروا في أوقات أخرى أنماطًا سردية جديدة يُعتقد أنها تنقل بصريًا المحتوى العاطفي للسرد الأساسي. جينجي مونوجاتاري يتم تنظيمها في حلقات منفصلة ، في حين أن أكثر حيوية بان دايناجون إيكوتوبا يستخدم أسلوب السرد المستمر من أجل التأكيد على الحركة الأمامية للسرد. هذين إيماكي تختلف أيضًا في الأسلوب ، مع ضربات الفرشاة السريعة والتلوين الفاتح بان دايناجون يتناقض بشكل صارخ مع الأشكال المجردة والأصباغ المعدنية النابضة بالحياة من جينجي مخطوطات. يعد حصار قصر سانجو مثالًا مشهورًا آخر على هذا النوع من اللوحات.

E- ماكي أيضًا بمثابة بعض من أقدم وأكبر الأمثلة على أونا إي ("صور نسائية") و أوتوكو إي ("صور رجال") وأنماط الرسم. هناك العديد من الاختلافات الدقيقة في النمطين. على الرغم من أن المصطلحات تشير إلى التفضيلات الجمالية لكل جنس ، فقد ناقش مؤرخو الفن الياباني منذ فترة طويلة المعنى الفعلي لهذه المصطلحات ، ولا تزال غير واضحة. ولعل أكثر ما يمكن ملاحظته هو الاختلافات في الموضوع. أونا إي، يجسدها حكاية جينجي handcroll ، وعادة ما يتعامل مع حياة المحكمة والرومانسية في حين أوتوكو إي، غالبًا ما تتعامل مع الأحداث التاريخية أو شبه الأسطورية ، خاصة المعارك.

فترة كاماكورا (1185 - 1333) عدل

استمرت هذه الأنواع خلال فترة كاماكورا في اليابان. تجسد هذا الأسلوب الفني بشكل كبير في اللوحة التي تحمل عنوان "Night Attack on the Sanjo Palace" لأنها كانت مليئة بالألوان المتذبذبة والتفاصيل والتصور الرائع من رواية بعنوان "Heiji Monogatari". E- ماكي من أنواع مختلفة استمر إنتاجها ، إلا أن فترة كاماكورا كانت تتميز بقوة أكبر بفن النحت بدلاً من الرسم. امتدت فترة كاماكورا من نهاية القرن الثاني عشر حتى القرن الرابع عشر. لقد كان وقتًا للأعمال الفنية ، مثل اللوحات ، ولكن بشكل أساسي كانت المنحوتات التي جلبت رؤية أكثر واقعية للحياة وجوانبها في ذلك الوقت. في كل من هذه التماثيل ، تم دمج العديد من السمات الشبيهة بالحياة في إنتاجها. تضمنت العديد من المنحوتات أنوفًا وعينين وأصابعًا منفردة وتفاصيل أخرى كانت جديدة على مكان النحت في الفن.

نظرًا لأن معظم اللوحات في فترتي Heian و Kamakura ذات طبيعة دينية ، فإن الغالبية العظمى منها لفنانين مجهولين. ولكن هناك فنان واحد معروف بكماله في أسلوب الفن الجديد في فترة كاماكورا. كان اسمه Unkei ، وفي النهاية أتقن هذا الشكل من فن النحت وافتتح مدرسته الخاصة المسماة Kei School. مع مرور الوقت مع هذا العصر ، "كان هناك إحياء للأنماط الكلاسيكية السابقة ، واستيراد أنماط جديدة من القارة ، وفي النصف الثاني من هذه الفترة ، تم تطوير أنماط يابانية شرقية فريدة تتمحور حول عصر كاماكورا".

فترة موروماتشي (1333-1573) تحرير

خلال القرن الرابع عشر ، كان لتطوير أديرة زن العظيمة في كاماكورا وكيوتو تأثير كبير على الفنون البصرية. سويبوكوجا أسلوب أحادي اللون متقشف للرسم بالحبر تم تقديمه من سلالة مينغ في الصين لأساليب غسل الحبر في سونغ ويوان ، وخاصةً Muqi (牧 谿) ، استبدل إلى حد كبير لوحات التمرير متعددة الألوان لفن الزن المبكر في اليابان المرتبطة بمعايير الأيقونات البوذية من قرون سابقة مثل مثل Takuma Eiga (宅 磨 栄 賀). على الرغم من الموجة الثقافية الصينية الجديدة التي ولّدتها ثقافة هيجاشياما ، ظلت بعض الصور متعددة الألوان - أساسية في شكل تشينسو لوحات لرهبان الزن. [5] [6]

اصطياد سمك السلور مع القرع (تقع في Taizō-in ، Myōshin-ji ، كيوتو) ، بواسطة الكاهن الرسام Josetsu ، تمثل نقطة تحول في لوحة Muromachi. في المقدمة ، يظهر رجل على ضفة مجرى مائي يحمل يقطينة صغيرة وينظر إلى سمكة قرموط كبيرة. يملأ الضباب الوسط ، والخلفية ، تبدو الجبال بعيدة في المسافة. يُفترض عمومًا أن "النمط الجديد" للوحة ، المنفذ حوالي عام 1413 ، يشير إلى إحساس صيني أكثر بالمساحة العميقة داخل مستوى الصورة.

بحلول نهاية القرن الرابع عشر ، كانت لوحات المناظر الطبيعية أحادية اللون (山水画 سانسويجا) وجد رعاية من قبل عائلة Ashikaga الحاكمة وكان النوع المفضل بين رسامي Zen ، وتطور تدريجياً من جذوره الصينية إلى أسلوب ياباني أكثر. كان هناك تطور آخر في رسم المناظر الطبيعية وهو لفيفة صور القصيدة ، والمعروفة باسم shigajiku.

أهم الفنانين في فترة موروماتشي هم الرسامون الكاهن شوبون وسيشو. Shūbun ، راهب في معبد كيوتو Shōkoku-ji ، تم إنشاؤه في اللوحة القراءة في بستان بامبو (1446) مشهد واقعي مع ركود عميق في الفضاء. كان Sesshū ، على عكس معظم الفنانين في تلك الفترة ، قادرًا على السفر إلى الصين ودراسة الرسم الصيني من مصدره. منظر طبيعي للفصول الأربعة (سانسوي تشوكان ج. 1486) هو أحد أكثر أعمال Sesshu إنجازًا ، حيث يصور منظرًا طبيعيًا مستمرًا خلال الفصول الأربعة.

في أواخر فترة موروماتشي ، انتقل الرسم بالحبر من أديرة الزن إلى عالم الفن بشكل عام ، حيث تبنى فنانون من مدرسة Kanō ومدرسة Ami (ja: 阿 弥 派) الأسلوب والموضوعات ، ولكن تم تقديم المزيد من البلاستيك و تأثير زخرفي سيستمر في العصر الحديث.

من بين الفنانين المهمين في فترة Muromachi اليابان:

فترة Azuchi – Momoyama (1573–1615) تحرير

في تناقض حاد مع فترة موروماتشي السابقة ، تميزت فترة أزوتشي-موموياما بأسلوب متعدد الألوان فخم ، مع الاستخدام المكثف لرقائق الذهب والفضة التي من شأنها [7] تطبيقها على اللوحات ، والملابس ، والهندسة المعمارية ، وما إلى ذلك ، ومن خلال الأعمال على على نطاق واسع جدا. [8] على النقيض من الأسلوب الفخم الذي يعرفه الكثيرون ، دعمت النخبة العسكرية البساطة الريفية ، خاصة في شكل [9] حفل الشاي حيث سيستخدمون أواني مجوية وغير كاملة في بيئة مماثلة. بدأت هذه الفترة في توحيد القادة "المتحاربين" في ظل حكومة مركزية. غالبًا ما يُعتقد أن التاريخ الأولي لهذه الفترة هو 1568 عندما دخل نوبوناغا كيوتو أو 1573 عندما تمت إزالة آخر أشيكاغا شوغون من كيوتو. اكتسبت مدرسة Kanō ، التي رعاها Oda Nobunaga و Toyotomi Hideyoshi و Tokugawa Ieyasu وأتباعهم ، حجمًا ومكانة هائلة. طور Kanō Eitoku صيغة لإنشاء مناظر طبيعية ضخمة على الأبواب المنزلقة التي تحيط بالغرفة. تم تكليف هذه الشاشات الضخمة واللوحات الجدارية بتزيين قلاع وقصور النبلاء العسكريين. وعلى وجه الخصوص ، كان لدى نوبوناغا قلعة ضخمة تم بناؤها بين عامي 1576 و 1579 والتي أثبتت أنها واحدة من أكبر التحديات الفنية التي واجهها كانو إيتوكو. قام خليفته ، Toyotomi Hideyoshi ، ببناء العديد من القلاع خلال هذه الفترة. كانت هذه القلاع من أهم الأعمال الفنية عندما يتعلق الأمر بالتجربة في هذه الفترة. تمثل هذه القلاع قوة وثقة القادة والمحاربين في العصر الجديد. [10] استمرت هذه الحالة في فترة إيدو اللاحقة ، حيث واصل توكوغاوا باكوفو الترويج لأعمال مدرسة كانو باعتبارها الفن المعتمد رسميًا لشوغون ، وديميوس ، والمحكمة الإمبراطورية.

ومع ذلك ، كان هناك فنانون وتيارات من غير مدارس كانو موجودة وتطورت خلال فترة أزوتشي-موموياما أيضًا ، لتكييف الموضوعات الصينية مع المواد والجماليات اليابانية. كانت إحدى المجموعات المهمة هي مدرسة توسا ، التي تطورت بشكل أساسي من تقليد ياماتو إي ، والتي كانت معروفة في الغالب بالأعمال الصغيرة الحجم والرسوم التوضيحية للكلاسيكيات الأدبية في شكل كتاب أو إيماكي.

من بين الفنانين المهمين في فترة Azuchi-Momoyama ما يلي:

فترة إيدو (١٦٠٣-١٨٦٨) تحرير

يُظهر العديد من مؤرخي الفن فترة إيدو باعتبارها استمرارًا لفترة أزوتشي موموياما. بالتأكيد ، خلال فترة إيدو المبكرة ، استمرت العديد من الاتجاهات السابقة في الرسم في الانتشار ، ولكن ظهر أيضًا عدد من الاتجاهات الجديدة.

كانت مدرسة Rinpa إحدى المدارس المهمة جدًا التي نشأت في أوائل فترة Edo ، والتي استخدمت الموضوعات الكلاسيكية ، لكنها قدمتها بتنسيق جريء وزخرفي فاخر. طور Sōtatsu على وجه الخصوص أسلوبًا زخرفيًا من خلال إعادة إنشاء موضوعات من الأدب الكلاسيكي ، باستخدام أشكال وزخارف ملونة ببراعة من العالم الطبيعي على خلفيات أوراق الذهب. بعد قرن من الزمان ، أعاد كورين صياغة أسلوب Sōtatsu وأبدع أعمالًا رائعة بصريًا بشكل فريد.

نوع آخر مهم بدأ خلال فترة أزوتشي-موموياما ، لكنه وصل إلى تطوره الكامل خلال فترة إيدو المبكرة هو نامبان الفن ، سواء في تصوير الأجانب الغريبين أو في استخدام الأسلوب الأجنبي الغريب في الرسم. تمحور هذا النوع حول ميناء ناغازاكي ، والذي كان بعد بدء سياسة العزلة الوطنية لشوغون توكوغاوا هو الميناء الياباني الوحيد الذي ترك مفتوحًا للتجارة الخارجية ، وبالتالي كان القناة التي من خلالها جاءت التأثيرات الفنية الصينية والأوروبية إلى اليابان. تشمل اللوحات في هذا النوع لوحات مدرسة Nagasaki ، وكذلك مدرسة Maruyama-Shijo ، التي تجمع بين التأثيرات الصينية والغربية مع العناصر اليابانية التقليدية.

الاتجاه الثالث المهم في فترة إيدو كان صعود بونجينجا (الرسم الأدبي) ، المعروف أيضًا باسم مدرسة نانجا (مدرسة الرسم الجنوبية). بدأ هذا النوع كتقليد لأعمال الرسامين الصينيين الباحثين الهواة من سلالة يوان ، الذين وصلت أعمالهم وتقنياتهم إلى اليابان في منتصف القرن الثامن عشر. كان المعلم Kuwayama Gyokushū أعظم مؤيد لإنشاء بنجين نمط. لقد افترض أن المناظر الطبيعية متعددة الألوان يجب النظر إليها على نفس المستوى من اللوحات أحادية اللون من قبل الأدباء الصينيين. علاوة على ذلك ، قام بتضمين بعض الفنانين التقليديين اليابانيين ، مثل Tawaraya Sōtatsu و Ogata Kōrin من مجموعة Rinpa ، من بين ممثلي نانغا الرئيسيين. [11] لاحقًا بونجينغا قام الفنانون بتعديل تقنيات وموضوع هذا النوع بشكل كبير لخلق مزيج من الأنماط اليابانية والصينية. ومن الأمثلة على هذا الأسلوب Ike no Taiga و Uragami Gyokudō و Yosa Buson و Tanomura Chikuden و Tani Bunchō و Yamamoto Baiitsu.

نظرًا لسياسات توكوغاوا شوغن للتقشف المالي والاجتماعي ، كانت الأنماط الفاخرة لهذا النوع والأساليب محدودة إلى حد كبير بالطبقات العليا من المجتمع ، ولم تكن متاحة ، إن لم تكن ممنوعة بالفعل على الطبقات الدنيا. طور عامة الناس نوعًا منفصلاً من الفن ، وهو فوزوكوجا (風俗 画 ، فن النوع) ، وفيه رسم يصور مشاهد من الحياة اليومية المشتركة ، وخاصة تلك الخاصة بعامة الناس ، كابوكي المسرح والبغايا والمناظر الطبيعية كانت شائعة. أدت هذه اللوحات في القرن السادس عشر إلى ظهور اللوحات والمطبوعات الخشبية لأوكييو-إي.

من الفنانين المهمين في فترة إيدو ما يلي:

    (1559–1663) (1602–1674) (توفي 1643) (1617–1691) (1658-1716) (1677–1751) (1697–1752) (1704–1758) (1716–1783) (1716–1800) ( 1723–1776) (1725–1770) (1730–1781) (1733–1795) (1744–1820) (1745–1820) (1752–1811) (1760–1849) (1763–1840) (1777–1835) ) (1782–1846) (1783–1856) (1793–1841) (1797–1858) (1807–1891) (1836–1924) (يوهي) (1712–1772)

فترة ما قبل الحرب (1868–1945)

تميزت فترة ما قبل الحرب بتقسيم الفن إلى أنماط أوروبية متنافسة وأساليب تقليدية محلية.

خلال فترة ميجي ، خضعت اليابان لتغيير سياسي واجتماعي هائل في سياق حملة الأوروبة والتحديث التي نظمتها حكومة ميجي. الرسم على النمط الغربي (يوجا) تمت ترقيته رسميًا من قبل الحكومة ، التي أرسلت فنانين شبابًا واعدًا إلى الخارج للدراسة ، واستعانت بفنانين أجانب للحضور إلى اليابان لإنشاء منهج فني في المدارس اليابانية.

ومع ذلك ، بعد اندلاع الحماس الأولي للفن ذي النمط الغربي ، تأرجح البندول في الاتجاه المعاكس ، بقيادة الناقد الفني أوكاكورا كاكوزو والمعلم إرنست فينولوسا ، كان هناك إحياء لتقدير الأساليب اليابانية التقليدية (نيهونغا). في ثمانينيات القرن التاسع عشر ، تم حظر الفن الغربي من المعارض الرسمية وانتقد بشدة من قبل النقاد. بدعم من Okakura و Fenollosa ، قام نيهونجا تطور النمط بتأثيرات من حركة ما قبل الرفائيلية الأوروبية والرومانسية الأوروبية.

شكل رسامو أسلوب يوجا ميجي بيجوتسوكاي (جمعية ميجي للفنون الجميلة) لإقامة معارضها الخاصة وتعزيز الاهتمام المتجدد بالفن الغربي.

في عام 1907 ، مع إنشاء بنتين تحت رعاية وزارة التربية والتعليم ، وجدت كلتا المجموعتين المتنافستين اعترافًا وتعايشًا متبادلين ، وحتى بدأت العملية نحو التوليف المتبادل.

شهدت فترة تايشو هيمنة يوجا على نيهونجا. بعد إقامة طويلة في أوروبا ، عاد العديد من الفنانين (بما في ذلك أريشيما إيكوما) إلى اليابان في عهد يوشيهيتو ، حاملين معهم تقنيات الانطباعية وما بعد الانطباعية المبكرة. أثرت أعمال كميل بيسارو وبول سيزان وبيير أوغست رينوار على لوحات فترة تايشو المبكرة. لكن، يوجا كان الفنانون في فترة تايشو يميلون أيضًا إلى الانتقائية ، وكان هناك غزارة في الحركات الفنية المنشقة. وشملت هذه جمعية الفصين (فيوزانكاي) التي أكدت على أنماط ما بعد الانطباعية ، وخاصة Fauvism. في عام 1914 ، أ نيكاكاي ظهرت (جمعية الفرقة الثانية) لمعارضة معرض بنتن الذي ترعاه الحكومة.

كانت اللوحة اليابانية خلال فترة تايشو متأثرة بشكل معتدل بالحركات الأوروبية المعاصرة الأخرى ، مثل الكلاسيكية الجديدة وأواخر ما بعد الانطباعية.

ومع ذلك ، فقد عادت إلى الظهور نيهونجا، نحو منتصف العشرينات من القرن الماضي ، والتي اعتمدت اتجاهات معينة من ما بعد الانطباعية. الجيل الثاني من نيهونجا شكل الفنانون أكاديمية الفنون الجميلة اليابانية (نيهون بيجوتسوين) للتنافس ضد التي ترعاها الحكومة بنتين، وعلى الرغم ياماتو إي ظلت التقاليد قوية ، والاستخدام المتزايد للمنظور الغربي ، وبدأت المفاهيم الغربية للفضاء والضوء في طمس التمييز بينهما نيهونجا و يوجا.

سيطر Sōtar Yasui و Ryūzaburō Umehara على الرسم الياباني في فترة ما قبل الحرب Shōwa ، حيث قدم مفاهيم الفن النقي والرسم التجريدي إلى نيهونجا التقليد ، وبالتالي خلق نسخة أكثر تفسيرية من هذا النوع. تم تطوير هذا الاتجاه من قبل ليونارد فوجيتا وجمعية نيكا ليشمل السريالية. لتعزيز هذه الاتجاهات ، قامت جمعية الفن المستقل (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) في عام 1931.

خلال الحرب العالمية الثانية ، كانت الضوابط والرقابة الحكومية تعني أنه يمكن التعبير عن الموضوعات الوطنية فقط. تم تجنيد العديد من الفنانين في جهود الدعاية الحكومية ، والمراجعة النقدية غير العاطفية لأعمالهم بدأت للتو.

من بين الفنانين المهمين في فترة ما قبل الحرب ما يلي:

    (1863–1899) (1850–1906) (1856–1907) (1828–1888) (1835–1908) (1866–1924) (1874–1959) (1869–1939) (1882–1962) (1882–1911) (1867–1943) (1868–1958) (1874–1911) (1873–1957) (1875–1949) (1885–1977) (1864–1942) (1837–1924) (1873–1930) (1874–1941) (1880–1916) (1879–1936) (1887–1931) (1891–1929) (1885–1927) (1894–1935) (1885–1966) (1887–1936) (1888–1939) (1881–1955) (1883–1967) (1888–1986) (1884–1978) (1883–1957) (1886–1968) (1898–1928) (1898–1972) (1878–1972) (1884–1934)

فترة ما بعد الحرب (1945 حتى الآن)

في فترة ما بعد الحرب ، برعاية الحكومة أكاديمية الفنون اليابانية (نيهون جيجوتسوين) في عام 1947 ، تحتوي على كليهما نيهونجا و يوجا الانقسامات. انتهت الرعاية الحكومية للمعارض الفنية ، ولكن تم استبدالها بالمعارض الخاصة ، مثل نيتن، على نطاق أوسع. على الرغم من أن نيتن كان في البداية معرضًا لأكاديمية الفنون اليابانية ، ومنذ عام 1958 تم إدارته من قبل شركة خاصة منفصلة. المشاركة في نيتن أصبح تقريبًا شرطًا أساسيًا للترشيح لأكاديمية الفنون اليابانية ، والذي يعد بحد ذاته تقريبًا شرطًا أساسيًا غير رسمي للترشيح إلى وسام الثقافة.

كانت فنون إيدو وفترات ما قبل الحرب (1603-1945) مدعومة من قبل التجار وسكان المدن. على عكس فترات إيدو وما قبل الحرب ، أصبحت فنون فترة ما بعد الحرب شائعة. بعد الحرب العالمية الثانية ، ازدهر الرسامون والخطاطين وصناع الطباعة في المدن الكبرى ، ولا سيما طوكيو ، وأصبحوا منشغلين بآليات الحياة الحضرية ، التي انعكست في الأضواء الوامضة ، وألوان النيون ، والوتيرة المحمومة لتجريداتهم. تم احتضان جميع "المذاهب" في عالم الفن بين نيويورك وباريس بشدة. بعد التجريدات في الستينيات ، شهدت السبعينيات عودة إلى الواقعية مع نكهة قوية بحركات "المرجع" و "البوب" الفنية ، التي تجسدت في الثمانينيات في الأعمال المتفجرة لأوشيو شينوهارا. عمل العديد من الفنانين الرائدين البارزين في اليابان وخارجها ، وفازوا بجوائز دولية. شعر هؤلاء الفنانون أنه لا يوجد "شيء ياباني" في أعمالهم ، وبالفعل كانوا ينتمون إلى المدرسة الدولية. بحلول أواخر السبعينيات ، تسبب البحث عن الصفات اليابانية والأسلوب الوطني في قيام العديد من الفنانين بإعادة تقييم أيديولوجيتهم الفنية والابتعاد عما شعر البعض أنه الصيغ الفارغة للغرب. بدأت اللوحات المعاصرة ضمن المصطلح الحديث في الاستخدام الواعي لأشكال الفن الياباني التقليدي والأجهزة والأيديولوجيات. عدد من مونو ها تحول الفنانون إلى الرسم لاستعادة الفروق الدقيقة التقليدية في الترتيبات المكانية وتناغم الألوان والشعر الغنائي.

على الطريقة اليابانية أو نيهونجا يستمر الرسم بطريقة ما قبل الحرب ، مع تحديث التعبيرات التقليدية مع الاحتفاظ بطابعها الجوهري. لا يزال بعض الفنانين في هذا النمط يرسمون على الحرير أو الورق بألوان وحبر تقليدية ، بينما استخدم آخرون مواد جديدة ، مثل الأكريليك.

لا تزال تمارس العديد من المدارس الفنية القديمة ، وعلى الأخص تلك التي كانت في عهد إيدو وفترات ما قبل الحرب. على سبيل المثال ، الطبيعة الزخرفية لـ ريمبا المدرسة ، التي تتميز بألوان زاهية ونقية وغسالات نازفة ، انعكست في أعمال العديد من الفنانين في فترة ما بعد الحرب في الثمانينيات من القرن الماضي في فن هيكوساكا ناويوشي. تمت ممارسة واقعية مدرسة ماروياما أوكيو والأسلوب الخطي والعفوي الياباني لسادة العلماء على نطاق واسع في الثمانينيات. في بعض الأحيان ، تم رسم كل هذه المدارس ، وكذلك المدارس القديمة ، مثل تقاليد الحبر في مدرسة Kanō ، من قبل الفنانين المعاصرين على الطراز الياباني وفي المصطلح الحديث. تم تكريم العديد من الرسامين على الطريقة اليابانية بجوائز وجوائز نتيجة الطلب الشعبي المتجدد على الفن الياباني الذي بدأ في السبعينيات. أكثر فأكثر ، اعتمد الرسامون الدوليون المعاصرون أيضًا على المدارس اليابانية حيث ابتعدوا عن الأساليب الغربية في الثمانينيات. كان الاتجاه هو تجميع الشرق والغرب. كان بعض الفنانين قد قفزوا بالفعل الفجوة بين الاثنين ، كما فعل الرسام البارز شينودا توكو.استلهمت تجريداتها الجريئة من الحبر السومي من الخط التقليدي ولكنها أدركت كتعبيرات غنائية عن التجريد الحديث.

هناك أيضًا عدد من الرسامين المعاصرين في اليابان الذين استوحى عملهم إلى حد كبير من ثقافات الرسوم المتحركة الفرعية والجوانب الأخرى للثقافة الشعبية والشبابية. ربما يكون تاكاشي موراكامي من أشهر هؤلاء الفنانين وأكثرهم شهرة ، إلى جانب الفنانين الآخرين في مجموعة استوديوهات Kaikai Kiki. يركز عمله على التعبير عن قضايا واهتمامات المجتمع الياباني في فترة ما بعد الحرب من خلال أشكال تبدو غير ضارة عادةً. إنه يعتمد بشكل كبير على الأنيمي والأساليب ذات الصلة ، لكنه ينتج اللوحات والمنحوتات في وسائل الإعلام المرتبطة بشكل تقليدي بالفنون الجميلة ، مما يؤدي عمداً إلى طمس الخطوط الفاصلة بين الفن التجاري والشعبي والفنون الجميلة.


التاريخ المثير للدهشة للكيمونو

الكيمونو الذي يربطه العالم باليابان تم إنشاؤه بالفعل في أواخر القرن التاسع عشر كمعرف ثقافي.

الكيمونو ، بالإنجليزية ، يعني & # 8220 ارتداء الشيء. & # 8221 لكن الثوب الذي يربطه الجميع باليابان لم يكن يُطلق عليه دائمًا هذا الاسم. يعد تاريخها الطويل أحد أفضل الأمثلة على كيف تضفي الملابس إحساسًا بالهوية.

وُلد الجد الأول للكيمونو في فترة هييان (794-1192). تم خياطة قطع القماش المستقيمة معًا لإنشاء ثوب يناسب كل أنواع أشكال الجسم. كان من السهل ارتدائه وقابل للتكيف بشكل لا نهائي. بحلول فترة إيدو (1603-1868) ، تطورت إلى ملابس خارجية للجنسين تسمى kosode. المعنى الحرفي & # 8220 أكمام صغيرة ، & # 8221 تميز الكوسود بفتحات أذرع أصغر. فقط من فترة ميجي (1868-1912) فصاعدًا كان يُطلق على الثوب اسم كيمونو. هذا التحول الأخير ، من عصر إيدو إلى اليابان الحديثة ، مذهل.

شاشة من القرن السابع عشر بواسطة إيواسا ماتابي (عبر ويكيميديا ​​كومنز)

في أوائل القرن السابع عشر ، وحدت شركة First Shogun Tokugawa اليابان لتصبح شوغن إقطاعي. إيدو ، التي أعيدت تسميتها بطوكيو في عام 1868 ، أصبحت الآن المدينة الرئيسية في اليابان ورقم 8217. امتدت فترة إيدو الناتجة (وتسمى أيضًا عصر توكوغاوا) لمدة 264 عامًا. تُعرف السنوات من 1603 إلى 1868 بأنها آخر حقبة تقليدية لليابان. تطورت الثقافة اليابانية دون أي تأثير أجنبي تقريبًا خلال هذا الوقت. وكان kosode أحد العناصر الرئيسية لما يعنيه أن تكون يابانيًا.

خلال حقبة إيدو ، كان kosode علامة ثقافية موحدة بشكل واضح. ارتداها كل شخص ياباني ، بغض النظر عن العمر أو الجنس أو الوضع الاجتماعي والاقتصادي. في تلك المناسبات النادرة التي كان فيها شخص ياباني على اتصال بأجانب ، كان أحد الاختلافات الواضحة هو أن الأجانب لا يرتدون الكوسود. لذلك فإن Edo kosode هي نافذة على ثقافة قبل تغيير جذري.

مثل معظم المجتمعات ، كانت فترة إيدو اليابان طبقية. نظرًا لأن الجميع ارتدوا kosode ولم يتغير القطع خلال هذه الفترة ، فقد تم عمل رسائل في الثوب للإعلان عن مرتديه. الأسلوب ، والموضوع ، والنسيج ، والتقنية ، واللون أوضح من أنت. كما كانوا يخضعون في كثير من الأحيان للوائح السخاء. أدى هذا إلى تكوين رابط جوهري بين kosode والفن والتصميم.

نظرًا لأن الطبقات الفقيرة كانت ترتدي ملابسهم إلى الخرق ، لم يبق أي من الكودات الخاصة بهم سليمة. لكن المستويات الاجتماعية والاقتصادية الأعلى في المجتمع كانت قادرة على تخزين والحفاظ على مستوياتهم ، والتكليف بمستويات جديدة. ومثل الأشكال الفنية الأخرى - بما في ذلك الرسم والشعر والسيراميك والورنيش - التزم kosode بالقواعد الجمالية.

ربما كان أهم قانون هو استخدام الصريح للإشارة إلى الضمني. تلاحظ نعومي نوبل ريتشارد أن زهر الكرز لم يكن مجرد تصميم جميل بل إنه يرمز إلى الجمال الأنثوي الفاني ، لذلك يمكننا أن نتوقع رؤيته على ثوب نسائي ، وليس على رجل. أكثر من ذلك ، كانت المرأة الأنيقة ترتديه في الصيف لقضاء وقت الفراغ وليس للعمل. كان هذا صحيحًا بالنسبة لمعظم أنماط الأزهار.

كانت جودة النسيج ، واختيار النمط ، والخيط ، والطلاء ، وطباعة القوالب الخشبية ، واللون معايير أساسية لتقديم رتبة ، وعمر ، وجنس ، وصقل الشخص الذي تم لفه فيه. والصقل كان ذا أهمية خاصة. أظهر استخدام الكانجي (الأحرف الصينية) ومشاهد من الأدب الكلاسيكي الصيني والياباني براعة أدبية. يشرح ريتشارد أن العجلة الخشبية ، على سبيل المثال ، سوف تستحضر حكاية جينجي، أو حتى التلميح إلى مشهد في مسرحية Nō (تمت دعوة الأرستقراطيين المختارين فقط لمشاهدة مسرحيات Nō).

كان هناك الكثير من التعقيدات المتضمنة في kosode الحديثة المبكرة لدرجة أن كتب التصميم كانت ضرورية. استشار الجميع كتب Hinagata bon (كتب التصميم / الأنماط) - من العميل المكلف إلى أصحاب محلات المنسوجات إلى المصممين.

أول هدية Hinagata التي نعرفها من 1666 ويسمى شينسن أو هيناغاتا (مجموعة جديدة من الأنماط المحترمة). كتب هيناجاتا بون أن أكثر الفنانين احترامًا في ذلك العصر ، فناني أوكييو إي (العالم العائم) ، يؤكد كيف أن الكوسود كانت أعمالًا فنية فعلية.

كان كل ثوب فردي هو البيانات الحيوية لمن يرتديه. وبنفس الطريقة ، فإن Edo kosode و Hinagata bon هما البيانات الحيوية لعصر ما. من خلال ارتداء الفن ، ترك لنا اليابانيون الحديثون الأوائل نظرة رائعة على عالمهم وما يعنيه أن تكون يابانيًا قبل التأثير الأجنبي.

وهو ما يفسر كيف يجسد الكيمونو كملابس الكثير حول معنى أن تكون يابانيًا. ولماذا أصبحت مهمة جدًا لليابان ما بعد إيدو. أبقى kosode-cum-kimono جزءًا من اليابان التقليدية على قيد الحياة في وقت التحديث السريع والنفوذ الأجنبي. أعادت فترة ميجي تسميتها ببساطة إلى & # 8220 ارتداء الشيء. & # 8221 وشجعوا النساء على وجه الخصوص على ارتدائه. لوضع ذلك في السياق ، في الوقت نفسه ، شجع قانون ميجي الرجال على ارتداء الملابس الغربية ، وطالب بها المسؤولين الحكوميين والعسكريين في المناسبات الرسمية.

لذلك بينما كانت اليابان تمر بتغيير جذري على مستويات متعددة خلال فترة ميجي ، كانت النساء اليابانيات اللواتي يرتدين الكيمونو صورة بصرية مطمئنة. أصبح الكيمونو رابطًا واضحًا وصامتًا بين المرأة والأم والحامية الثقافية. حتى اليوم ، يعد الكيمونو تذكيرًا بالثقافة الأساسية لليابان كما كانت قبل تغييرها الأساسي.


تشكلت ظواهر تاريخية لا حصر لها واختفت مع مرور الوقت ، ولكن تم تدوين بعضها فقط. نسمي ldquo و السابقريكيو rdquo و ldquo و الأخيرشي. & rdquo على الرغم من وجود النساء و rsquos الذي لا جدال فيه و ldquoريكي& rdquo في التاريخ الطويل للأرخبيل الياباني ، نادرًا ما تظهر في & ldquoشي. & rdquo ومع ذلك ، أثار الباحثون في تاريخ النساء و rsquos الأسئلة الجديدة التالية من خلال جهودهم لتسليط الضوء على الشخصيات النسائية. & ldquo لماذا توصلنا إلى التمييز بين الذكر والأنثى؟ عنى وكيف تحول خلال التاريخ الطويل للمجتمع الياباني.

من خلال التركيز على مساحة شؤون الدولة والسياسة ، يبحث هذا المعرض أولاً في ظهور الانقسامات بين الجنسين. تطور المجتمع الياباني الكلاسيكي جنبًا إلى جنب مع تشكيل ritsuryō الدولة ، بتقسيم مكوناتها إلى & ldquomale & rdquo و & ldquof female & rdquo وبالتالي تعيينهم في الأدوار المحددة لكل من الجنسين. في العصور الوسطى وأوائل العصور الحديثة ، كانت الأسر الفردية (بمعنى آخر) للعمل كمساحة سياسية. بعد ذلك ، مع قيام الدولة القومية الحديثة ، تم استبعاد المرأة تمامًا من شؤون الحكومة. الآن ، نحن نعيش في مجتمع ياباني معاصر ظهر بعد كل تلك التغييرات. دع & rsquos يستكشفان كيف كانت هذه العملية معًا.

بالإضافة إلى ذلك ، يسلط هذا المعرض الضوء على النساء والرجال في عملهم وحياتهم. من خلال التحقيق في العناصر المحفورة مثل الألواح الخشبية الكلاسيكية والأشكال الفخارية من المقابر المكسوة ، يمكننا الكشف عن معلومات غير معروفة حتى الآن عن النساء والرجال وظروف العمل الفعلية في اليابان الكلاسيكية. هنا ، من خلال التحقيق في جوانب مختلفة من العمل - مثل زراعة الأرز في اليابان في العصور الوسطى وأوائل العصر الحديث ، ووظائف تصفيف الشعر ، والأنشطة الحرفية - سنأتي لنرى متى وكيف طورنا صورنا حول مهن الذكور والإناث.

علاوة على ذلك ، من خلال التركيز على تجارة الجنس من العصور الوسطى إلى فترة ما بعد الحرب ، نستكشف تاريخ النشاط الجنسي ، الذي تأثر بشكل كبير بالخصائص الجنسية والاجتماعية لكل فترة. على الرغم من أن الناس يقولون إن الدعارة هي أقدم مهنة للمرأة ، فهل هذا صحيح حقًا؟ أثناء تقديم مذكرات ورسائل لنساء عشن كبغايا ، يساعدك هذا المعرض على زيارة تاريخ النشاط الجنسي في اليابان ، والذي يعكس بشكل كبير الانقسام بين الجنسين ووضع الذكور والإناث.

الجنس - لقد شكلنا به دون وعي. تاريخ الجنس ، الذي له تأثير كبير علينا ، مليء بالدهشة والاكتشاف. يهدف هذا المعرض الخاص ، & ldquoGender in Japanese History ، & rdquo إلى تقديم عناصر مثيرة للتاريخ مع إتاحة الفرصة للزوار للبحث عن طريقة لتطوير مجتمع يمكن للجميع أن يعيش فيه بحرية دون قيود على أساس الجنس.

يسلط الضوء على المعرض

* لماذا نصنع فرق ذكور - اناث?
هذا هو المعرض الأول الذي يشرح كيف نشأت وتطور وتغيرت ldquogender & rdquo في التاريخ الياباني.

* Kabutozuka Tumulus ― شخصيات طينية نادرة لا مثيل لها!
سنعرض ما يلي!: واحد من اثنين من مجسمات النسج المصنوعة من الطين المصنّفة كممتلكات ثقافية مهمة ، وهي العناصر الوحيدة من هذا القبيل التي تم اكتشافها في اليابان وصور ثلاثية الأبعاد لـ & ldquoFigure of a Female Weaver. & rdquo

* عرض عناصر رائعة لأول مرة! جنبًا إلى جنب مع لوحة تاكاهاشي يويتشي ورسكووس 《Oiran المصنفة كممتلكات ثقافية مهمة ، سنعرض مذكرات عاهرة ورسكووس ورسائل مكتوبة بخط اليد من قبل Koina و Matsugae ، البغايا المشهورات في بيت الدعارة Inamoto في أحياء Yoshiwara الجديدة. خزانات الملابس والأدوات والخطابات والمذكرات - تخبرنا هذه العناصر عن سبل عيش البغايا وعملائهم الذكور. يعد هذا المعرض رائدًا في الطريقة التي يكشف بها عن هيكل قمع تجارة الجنس من خلال فحص الخصائص الاجتماعية.

* سنقدم ثلاثة عناصر بما في ذلك تسجيل فيديو Yamamoto Sakuhei & rsquos 《دخول منجم (الأم والطفل) ، وهو أول عنصر ياباني مدرج في سجل اليونسكو و ldquo ذاكرة العالم & rdquo!

* في العصور القديمة ، كانت السادات والمسؤولات من النساء هي القاعدة ، ولكن في ظل نظام ميجي الدستوري ، أصبحت النساء مستبعدات تمامًا من هذه المجالات. الآن ، ماذا نراه في اليابان الحالية؟ في هذا المعرض سنكشف عن تاريخ السياسة والجندر مع إيلاء اهتمام خاص للفضاء.

النوع الاجتماعي في المجتمع الياباني الكلاسيكي

في المجتمع الياباني السابق عندما كانت الانقسامات بين الذكور والإناث غامضة ، كان الناس يعملون في مجموعات ، ويقدمون السلع كجزية ، ويشاركون في طقوس المجتمع. تولى الرجال والنساء أدوارًا قيادية على مستويات مختلفة من المجتمع ، من زعيم مركزي إلى أصحاب نفوذ محليين. بعد ذلك ، يجب أن نتساءل كيف ومتى تم التعبير عن أدوار الذكور والإناث. من خلال تحليل المساحات السياسية والمجتمعات المحلية. دعونا نستكشف الطريقة التي يتعاون بها الرجال والنساء ونرى العملية التي يتم من خلالها إضفاء الطابع المؤسسي بشكل متزايد على التقسيمات الجنسانية.

الممتلكات الثقافية الهامة
شكل طيني لحائك أنثى جالسة
تم التنقيب عنه في منطقة كابوتوزوكا تومولوس بمحافظة توتشيغي
أواخر القرن السادس
مملوكة لمجلس مدينة شيموتسوكي التعليمي

الممتلكات الثقافية الهامة
جرة Ihokibe no Tokotarihime السينيراري
710 (وادي 3)
مملوكة لمتحف طوكيو الوطني
الصورة: أرشيفات صور TNM

محفوظات Shōsōin
تايهو 2 مقاطعة مينو مقاطعة كامو سجل وحدة سكن هافوري (استنساخ)
710 (Taihō 2)
مملوكة للمتحف الوطني للتاريخ الياباني

السياسة والجنس في اليابان في العصور الوسطى

كانت الحاضرات (نيوبو) من النساء الأرستقراطيات اللائي خدمن عن كثب أحد السيادة وأفراد أسرته المباشرين وعائلات أرستقراطية رفيعة المستوى. في Heian Japan ، كان هناك ميل إلى أن يكون لديك وجهة نظر سلبية تجاه العمل كنيوبو. ومع ذلك ، فقد تغير هذا الاتجاه في أواخر فترة هييان وما بعدها عندما أصبحت السلطة الحاكمة والسلطة مشتركة بين مختلف المؤسسات والمجموعات الفردية بما في ذلك صاحب السيادة وأفراد أسرته المباشرين. إلى جانب هذا التغيير ، أصبحت خدمة nyobo مشابهة لخدمة رجال الحاشية الذكور ، كإحدى الطرق لتعزيز الوضع السياسي والقاعدة الاقتصادية لأسرهم. على وجه التحديد من فترة كاماكورا ، تم دمج آلية "نقل الرسائل والأوامر الملكية" من قبل الحاضرات هيكليًا في نظام الانتداب في ذلك الوقت ، مثل النظام الذي يسيطر عليه الحاكم المتقاعد الأعلى أو الذي يشرف عليه الملك. في فترتي Muromachi و Sengoku ، تم استخدام رسائل nyobo hosho التي كتبتها حاضرات لنقل رغبات الملك ، بشكل متكرر كوثائق رسمية.

أهم الممتلكات الثقافية أرشيف دير كوزان
رسالة ميناموتو نو يوشيتسون
اليوم الثامن والعشرون من الشهر السادس عام 1185 (Genryaku 2)
مملوكة للمتحف الوطني للتاريخ الياباني

الأسرة والدين في العصور الوسطى

في اليابان في العصور الوسطى ، تم تشكيل "الأسر" الأبوية (أي) بغض النظر عن الحالة الاجتماعية أو الطبقة. في هذه الأثناء ، أصبحت العلاقة بين الزوجين وأدوار الزوجة أراملًا مهمًا للغاية واعترف بها المجتمع كممثلين للأسرة ، الذين حزنوا على أزواجهم واحتفظوا بالسلطة على الأطفال. بينما واجهوا قيودًا تدريجية ، سُمح للنساء اليابانيات في العصور الوسطى بامتلاك وإدارة الممتلكات. من خلال التحليلات الدقيقة للمصادر الأولية المكتوبة والمرئية ، يكشف هذا المعرض كيف أن النساء ذوات السلطة الاقتصادية في مجتمع العصور الوسطى غير المستقر مع التأثيرات الدينية القوية تحملن مسؤوليات في إدارة الطقوس البوذية لأسرهن ، وتعميق تفانيهن ، ومتابعة الأنشطة الدينية بشكل مستقل.

ممتلكات ثقافية مخصصة لمدينة شيزوكا
رسالة الختم الأحمر من نون جوكي
1528 (Kyōroku 1) / 10/18
مملوكة لمدينة شيزوكا

الممتلكات الثقافية الهامة
جيزو بوساتسو (بوديساتفا) تمثال قائم
1334 (كينمو 1)
مملوكة للمتحف الوطني للتاريخ الياباني

الممتلكات الثقافية الهامة
الأشياء الموضوعة في تمثال جيزو بوساتسو (بوديساتفا) الواقف (صلاة التفاني ، الأظافر ، الشعر)
1334 (كينمو 1)
مملوكة للمتحف الوطني للتاريخ الياباني

الممتلكات الثقافية الهامة
أشياء موضوعة في تمثال جيزو بوساتسو (بوديساتفا) القائم (صورة بوذا المطبوعة)
1334 (كينمو 1)
مملوكة للمتحف الوطني للتاريخ الياباني

النوع الاجتماعي في العمل والحياة - من العصور الوسطى إلى العصور الحديثة المبكرة -

يختلف فهمنا لتقسيم العمل بين الرجل والمرأة اختلافًا كبيرًا حسب الفترة الزمنية والمجتمع. في اليابان في العصور الوسطى ، على سبيل المثال ، عملت العديد من النساء وطورن حياتهن المهنية كصاحبات أعمال في المجالات التجارية والصناعية. على هذا النحو ، فقد حصلوا على مستوى معين من الاعتراف الاجتماعي. ومع ذلك ، في وقت مبكر من العصر الحديث ، لم يعد يُنظر إلى النساء على أنهن محترفات كامل الأهلية ، حيث تمت إعادة هيكلة المجتمع لدمج المزيد من القواعد والأفكار التي تركز على الذكور. من خلال المقارنات مع الأوضاع الأخرى في شرق آسيا ، مثل مناطق في القارة الصينية وفي المناطق الشمالية من الأرخبيل الياباني ، نظهر وجود تنوع كبير بين الجنسين في تقسيم العمل. من خلال التركيز على هذا التنوع التاريخي والإقليمي ، نهدف إلى النظر في "معرفتنا المشتركة" من وجهة نظر نسبية.

دونجا (رداء النوم من القماش القديم المرقع متعدد الطبقات)
القرنين التاسع عشر والعشرين
متحف Amuse ، مجموعة Tanaka Chūzaburō

مشاهد شهيرة لهيجاشياما (اللوحة الثانية للشاشة القابلة للطي) (جزئي)
آخر القرن السادس عشر
مملوكة للمتحف الوطني للتاريخ الياباني

تصفيف الشعر
تصوير ف. بيتو
1863 (بونكي 3)
مملوكة لمكتبة جامعة ناجازاكي

تصفيف الشعر للنساء والرسكووس
تصوير ف. بيتو
1863 (بونكي 3)
مملوكة لمكتبة جامعة ناجازاكي

من الفصل إلى الإقصاء - فضاءات سياسية وتحول الجندر في العصور الحديثة والحديثة -

في الفضاء السياسي لقلعة Eda ومساكن أمراء المجال (daimyo) ، كان يُعتقد أن النساء قد تم الاحتفاظ بهن في الخلفية استنادًا إلى الفروق الحديثة المبكرة بين "المزخرفة و oku" (الجزء الأمامي والخلفي) أو "العامة والخاصة. ومع ذلك ، فقد كشفت دراسة حديثة أن هيكل القلعة لم يتألف فقط من منطقة عامة باتجاه الأمام كانت بمثابة مساحة احتفالية ، ولكن أيضًا من منطقة خاصة باتجاه الخلف كانت في نفس الوقت المكان الذي توجد فيه الشؤون الإدارية اليومية للقلعة. تم تنفيذ شوغون أو سيد المجال وحيث تعيش الزوجات والنساء في القصر ويعمل الموظفون الذكور. تسلط هذه الدراسات الجديدة الضوء على الوظائف السياسية لزوجات الشوغون أو سيد المجال ، وكذلك نساء القصر. في العصر الحديث ، رفض نظام دستور ميجي هذه الوظيفة السياسية التي تؤديها المرأة كجزء من هيكل هذا النوع من الأسرة ، مما أدى إلى طرد المرأة من الفضاء السياسي.

بأكمام قصيرة كيمونومع نمط من أشجار الصنوبر والكروم والأسود وتيارات المياه
فترة إيدو اللاحقة
مملوكة للمتحف الوطني للتاريخ الياباني

خريطة مصورة لمجمع وسترن كاسل
(أرشيف عائلة سوزوكي التي تشرف على مجموعة البناء والإصلاح)
1852 (كايي 5)
مملوكة للمتحف الوطني للتاريخ الياباني

محضر الهيئة التداولية الثالثة لمجلس الملكة الخاص
1889 (ميجي 22)
مملوكة للمتحف الوطني للتاريخ الياباني

تجارة الجنس والمجتمع

تتشكل تجارة الجنس بشكل أساسي من خلال الخصائص الجنسانية والاجتماعية لكل عصر. في حين أن الدعارة لم تتطور أبدًا كمهنة مهنية في اليابان القديمة ، فقد أصبحت مهنة منزلية خلال فترة القرون الوسطى ، حيث شكلت البغايا عائلات أمومية وفرقًا مهنية تقدم الترفيه والخدمات الجنسية. في وقت مبكر من العصر الحديث ، وافق الشوغن رسميًا على نظام يقوم بموجبه أصحاب بيوت الدعارة ، الذين تم الاعتراف بهم كمجموعة ، بإجبار النساء اللائي حصلوا عليهن من خلال الاتجار على الدعارة. في اليابان الحديثة ، تغلغل نظام الدعارة القمعي اقتصاديًا في المجتمع. وبحجة "بيع النفس" ، أجبر هذا النظام النساء على ممارسة الدعارة تحت سيطرة الحكومة. من خلال تحليل كل من أصوات البغايا وأوضاع الرجال الذين اشتروا خدماتهم ، يستكشف هذا القسم العلاقة بين تجارة الجنس والمجتمع.

لفائف الصور للحرفيين والحرفيين الحديثين الأوائل ج
حجم أقل (جزئي)
اللوحات: كواغاتا كيساي
النصوص: سانتو كيودن
خلال عصر بونكا
مملوكة لمتحف طوكيو الوطني

الممتلكات الثقافية الهامة
& ldquoBeauty (Oiran) ، & rdquo لوحة زيتية بواسطة تاكاهاشي يويتشي
1872 (ميجي 5)
مملوكة لجامعة طوكيو للفنون

رسالة من عاهرة بيت الدعارة إيناموتو ، كوينا الثالثة
1863 (بونكي) 3
يملكها أرشيف مدينة سوزاكا

Oboechō، مذكرات عاهرة ساكوراجي ورسكووس (أوميموتوكي المجلد. 3 ، مجموعة Kanō)
1846 (كوكا 3)
مملوكة لمكتبة جامعة توهوكو

الإمدادات اليومية (أدوات الغسيل) للبغايا في بيت الدعارة Kiyosadarō (في مدينة rsquos Yōkaichi في محافظة Shiga)
فترات تايشو-شووا
مملوكة لمتحف أوساكا لحقوق الإنسان

النوع الاجتماعي في الحياة اليومية والعمل - من اليابان الحديثة إلى المعاصرة -

ما نوع الصور الشخصية التي نربطها بكلمات مثل "عامل" أو "سياسي" أو "بيروقراطي" أو "خبير"؟ في المجتمع الياباني قبل الحرب ، كانت هذه الأدوار مقصورة على الرجال ، وتم وضع حاجز بين الجنسين حتى في الامتحانات المؤهلة. من منظور النوع الاجتماعي ، العصر الحديث هو عصر تم فيه استبعاد المرأة من أماكن مختلفة وجعلها غير مرئية على الرغم من الفرص المتاحة. في هذه الطائفة ، نعيد النظر من داخل النظام الحديث في العلاقة بين المهنة والعمل مع دراسة كيف طُلب من المرأة إظهار "الأنوثة" حتى في المهن المتخصصة.

دخول منجم (الأم والطفل) - اليونسكو و ldquo ذاكرة العالم و rdquo (تسجيل فيديو Yamamoto Sakuhei & rsquos)
حوالي عام 1899 (ميجي 32)
مملوكة لمتحف تاغاوا سيتي للفحم والتاريخ ونسخة عائلة ياماموتو

ملصق & ldquo إذا كان الرجال والنساء يحصلون على أجر متساوٍ مقابل العمل المتساوي ... & rdquo قسم عمل النساء داخل مكتب النساء والأحداث في وزارة العمل
1948 (شووا 23)
مملوكة لمجموعة جوردون دبليو برانج ، جامعة ماريلاند

& ldquo لعبة لوحة جديدة : مساران للحياة للرجال والنساء المعاصرين & rdquo بواسطة كيوتاكا كاتابوري (ملحق لـ النادي الأدبي [بونجي كورابو] 13 ، لا. 1 ، 1907 [ميجي 40] هاكوبونكان)
مملوكة للمتحف الوطني للتاريخ الياباني `


الفنون البصرية اليابانية


كان أسلوب الرسم الصيني مؤثرًا في التطور المبكر للرسم الياباني ، ولكن بشكل خاص بعد القرن الرابع عشر ، تطورت اللوحة اليابانية بطرق مختلفة. أصبحت هذه الاختلافات واضحة خلال القرنين السابع عشر والتاسع عشر عندما عزلت اليابان نفسها عن العالم الخارجي.

تميل اللوحة اليابانية إلى أن تكون أكثر تجريدية وطبيعية من الرسم الصيني ، اعتمادًا على الفنان والموضوع. سمح النمط الياباني بمزيد من العفوية والفردية. على الرغم من أن المناظر الطبيعية اليابانية ولوحة التمرير البانورامية تميزت بمنظور متغير ، مثل الرسم الصيني ، ركزت العديد من الأعمال على موضوعات أكثر حميمية ومحدودة ، مما سمح بمزيد من المنظور الواضح وتأثيرات الإضاءة. تم عمل صور فردية ومشاهد من الحياة اليومية ودراسات عن النباتات والحيوانات وتم التعامل مع هذه الصور بعفوية وفردية. على النقيض من الجماليات الصينية الأكثر زخرفية ، يميل الأسلوب الياباني إلى التقليل إلى الأساسيات ، في محاولة لالتقاط الشكل والخصائص الأساسية لموضوع معين. أيضًا ، طور أسلوب الرسم المسمى Ukiyo-e ، والذي أصبح معروفًا للغربيين بشكل أساسي من خلال المطبوعات الخشبية في القرن التاسع عشر ، طرقًا مميزة للغاية ومثيرة لاستخدام الخط واللون في المناظر الطبيعية ، والبورتريه ، وموضوعات أخرى. كان لمطبوعات Ukiyo-e تأثير مهم على أعمال الفنانين الغربيين.

ساهمت حقيقة أن اليابان جزيرة أيضًا في الطريقة التي تطورت بها الأفكار المرئية هناك. مع وجود مساحة محدودة بشكل واضح ، والحاجة إلى إدارتها بشكل جيد ، يتم تسخير حب الشنتو والبوذي للطبيعة. نظرًا لعدم توفر البرية غير المحدودة ، يتم البحث عن جوهر البرية. تطور فن تنسيق الحدائق والبستنة إلى مستوى عالٍ من التطور ، حيث تخلق الترتيبات غير الرسمية المصممة بعناية وهم الأماكن "الطبيعية" ، حيث يتم التقاط جوهر الطبيعة وترويضه. وبنفس الطريقة ، يتم عزل الزهور أو الأشجار أو النباتات أو الحيوانات الأخرى - حتى الحشرات - والاحتفاء بها من قبل الفنان كل هذا في سياق الرمزية القديمة المرتبطة بكل صورة مختارة. سيأخذك هذا الرابط إلى معرض للعمل المعاصر الجميل لإيتشيكو كوبوتا ، سيد الشيبوري الذي أنتج سلسلة من الكيمونو الرائع المستوحى من الطبيعة. كانت الطريقة التي استخدم بها الفنانون اليابانيون الأشكال الطبيعية في تصميم الديكور والرسم ذات أهمية في تطوير أسلوب فن الآرت نوفو.


العمارة هي أيضًا مزيج من التأثيرات الصينية والابتكارات اليابانية. تعتمد الطرق التقليدية للهندسة المعمارية على الأساليب الصينية لبناء الأخشاب. يمكن رؤية التأثير الصيني بشكل أوضح في الهياكل العظيمة التي نجت من فترة نارا (القرن الثامن). الهندسة المعمارية اليابانية ، مثل الفنون الأخرى ، مشغولة أكثر بالشكل من الزخرفة السطحية. هذا المعبد في كاماكورا هو مثال على العمارة اليابانية من القرن الثالث عشر. تشدد التصميمات الخارجية والداخلية اليابانية على المساحة والشكل ، مع الديكور والأثاث الذي يقتصر على الضروريات. كان الترتيب غير المتماثل متعدد الأغراض للمنازل اليابانية ، والأشكال المستقيمة البسيطة التي تم إنشاؤها بواسطة الإطارات وألواح الجدران مؤثرة على المهندسين المعماريين الحداثيين الأوائل ، ولا سيما فرانك لويد رايت ، ومصممي دي ستيجل وباوهاوس. كانت أشكال العمارة والأثاث الياباني أيضًا عاملاً في التطور المبكر لأسلوب الفنون والحرف اليدوية في إنجلترا.

أعجب رايت أيضًا بانشغال اليابانيين بالمناظر الطبيعية وتصميم العمارة كإمتداد للمناظر الطبيعية. أصبح هذا سمة مهمة لعمله.

أثرت اللوحات والمطبوعات اليابانية خاصةً نقوش هيروشيغي الخشبية على عدد من الفنانين الأوروبيين والأمريكيين في أواخر القرن التاسع عشر. اشتهر صانعو الطباعة الآخرون ، مثل شاركو ، بصورهم للممثلين والشخصيات المسرحية. ومن أبرز المستوحاة من المطبوعات اليابانية إدوارد مانيه وفنسنت فان جوخ وجيمس ماكنيل ويسلر. كان استخدام الخلفيات المحايدة ، ووجهات النظر غير العادية ، وتبسيط الأشكال ذات أهمية خاصة بالنسبة إلى Manet و Whistler. قام فان جوخ أيضًا بنسخ تقنيات وملمس النقوش الخشبية اليابانية. أثرت اللوحة اليابانية ، وخاصة الرسم بالحبر ، على العديد من فناني الألوان المائية الغربيين مثل جون مارين. إذا كنت مهتمًا بمزيد من المعلومات حول التأثيرات المتبادلة بين اليابان والغرب ، فجرّب هذا الرابط.


الذكاء الثقافي: فن الأكل في اليابان

(الصورة: 9krai / Shutterstock)

أكل اليابانيون بأصابعهم قبل القرن السابع. جنبا إلى جنب مع البوذية ، من الصين ، تم إدخال عيدان الطعام ، وعادة ما يتم تقطيع الطعام إلى أجزاء بحجم الفم أو في بعض الأحيان أكبر. لسبب ما ، لم تلتقط الملاعق ، وكان اليابانيون يرتشفون عادة من الوعاء مباشرة. يظل وعاء الورنيش تقليديًا لشرب الحساء ولصنع علب البينتو. عادة ما تكون الأوعية الخزفية مخصصة للأطعمة الأخرى ، مثل الأرز والأطباق الجانبية.

سيكون لكل فرد مجموعته الخاصة من عيدان تناول الطعام. (الصورة: iPortret / Shutterstock)

سيكون لكل فرد مجموعته الخاصة من عيدان تناول الطعام. تم استخدام الكرات المنفصلة لتقديم الطعام الذي لم تتناوله مع عيدان تناول الطعام الخاصة بك. تم تطوير نفس التركيز على الأخلاق والآداب هنا تقريبًا في نفس الوقت ، أو إن لم يكن قبل ذلك بقليل ، مما حدث في الغرب ، ولكن من الواضح أن النتائج مختلفة تمامًا. هناك تجنب مماثل لتلويث أطباق التقديم الشائعة بلعاب المرء ، فهو ليس مصدر قلق صحي ، ولكن يتعلق أكثر بأفكار النظافة والتلوث التي تأتي من الشنتوية.

الميزة الفريدة الأخرى هي أنه في الأصل ، لم تكن هناك كراسي. كان داينرز يجلس مباشرة على حصيرة من حصير التاتامي على أرضية خشبية ، وتحب أن تشرب من وعاء ، فإنه يجبرك على القيام بكل شيء ببطء ومنهجية. سيكون من الخطر تناول مثل هذا الطعام بسرعة. عادة ، تقرب الوعاء من شفتيك وتحرك الطعام إلى فمك باستخدام عيدان تناول الطعام. يعتبر هذا أمرًا مهذبًا ، على عكس ما يحدث في الغرب حيث لا يمكنك حقًا التقاط الطبق ، فمن الأفضل أن ينسكب الطعام على ربطة عنقك وأنت تحضره إلى فمك. يتم وضع الطعام على طاولات خشبية صغيرة ، وبينما يتم إخراج كل شيء مرة واحدة ، تبدأ بأطعمة معينة قبل أن تشق طريقك إلى الآخرين. غالبًا ما تحتوي الأطباق الساخنة على أغطية صغيرة موضوعة على كل منها لإبقائها ساخنة في بعض الأحيان يكون مجرد وعاء مقلوب آخر يعمل كغطاء. يمكنك بعد ذلك فتحه واستخدامه كوعاء آخر.

إنشاء التقاليد اليابانية

ربما كان أكثر الحفل طقوسًا هو تناول الشاي ، تشادو .

تطورت أخلاق رسمية وطقوسية للغاية في القرنين السادس عشر والسابع عشر ، خاصة بين طبقة الساموراي ، ربما لنفس الأسباب التي طورت بين النبلاء في الغرب في نفس الوقت بالضبط: أنت تمنع سوء التفاهم والانفجارات العنيفة. تذكر أن الجميع مسلحون ، ولكن على الطاولة ، هناك طقوس هدنة. احتفلت أكثر المراسم طقوسًا بتناول الشاي ، تشادو.

جاء الشاي نفسه مع بوذيين من الصين ، لكن لسبب ما ، فقد شعبيته واستعاد شعبيته في العصور الوسطى. هذا ليس عادةً أوراق شاي أسود مخمر كما هو موجود في الصين ولكن شاي أخضر في شكل مسحوق. اليوم ، أوراق الشاي الأخضر أو سين تشا أكثر شيوعًا ويسهل صنعه أيضًا. هناك احتفال تم تطويره في القرن السادس عشر بهدف عكس فلسفة زن: لقد سعى إلى خلق تجربة جمالية كاملة للفن والعمارة والبستنة والحرف اليدوية والطعام. هناك وليمة رسمية تتزامن مع الاحتفال - تسمى كايسيكي ريوري—ترتيب صارم للدورات. إن التفاصيل حول سبب انغلاق اليابان فجأة ، بعد الانفتاح الشديد على التأثير الخارجي ، مذهلة. كان البرتغاليون هم أول أوروبيين أقاموا مراكز تجارية في اليابان.

قائمة دورات كايسيكي متعددة الدورات (الصورة: Omongkol / Shutterstock)

في البداية ، تبنى اليابانيون بسعادة الأطعمة الأوروبية ، وبدأوا في صنع الحلويات ، وتناول الكعك الأصفر ، وما شابه ذلك.

جلبوا معهم المبشرين اليسوعيين. في البداية ، تبنى اليابانيون بسعادة الأطعمة الأوروبية ، وبدأوا في صنع الحلويات ، وتناول الكعك الأصفر ، وما شابه ذلك. هناك كتاب الطبخ البربري الجنوبي- في إشارة إلى الأوروبيين - يسجل كل هذه الوصفات البرتغالية ، ربما في أوائل القرن السابع عشر. ثم ، في عام 1639 ، شعر توكوغاوا شوغونيت أن كل هذا الاتصال كان ذريعة لاستعمار اليابان - ربما كان ذلك صحيحًا - قرر حظر المسيحية وطرد البرتغاليين وعزل أنفسهم عن بقية العالم. تم السماح للهولنديين فقط بالتداول من جزيرة صغيرة قبالة ناغازاكي ، حيث أخذوا المنتجات الفضية واليابانية بشكل أساسي لكنهم لم يستوردوا العديد من المنتجات الغربية. استمر هذا الحظر حتى منتصف القرن التاسع عشر.

والنتيجة أنه خلال هذه الفترة ، طورت إيدو (التي سميت على اسم المدينة الرئيسية) ، الفنون والأدب والمطبخ من تلقاء نفسها تمامًا ، حيث كان هناك استقرار وسلام وازدهار حقيقي للثقافة.

هذا هو الوقت الذي تم فيه تطوير معظم الأطباق اليابانية الكلاسيكية. إنها ثقافة ثرية ، حضرية إلى حد كبير ، ومتطورة حيث توجد طبقة وسطى كبيرة وغنية من التجار وأنواع الأعمال والحرفيين. لم يكن الإمبراطور هو صاحب القوة الحقيقي في هذه الفترة. كانت النخب المحاربة - الشوغون - هم الذين أداروا البلاد ، وطوروا طقوس البلاط. مارسوا فنون الدفاع عن النفس ، وأداروا الحكومة ، واستمتعوا بأنفسهم.

على الرغم من أنهم حكموا سياسياً واقتصادياً ، إلا أن الطبقة التجارية كانت القوة المهمة في هذه الفترة. كان لديهم المال الذي يأكلونه في كثير من الأحيان كانوا يعيشون في هذه المدن - إيدو وأوساكا وكيوتو - وذهبوا لتناول الطعام في ما ينبغي أن نطلق عليه المطاعم. من الآمن أن نقول أن هذه كانت أول ثقافة طعام تعتمد على المطاعم والتي أكدت على جمال الزخرفة وأدوات المائدة وحدائق الزينة التي ترتبط عادةً بمطعم. كان حافزهم هو الابتكار لجذب العملاء. ما اخترعه في النهاية كان المطبخ الياباني الراقي ، والذي يعد أساس معظم الطبخ الياباني التقليدي اليوم. كانت هذه المطاعم في فترة إيدو هي التي ركزت كثيرًا على العرض التقديمي والفلسفة التي تؤكد على ما هو طبيعي وغير متأثر وعشوائي.

فن إعدادات الأماكن اليابانية

لا يتم تقديم الطعام أبدًا بشكل متماثل وهذا ترتيب مصطنع. يتم تجنب جميع أنواع الأطعمة المختلفة على طبق كما تجدها في الغرب ، مع الزينة. في الواقع ، المساحة الفارغة أفضل ، ويتم وضع قطعة واحدة من الطعام في جزء واحد حتى تتمكن من التركيز عليها ومن الواضح أن نسبة المساحة الفارغة والمساحة المشغولة ضرورية. لدى اليابانيين أيضًا هوس بالتغليف: عملية فتح وكشف جميع أنواع الطبقات الجميلة ، بما في ذلك طريقة تقديمها وتغليفها ، ولكنها أيضًا الطريقة التي يتكشف بها الطعام. أنت لا تريد التخلي عنها دفعة واحدة - فأنت تريد أن تكون هناك مفاجآت صغيرة في قاع وعاء الحساء أو أسفل ترتيب الطعام.

المطبخ الياباني هو أيضًا المطبخ الذي يولي أكبر قدر من الاهتمام لحجم وشكل ولون الأطباق التي يتم تقديمها عليها. في الغرب ، نتوقع أن تكون جميع الأطباق متشابهة - ربما تكون بيضاء - وسيحصل الجميع على نفس الأطباق. إنها جمالية صناعية وانتظام وأيضًا ديمقراطية للغاية. قد يبدو الأمر غير عادل إذا ذهبت إلى مطعم وحصل شخص على طبق كبير ، وحصل شخص آخر على طبق صغير. ولكن في المطبخ الياباني ، والأوعية ، وحاويات التقديم ، يتم اختيارها بعناية لزيادة الجودة الملموسة والحسية للطعام. من الجيد تمامًا أن تكون أشكالًا وأحجامًا وألوانًا مختلفة. إن معرفة أن اليد البشرية شكلت الوعاء هي أكثر قيمة من الشكل العادي الذي يتم ختمه آليًا. اليابان بلد يجعل الخزافين والحرفيين كنوزًا وطنية حية ، لذا فإن الأشياء المصنوعة يدويًا تحظى بالتبجيل حقًا. يمكن أن يكلف وعاء شاي raku الحقيقي آلاف الدولارات أو الورق المصنوع يدويًا أو كيمونو الحرير أو الحروف المرسومة يدويًا. يتم تقدير مهارة الحرفي - والطهاة تمامًا في هذا - بدرجة أعلى بكثير مما هي عليه في الغرب ، على الأقل في هذه الفترة.

الجاذبية المرئية أكثر أهمية من أي مطبخ آخر تقريبًا: الاهتمام الدقيق باللون والشكل وكيف تجلس الأشياء على الطبق والتصميم العام.

ميزة أخرى لهذا الترتيب الدقيق هي الاهتمام بالحواس المختلفة. المظهر المرئي أكثر أهمية من أي مطبخ آخر تقريبًا: الانتباه الدقيق للون ، والشكل ، وكيف تجلس الأشياء على الطبق ، والتصميم العام ، وكذلك ملمس الطعام في فمك. هل هو مقرمش أم غروي أم مطاطي؟ هل تدخل الرائحة إلى أنفك وأنت تحضرها إلى فمك؟ هناك أيضًا هذا الاهتمام بنوع الذكريات أو الارتباطات التي قد يمتلكها الطعام مع العشاء: مع مكان معين أو وقت معين من العام ، أو مهرجان ، تمامًا مثل ربط الديك الرومي بعيد الشكر أو لحم الخنزير مع عيد الفصح ولكن لديهم الكثير ارتباطات أكثر تحديدًا يتم استحضارها بوعي. قد تكون هناك مجموعة كاملة من الأطعمة التي تم تجميعها في وجبة واحدة لأنها مرتبطة بالخريف ، أو يوم الصبي ، أو شيء من هذا القبيل.

على عكس المأكولات الغربية أو حتى المأكولات الآسيوية الأخرى ، يقدر اليابانيون المكونات الفردية بمفردهم بدلاً من مجموعات معقدة من النكهة والملمس ، وهناك شيء بسيط للغاية حول هذا الأمر ، وهذا هو السبب في أن الطهي (والفن في هذا الشأن) كان جذابًا للغاية للغربيين لاحقًا أو مؤخرًا. كما أن تقنيات الطهي بسيطة للغاية. إذا تم طهيه ، يتم طهيه لمدة زمنية محددة ، وعادةً ما يتم طهيه على موقد طهي. لا يوجد الكثير من الخبز أو التحميص ، يتم تقطيع الطعام إلى قطع صغيرة بحيث يتم طهيه بشكل أسرع وبشكل متساوٍ ، ولا تحتاج أبدًا إلى أداة حادة على الطاولة. جميع الأطعمة تقريبًا مطبوخة على البخار أو مشوية أو مقلية.

صندوق بينتو

صندوق بينتو هو حقًا الطعام الياباني المثالي. (الصورة: hlphoto / Shutterstock)

صندوق بينتو هو الطعام الياباني المثالي. إنه غداء مصغر أنيق بالكامل في صندوق. يوجد أرز في اللب ، ولكن هناك أيضًا قطعة صغيرة من السمك المشوي ، وروبيان واحد ، وبعض المخللات ، وبعض السلطات الباردة قد تكون من جذر الغوبو أو الأرقطيون مرتبة على شيسو ورق ، وهناك القليل من الفاكهة. يتم تقديم كل عنصر في مقصورة فنية خاصة به حتى لا تختلط ، ويقصد تناولها أثناء التنقل. فكر في مدى اختلاف ذلك عن الطريقة التي نأكل بها شطيرة أو وجبات سريعة في الولايات المتحدة. إنه سريع ولكنه موحد: كلها مكدسة معًا ، مالحة ، دهنية ، ومغطاة بالكاتشب ، أليس كذلك؟ صندوق بنتو منفصل وكل نكهة وملمس هو حلقة مصغرة خاصة به في مجموعة كاملة من الدورات مأدبة صغيرة في صندوق ، إذا كنت تريد.

بالطبع ، تغيرت علبة البينتو وجميع أشكال الطعام الياباني الأخرى مع التصنيع. لكنهم ما زالوا يحتفظون بشيء من تلك الجمالية الأصلية لهذه الفترة. ليس من المستغرب أن المطبخ الياباني كان له مثل هذا التأثير الكبير على المطبخ الغربي في القرن العشرين.

أسئلة شائعة حول فن الأكل في اليابان

تتكون الوجبة اليابانية الشائعة من وعاء أرز أو سمك أو لحم وخضروات مخللة ووعاء من حساء ميسو.

السوشي / الساشيمي هو الطعام الأكثر شعبية في اليابان حتى الآن ، ويأتي الرامن في المرتبة الثانية. كلاهما مهووس بهما ولديهما العديد من الاختلافات.

المطبخ الراقي مثل كايسيكي ، وتناول الطعام في غرفة خاصة ، وكابو ، والتي كانت مطاعم راقية ، ازدهرت وتطور الثقافة اليابانية خلال فترة إيدو. ومع ذلك ، اتخذ طعام الشارع في ذلك الوقت طابعًا جديدًا جذريًا مع هوس الياتاي ، والذي كان عبارة عن أكشاك متنقلة تقدم وجبات جاهزة للأكل لعدد متزايد من السكان أثناء التنقل.

كان & # 8220fourk & # 8221 من مطبخ Edo عبارة عن أطعمة أصابع. تم طهي ثعبان البحر مع صلصة الصويا الحلوة ، وتمبورا المأكولات البحرية (التي لا تزال جنونًا) مع صلصة التغميس ، ونودلز سوبا ، والزلابية ، والهدية الشاهقة للعالم ألا وهي السوشي. وُلِد السوشي في فترة إيدو باعتباره النوع الذي نعرفه الآن باسم نيغيري.


فن اللعب: تاريخ اليابان المليء بالمرح

كتب الشاعر اليوناني القديم أوفيد أن الطريقة التي نلعب بها تكشف نوع الأشخاص الذين نحن عليه. يتساءل المرء كيف كان سينظر إلى اليابانيين في الأيام الخوالي ، الذين حولوا اللعب إلى شكل من أشكال الفن.

& # 8220 أنماط اللعب: تاريخ صناعة المرح في الفن & # 8221 في متحف سنتوري للفنون يتعمق في العديد من الملاهي ، مع معارض تتراوح من فترة موروماتشي (1392-1573) إلى فترة إيدو (1603-1868). يضم أكثر من 100 معرض ، بما في ذلك اللوحات والأعمال الفنية الأخرى التي تصور وسائل الترفيه في ذلك اليوم ، بالإضافة إلى بعض العناصر الأصلية التي تم استخدامها للعب.

كان الأشخاص الذين يستمتعون بأنواع مختلفة من الاستجمام على مدار العام موضوعًا شائعًا لأسلوب Yamato-e الكلاسيكي للرسم الياباني. & # 8220Customs شهرًا بشهر & # 8221 شاشة قابلة للطي من ست لوحات من فترة إيدو ، على سبيل المثال ، تتضمن مشاهد لأشخاص يستمتعون بأزهار الكرز في الربيع ويرقصون في مهرجان صيفي.

عُرضت في وقت مبكر من المعرض كرة شبيهة بكرة القدم مصنوعة من جلود الغزلان. تستخدم في لعبة تسمى كيماري كان سيتم ركله في الهواء من قبل اللاعبين لأطول فترة ممكنة. في مشهد واحد من ألبوم صور يوضح Murasaki Shikibu & # 8217s الشهيرة & # 8220Tale of Genji ، & # 8221 مجموعة من مسؤولي المحكمة منغمسين في اللعبة ، حيث تراقبهم سيدة نبيلة سراً من خلف شاشة الخيزران. رسم الألبوم سوميوشي جيوكي ونُقِش بواسطة سونو موتويوشي في القرن السابع عشر.

تبنت اليابان لعبة اللوحة go من الصين ، وتم تضمين لوحة Edo Period go المثيرة للإعجاب في المعرض. مزينة ببذخ ماكي إي ورنيش ، يتميز بتصميم جبل هوراي بزخارف رافعة وخيزران وأشجار صنوبر باللونين الأسود والذهبي. في الصين ، اعتُبرت الكفاءة في فن الخط والرسم بالحبر والموسيقى والانطلاق جزءًا أساسيًا من الحياة الثقافية وأصبحت تُعرف باسم & # 8220 أربعة فنون. & # 8221 قسم واحد من المعرض مخصص للصور ، العديد من الصين ، تصور السادة وهم يتابعون هذه الأنشطة.

مثال على موضوع الفنون الأربعة الذي تناوله الرسامون في اليابان هو عمل القرن السابع عشر لـ Kaiho Yusho. في الأعمال الفنية الأربعة اليابانية ، ومع ذلك ، فإن الصينيين تشين، نوع من آلة القانون ، تم استبداله بـ Shamisen ، بينما تم استبدال go ، على الرغم من شعبيته ، في النهاية بتصوير أشخاص يلعبون لعبة اللوح سوغوروكو.

يُشتق سوغوروكو من لعبة الطاولة ، التي نشأت في مصر وانتشرت إلى أوروبا ثم آسيا. يُعرض أيضًا مثال رائع على لوحة سوغوروكو إيدو ، باللونين الأسود والذهبي ، مكتمل بزوج من الزهر وحامل النرد.

كانت ألعاب الورق ، التي تم تقديمها في الأصل من البرتغال ، هواية شائعة أخرى منذ منتصف القرن السادس عشر وما بعده. كانت البطاقات المبكرة المصنوعة في اليابان تستند إلى التصميمات الأوروبية ولكن سرعان ما تم استكمالها أو حتى استبدالها بزخارف يابانية. بمرور الوقت ، تم إنشاء أنواع معينة من الطوابق ، مثل سطح Unsun الشهير ، الذي يُعتقد أنه سمي على اسم البرتغالي لـ & # 8220one & # 8221 و & # 8220 أعلى درجة. & # 8221

لن يكتمل أي فحص مسرحي في اليابان دون إلقاء نظرة على عالم أماكن الترفيه ، ويخصص المعرض قسماً للأعمال المتعلقة بهذا الموضوع الشعبي. تصور العديد من لوحات & # 8220House of Pleasure & # 8221 في فترة إيدو بالتفصيل مجمعات المباني حيث عاش وعمل المحظيات ، وتعرض لهم الترفيه عن عملائهم بالموسيقى وألعاب الورق وغيرها من وسائل التسلية. ومع ذلك ، في القرن السابع عشر ، زوج من الشاشات القابلة للطي ، & # 8220Amusements of Women & # 8221 ، نحن على دراية عندما تكون النساء بمفردهن ويمكنهن الاستمتاع بأشكال الاسترخاء الخاصة بهن & # 8212 تبريد أقدامهن في نوع من الممر المائي الذي يمر عبر الفناء وحتى احتضان بعضهما البعض ، في إشارة إلى الحب الحقيقي وراء تجارة العلاقة الحميمة.

& # 8220Styles of Play & # 8221 يلقي نظرة أيضًا على العديد من الملاحقات الخارجية ويتضمن صورًا عديدة للرماية وسباق الخيل والناس يرقصون في الشوارع وبالطبع ، ماتسوري (مهرجانات).

& # 8220Scenes على طول ضفاف النهر في شيجو ، كيوتو ، & # 8221 زوج من الشاشات القابلة للطي من القرن السابع عشر ، يظهر الناس وهم يستمتعون بالعروض الموسيقية والرقصية. اليوم يأكل الناس ويشربون على طول ضفاف نهر كامو المصوَّر في هذا العمل ، الذي يُعد ملكية ثقافية مهمة ، بدلاً من الاستمتاع بالترفيه ، لكن عادة التهدئة هناك والاستمتاع بأمسيات الصيف مستمرة.

& # 8220Styles of Play: The History of Merrymaking in Art & # 8221 at the Suntory Museum of Art يستمر حتى 18 أغسطس & # 1651،300. لمزيد من المعلومات ، قم بزيارة www.suntory.com/sma.

في زمن المعلومات المضللة والكثير من المعلومات ، أصبحت الصحافة الجيدة أكثر أهمية من أي وقت مضى.
من خلال الاشتراك ، يمكنك مساعدتنا في الحصول على القصة بشكل صحيح.


شاهد الفيديو: طاوله يابانيه رهيبهكوكب اليابان